NO ME CUENTES EL FINAL

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR

2012-02-04T14:40:00.000+01:00

Capitán América: el primer vengador (Captain America: The First Avenger)
2011
USA
DIRECTOR Joe Johnston
GUIÓN Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Joe Simon, Jack Kirby)
MÚSICA Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA Shelly Johnson
REPARTO Chris Evans, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Tommy Lee Jones, Sebastian Stan, Stanley Tucci, Toby Jones, Dominic Cooper, Neal McDonough, Richard Armitage, David Bradley, Kenneth Choi, Natalie Dormer, Derek Luke, JJ Feild, Bruno Ricci, Samuel L. Jackson

Titulo que cuenta el inicio del Capitán America, posiblemente el superheroe más importante en Marvel ( el más famoso o que más vende no seguramente, pero si el más importante).
Como cualquiera primera parte de una trilogía de superheroe, gran parte del metraje inicial se dedica a contar sus orígenes.
Y realmente lo peculiar de este es que transcurre durante la 2º guerra mundial.
Nuestro protagonista es un hombre ridículamente encanijado y bajito, pero que desea ir a pelear a Europa por su país, pero que pese a intentarlo varias veces, no logra pasar las pruebas medicas para enrolarse en el ejercito.
En su ultimo intento, conoce a un curioso científico, que logra meterlo en un pelotón especial de entrenamiento, para lograr reclutar un soldado al que inyectarle un suero que lo convierta en el super-soldado.
Como era de esperar, nuestro querido protagonista es el elegido para probar primero el suero, convirtiéndolo en el hombre perfecto, y único, ya que un espía nazi mata al doctor, que se lleva con él el secreto del suero.

Después de los orígenes del héroe, llega posiblemente el mejor momento de la película, ya que cuando uno espera que comience a pelear contra los nazis, al pobre lo ponen en un ridículo espectáculo para recaudar bonos por el país para la guerra. Momento que el director aprovecha para homenajear a las primeras versiones del personaje en el comic, con un traje calcado al que se veía en los inicios, que como era de esperar, queda horrible en su traslado a la pantalla.

Por suerte para él (y para nosotros), no tarda mucho en plantarse en primera linea de batalla, y vemos al Capitán America que todos querían ver.

Sus detractores apoyan su poco apego a ella en que hay poquísima acción, y aunque en parte pueden llevar razón, eso es solo producto de que la mitad del metraje es usado para contar el origen del héroe, pudiendo dar la sensación de que no hay acción, pero esta llega justo cuando es necesaria. Ya veremos más acción en la segunda parte, como casi siempre ocurre en este tipo de cine (x-men o Spiderman por ejemplo).

Personalmente, me he quedado contento con "El Capitán America" porque tiene un trabajo de producción estupenda. Toda la película me recuerda a aquel cine bélico, que ya por desgracia no se hace, ambientado en la segunda guerra mundial.
Además, ha sido genial ver como han introducido a Hydra en el "esquema" nazi. Y no olvidaré que Cráneo Rojo ha estado realmente bien recreado, con una subtrama bien trazada.

Obviamente, quejarse del fanatismo y el exagerado amor por su país del héroe es como decir que vas a ver una película de Harry el sucio pero que odias que vaya disparando a todo dios.
Todos sabemos de que pié cojea el héroe por los comics, y realmente, aunque no hallas leído un comic en tu vida, con solo el nombre y el uniforme del susodicho, esta claro como va a ir la cosa.

Solo quizás un punto negativo, su poco acertada banda sonora.

Gran primera película, y esperemos que su trilogía siga por el buen camino.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN 10
DIRECCIÓN: 8
ACTORES: 8
MÚSICA: 6

MEDIA: 8

13 ASESINOS

2012-01-04T08:11:00.000+01:00

13 Asesinos (Jûsan-nin no shikaku)
2010
Japón
DIRECTOR Takashi Miike
GUIÓN Takashi Miike, Daisuke Tengan (Historia: Kaneo Ikegami)
MÚSICA Kôji Endô
FOTOGRAFÍA Nobuyasu Kita
REPARTO Kôji Yakusho, Takayuki Yamada, Yûsuke Iseya, Gorô Inagaki, Masachika Ichimura, Mikijiro Hira, Hiroki Matsukata, Ikki Sawamura, Arata Furuta, Tsuyoshi Ihara, Masataka Kubota, Sôsuke Takaoka, Seiji Rokkaku, Yûma Ishigaki, Kôen Kondô, Ikki Namioka, Shinnosuke Abe, Kazue Fukiishi, Megumi Kagurazaka, Nizaemon Kataoka, Kazuki Namioka

A finales de la época del Shogunato en Japón, un grupo de samurais es contratado con la misión de acabar con la vida del hermanastro del Shogun, un ser abominable que comete violaciones y asesinatos sin ningún limite gracias a su posición.

Takashi Miike es seguramente uno de los cineastas más personales del actual cine japones. Todas sus películas se empapan de una violencia extrema, con gore en abundancia, y con humor que sobrepasa muchas veces lo grotesco.

¿Que se podía esperar de este remake de una vieja película de samurais?
Pues Miike vuelve a sorprender a todos, y nos ofrece un film muchisimo más "clásico", eso si, con muchas muertes y violencia (recordemos el argumento), y con algún que otro momento que recuerda a su filmografía anterior, pero en bastante menor medida. El director se pone serio, y no le queda mal.

Contada en tres actos, en el primero de ellos al líder de los 13 asesinos, y de paso el propio espectador, le ponen al día de las fechorias del señor feudal, y de su personalidad perversa y maligna. Memorable sin duda la escena de la hija del jefe campesino...
En el segundo acto, comienza el reclutamiento de la banda de samuraís que llevará a cabo dicha misión.
Y en el acto final, se lleva a cabo la preparación de la batalla, y la lucha durante la misma.

Es este ultimo acto el que será recordado como una de las escenas de batallas más largas del cine, con cerca de una hora de luchas a katana entre los 13 asesinos y sus rivales.
Pero no es bueno quedarse solo en eso, ya que esta película nos trae al mejor Miiker, con una dirección sublime, y todo para lograr seguramente el mejor film sobre samurais.
Y eso no es poco.
Altamente recomendable. Y en unos años, película de culto.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN 10
DIRECCIÓN: 10
ACTORES: 9
MÚSICA: 9

MEDIA: 9.4

LA MAQUINA DE BAILAR

2011-12-16T18:38:00.001+01:00

La maquina de bailar
2006
España
DIRECTOR Óscar Aibar
GUIÓN Óscar Aibar, Jimina Sabadú
MÚSICA Javier Navarrete
FOTOGRAFÍA Teo Delgado
REPARTO Santiago Segura, Jordi Vilches, José Corbacho, Eduardo García, Bárbara Muñoz, Chema Rodríguez, Oskar Salcedo, Benito Pocino, Josele Román

Tercera película del director Oscar Airbar, tras la maldita "Atolladero" y la conseguida "Platillos volantes".
Esta es, sin duda, la peor de la filmografía del catalán.
Partimos de la base del concepto de la película en sí.
¿Quien no recuerda algún film de deportes donde el protagonista tiene que vencer a un rival, generalmente mejor?. Rocky, !A por todas! o Karate Kid son ejemplos de ese tipo de cine.
Pues de eso trata esa película.
Para ello, aquí no se usa el boxeo, ni el fútbol, ni el atletismo.
Se apuesta por una maquina de baile, de Konami.
Obviamente, nada puede ser tomado en serio con semejante idea inicial, así que lo mejor es apostar por un tono de comedia, que se extienda a lo largo de todo el guión de forma imposible de esconder.
Por desgracia, la comedia es muy difícil de hacer. De hacerla bien, digo.
Y si al hecho de algunos diálogos poco acertados le sumas muchos actores perdidos que casi siempre se dedican a leer el texto sin molestarse en entonar o algo parecido, el desastre esta servido.
Bueno, esa es sin duda la parte más negativa de "La Maquina de Bailar", que no se puede negar que hunde la película para todo aquel que no quiera entrar en lo que nos propone.

Y es que, aunque parezca que no, la película tiene dos puntos a su favor.
Para empezar, el propio concepto de cinta de broma, cine "friki" del de verdad. Si uno es capaz de sentarse a ver la película sin prejuicios, listo para reírse de la larga lista de personajes subrrealistas que aparecen durante el metraje(todos pasadisimos de rosca), olvidarse un poco del guión, y dejarse llevar por algún que otro momento friki (todo lo que concierne al campeonato en sí, con ese duelo final contra el "chino"), seguro que acaba pasando un buen rato. Pero teniendo claro que esto no es cine de calidad, es solo cine de entretenimiento.
Y el segundo punto a su favor, a mediado de la película tiene una defensa de las películas "baratas" que es posiblemente la mejor defensa que podrían tener.

Por desgracia, en el computo general no se puede negar que es una película fallida, solo apta para cinéfilos amantes del cine "raro" "raro"...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 2
AMBIENTACIÓN 5
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 2
MÚSICA: 4

MEDIA: 3.4

PLATILLOS VOLANTES

2011-12-12T11:44:00.000+01:00

PLATILLOS VOLANTES
2003
España
DIRECTOR Óscar Aibar
GUIÓN Óscar Aibar & Jorge Guerricaechevarría
MÚSICA Javier Navarrete
FOTOGRAFÍA Mario Montero
REPARTO Ángel de Andrés López, Jordi Vilches, Macarena Gómez, José Luis Adserías, Leo Bassi, Enrique Villén , Pere Ponce, Ángels Poch, Berta Ojea, Juan Margallo, Xavier Serrat, Craig Hill

En el año 1972, en la vía del tren de Terrasa aparecieron dos cadáveres decapitados.
Uno de ellos llevaba en su chaqueta una enigmática nota: "Los extraterrestres nos llaman. Pertenecemos al infinito".
La posterior investigación dio como resultado que ambos hombres se habían suicidado.

De ese hecho real, el director Oscar Airbar crea una película en la que nos cuenta una hipotética forma de como dos personas adultas deciden acabar con su vida de una forma tan radical.
Juan (un Vikhes discretito) es un joven de veintipocos años, con una vida gris y normal. Trabaja como oficinista en una fabrica textil, y tiene una novia formal con la que piensa casarse al volver del servicio militar.
Atraído por el mundo de los Ovnis, conoce a José, un trabajador de su misma empresa. Juntos comienzan a descubrir que en breve, los extraterrestres llegaran a la Tierra, y ellos son los elegidos para prepararles el recibimiento...

Escondida detrás de una comedida, "Platillos Volantes" encierra realmente el drama de dos personas normales y corrientes, ahogados en una vida que les asfixia, de la que ya no esperan nada.
Ese es el motivo por el que José (un impresionante Ángel de Andrés, actor poco valorado) cree ciegamente en los extraterrestres. Como descubrimos durante el visionado, ya antes había intentado llenar su vacía vida con la política, afiliado al ilegal partido comunista.
Felíz por conocer a Juan, que se une a sus aventuras ufologicas, ambos volverán a descubrir que nada de lo que creen es verdad, cayendo en el más absoluto patetismo en una escena memorable en una comisaria de policía.
Después, ya solo les queda una definitiva caída en la locura, con sus funestas consecuencias.
Aunque quien sabe, quizás les resulte mejor morir creyendo que con ello logran viajar con sus adoradores extraterrestres, que continuar en una vida apagada y triste.

"Platillos Volantes" consigue algunos momentos realmente admirables, y uno no puede evitar cogerle cariños a esos perdedores, aunque por desgracia, quien no se ha sentido alguna vez en su vida como ellos.
Notable también es la recreacción de Terrasa, ciudad pequeña durante el final de la dictadura, y un trabajo de producción que nos hace viajar más de 40 años atrás, para poder apreciar como hemos cambiado en tan poco tiempo.
Entre otras curiosidades, buen papel de Macarena Gomez, y un pequeño cameo de Craig Hill, actor norteamericano que en los años 60s/70s protagonizó algunos spaghettiswesterns, para después casarse con una española y quedarse a vivir entre nosotros.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN 8
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 6
MÚSICA: 6

MEDIA: 7

Esta es una de las dos cartas reales que los dos suicidas escribieron a modo de despedida horas antes de su final:

"RASDI & AMIEX. SR. MARIUS LLEGET. Barcelona. Señor: Hace ya algún tiempo tenemos CONTACTOS DIRECTOS con esos seres que de una u otra forma vd. y todos los terrícolas han estudiado: LOS EXTRATERRESTRES. Nos han ido mutando lentamente, aunque no en las mismas fechas; empero AHORA entienden, como nosotros, que somos unos EXTRAÑOS EN ESTE PLANETA. De ahí que nos llaman y nosotros, identificados hace tiempo como amigos suyos, PARTAMOS con la alegría más inmensa que jamás soñáramos. Nos dirigimos al CENTRO GALÁCTICO. En nuestro domicilio encontrará vd. algunos apuntes, datos y notas que le servirán para enseñar al terrícola incrédulo (vd. no lo es), de que la VIDA PENSANTE se expande por todo el INFINITO UNIVERSO DEL INDEFINIBLE DIOS. Le conferimos autoridad, por esta carta, para que investigue cuanto y como quiera al respecto, en nuestros domicilios. SABEMOS que nos creerá vd. al instante de leernos ya que, si lo que nos hubiera apasionado hubiese sido la popularidad, hace ya algún tiempo la tendríamos. Un saludo Kósmico. Firmado: WKTS. Adjuntamos carta para la ONU".

EL CAPITÁN TRUENO Y EL SANTO GRIAL

2011-10-08T20:04:00.000+02:00

El capitán Thueno y el Santo Grial
2011
España
DIRECTOR Antonio Hernández
GUIÓN Pau Vergara (Cómic: Víctor Mora)
MÚSICA Luis Ibars
FOTOGRAFÍA Javier Salmones
REPARTO Sergio Peris Mencheta, Natasha Yarovenko, Manuel Martínez, Adrián Lamana, Gary Piquer, Ramón Langa, Asier Etxeandia, Alejandro Jornet

SINOPSIS Durante la II Cruzada, el Capitán Trueno encuentra en las mazmorras de una fortaleza de Palestina a un cristiano moribundo llamado Juan de Ribera, quien le encomienda la misión de llevarse a España un cáliz sagrado que según él es el Santo Grial, que fue robado a una orden religiosa milenaria. Trueno, sus inseparables amigos Crispín y Goliat y una princesa vikinga llamada Sigrid de Thule tendrán que hacer frente a un malvado señor feudal y a sus “diablos” negros, que tienen atemorizada a la población del bajo Aragón.

Palos y más palos, y aún no se había ni estrenado.
La verdad es que lo de este país con el cine es digno de estudio.
Bueno, aquí uno que ha visto la película, así que, aunque muchos hagan lo contrario, paso a dar mi opinión de la misma (bueno, en verdad, otros da lo mismo que la vean o no la vean, saben que será una mierda fija).

El Capitán Trueno es un ambicioso proyecto, que durante varios años, ha estado gestándose, y que al final se ha convertido en película, dirigida por Antonio Hernandez, que ha firmado algún que otro buen film (Lisboa, En la ciudad sin limites).
Supongo que la mayoría sabe quien es el Capitán Trueno, clásico de las viñetas españolas de los años 60's, que nos cuenta la historia de un caballero español en la época medieval.
Sin duda, solo el reto de adaptar al cine una historia de este tipo en España es digna de elogio.
Por desgracia, su director no ha logrado sacarle todo el jugo a la aventura, y es una pena, porque podría haber sido una referencia en el cine de aventuras, pero se ha quedado solo en una ligera y entretenida película.
El principal fallo, sin duda, ha sido la dirección del propio Hernandez, bastante fría y distante, y nada inspirada. Seguramente fuera de genero, no ha sabido encontrar el camino correcto.
Otro de sus lastres es la mala actuación de algunos actores, completamente sobreactuados.
Eso si, algunos ridículos diálogos no ayudan.

Pero no todo ha sido malo.
Hay que reconocer que el esfuerzo por lograr una acertada ambientación ha dado sus frutos, sobre todo en la labor de vestuario.
Y la banda sonora, sin ser nada nuevo, si logra subir el nivel de las imagenes.
Algunas escenas de acción están bastantes bien resueltas.
Otro de los puntos buenos es el ramillete de villanos, algunos más logrados que otros, pero curioso cuanto menos. Y ojo a la trama oculta, creo que bastante simple, pero interesante.
Sobre los protagonistas, solo resaltar la belleza de Sigrid (la actriz Nastaha Yarovenko).

¿Es "El capitán Trueno" tan mala película como parece, por sus criticas?
Sin duda que no.
Tanpoco es una obra maestra ni una gran película, solo una entretenida y ligera aventura, que no pasa nada porque sea española.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN 7
DIRECCIÓN: 3,5
ACTORES: 4
MÚSICA: 6

MEDIA: 5,3

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

2011-09-25T19:08:00.000+02:00

No habrá paz para los malvados
2011
España
DIRECTOR Enrique Urbizu
GUIÓN Michel Gaztambide, Enrique Urbizu
MÚSICA Mario de Benito
FOTOGRAFÍA Unax Mendía
REPARTO José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, Pedro María Sánchez, Nadia Casado, Younes Bachir, Karim El Kerem, Abdel Ali El Aziz, Nasser Saleh, Juan Pablo Schuck, Eduard Farelo

-"ROCK AND ROLL..."

SINOPSIS Madrid, principios del siglo XXI. Un día el inspector de policía Santos Trinidad, de camino a casa, ya muy borracho, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar y que podría incriminarlo. Santos emprende una investigación destinada a localizar y a eliminar al testigo. Mientras tanto, la juez Chacón, encargada de la investigación del triple crimen, avanza meticulosamente en la búsqueda del asesino. Santos y Chacón descubrirán muy pronto que lo que parecía un simple caso de tráfico de drogas es, en realidad, algo mucho más peligroso.

Enrique Urbizu vuelve a la pantalla grande.
Despues de 8 años sin estrenar en cines, nos trae una historia que se mueve entre el thiller policiaco y el cine barriobajero.
Urbizu vuelve a repetir con el que se está convirtiendo en su actor "fetiche", José Coronado.
Y es que podriamos hasta decír que su personaje, Santos Trinidad, es una prolongración de aquel otro ex-polícia de "La Caja 507", Rafael.
Parece si como trás el exito de ese rol, Urbizu halla escrito una nueva película donde Coronado es la estrella absoluta.

Junto a Santos Trinidad, Urbizu nos lleva por un viaje a los infiernos, a los suburbios de un Madrid sucio y oscuro.
Una noche cualquiera, este policía de vuelta de todo, violento y borracho, acaba con la vida de tres personas en un puticlub. Pero hay un testigo, y Santos no parará hasta acabar con él.
¿Pero quien es Santos Trinidad?.
Detrás de este nombre se esconde un perdedor en toda regla, una bala perdida, una mancha en el cuerpo de policia. Con barba de varias semanas, ataviado con una chupa marrón, deseoso siempre de sacar su revolver, y capaz de beberse los cubatas en 2 tragos.
Lo que viene siendo un gran hijodeputa,
Coronado se pone en la piel del malvado, y nos regala una de las mejores actuaciones vistas desde hace muchos años en el cine español.

ESTA PARTE DE LA CRITICA CONTIENE SPOILER:

Santos irá tirando del hilo, y a la vez que el espectador, descubrirá una trama terrorista que acecha en Madrid.
Y este es posiblemente el mayor dilema que la película nos pone en juego; A la vez que Santos, una jueza irá investigando, pero Santos siempre irá un pazo por delanrte que ella. Y es que sin Santos, seguramente la jueza hubiera llegado tarde, con lo cual es gracía al personaje oscuro y malvado por lo que se logra evitar un mal mayor. Extraña circunstacia. ¿Critica a la justicia, o sonrisa soncarrona?

FIN SPOILER.

-"Yo hubiera echo lo mismo"

Sobre la parte tecnica, poco se puede discutir la maestria arcanzada por Urbizu, tanto en el manejo de la camara, como en la buena elección de la fotografía.
Todo ello se redondea con una música acorde con lo narrado, y un grupo de eficaces secundarios, que nos da como resultado una película fenomenal, cine del bueno, que como diría alguno, "...no parece español".

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 8
MÚSICA: 8

MEDIA: 8.6

TUNO NEGRO

2011-06-04T09:50:00.001+02:00

Tuno Negro
2001
España
Director: Pedro L. Barbero, Vicente J. Martín
Reparto: Silke, Jorge Sanz, Fele Martínez, Maribel Verdú, Eusebio Poncela, Patxi Freytez, Enrique Villén, Rebecca Cobos, Sergio Pazos, Montse Mostaza, Marián Aguilera, Carla Hidalgo, Javier Veiga, Paca Gabaldón, Alexis Valdés
Guión: Pedro L. Barbero, Vicente J. Martín
Fotografia: Carlos Suárez
Música: Roque Baños

SINOPSIS Un psicópata asesino se infiltra en la tuna universitaria de Salamanca y elige sus víctimas a través de internet. Con la noche y la juerga desmadrada como cómplice, el "Tuno Negro" comete sus crímenes con una pauta simple: morirán aquellos que sean los peores estudiantes de cada clase. El último no pasará de curso, ni tendrá la opción de repetir...

Vamos desde un principio a ser honrados, venga.
Tuno Negro es una película mala. Mala no, malisima.
Pero tiene algo que la convierte en entretenida, y es que sobre todo, ni ella misma se toma en serio.
Tardía recreación de las películas de terror norteamericanas donde un asesino va matando uno a uno a una panda de adolescentes/jóvenes.
¿Como se podría transladar esto al cine español?.
Fácil, nos vamos a la Universidad de Salamanca (llena de jóvenes) y de asesino ponemos un Tuno, añadiéndole un adjetivo (negro mismamente). Y es que ya de por sí los Tunos producen terror.
No se puede negar que la idea de un Tuno asesino es bastante curiosa, pero no olvidemos que la película se va a reír de todo dios, así que para empezar, ¿que mejor que para los papeles de universitarios poner actores que claramente pasan la treintena?. Verdú, Sanz y hasta Silke precisamente veintipocos no aparentan...
Para colmo, de pareja de policías ponemos una copia de Harry el sucio (Villén impagable, atención a su momento final en la catedral) y a un pipiolo recién salido de la academia y casi más joven que los estudiantes.

De todas formas, nada es comparado al desaguisado del guión. Sobre todo hay un aspecto que resulta fascinante, y no es otro que la utilización del ordenador, y del intenet, que hacen los guionistas para que la película avance. Para ello, se permiten licencias como que los ordenadores se enciendan solos, ya conectados directamente a la red. Con dos cojones...
Tampoco se queda atrás cuando se descubre quien es el asesino. Uno empieza a rememorar los asesinatos, y ve que es imposible lo que nos quieren contar.

Otra joya de la película es sin duda la actuación de su protagonista, Silke. En especial, su total falta de expresión facial, y su horrenda vocalización. Y eso que normalmente tengo echo ya el oído al mal sonido o las malas vocalizaciónes españolas (que por lo visto, aquí es una clase que no se estudia en interpretación, supongo). Pero lo de Silke en esta película es exagerado. Si a ello le unimos que es incapaz de entonar de forma diferente en toda la película, hace que sus diálogos sean.una especie de lengua muerta

En su lado positivo, su fotografía es seguramente lo mejor, con un bella Salamanca.
También el personaje del asesino, el Tuno Negro, está bastante conseguido, con un machete la mar de "tuneado" (perdón por el chiste fácil). Ojo a la historia del origen del Tuno Negro, que la verdad es que es de lo mejor del flojo guión.

Pero sobre todo, lo mejor de la película es que a los pocos minutos descubres que nada tiene ni pie ni cabezas, que no hay investigación policial seria, y que todo se reduce a ver como el susodicho Tuno Negro mata a todo el que pilla por delante. Si te das cuentas pronto de eso, la cosa se pone entretenida, y hace que pases la próxima hora riéndote.
Claro, lo malo es que muchos se creen que esto es una cosa seria, y así es difícil pillarle el punto.
Yo la recomiendo para una tarde tristona.

Como últimos datos sobre la película, decir que fue una de las producciones españolas que hizo más taquilla en el cine de aquel año, y sobre todo, las malisimas criticas que despierta en todo en el que la ha visto. Seguramente que no encontraras a nadie que te diga que le gustó.

Posdata: Ojo a las dos canciones que aparecen en los créditos del final, "Tú no, negro" y "Tuno bueno, Tuno muerto". Por si alguien no había pillado de que iba la cosa...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 1
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 2
ACTORES: 3
MÚSICA: 6

MEDIA: 3.6

PERRAS FURIOSAS

2011-03-25T14:19:00.000+01:00

Perras Furiosas (Bitch Slap)
USA
2009
Director: Rick Jacobson
Reparto: Julia Voth, Erin Cummings, America Olivo, Michael Hurst, Ron Melendez, William Gregory Lee, Minae Noji, Kevin Sorbo, Lucy Lawless, Renée O'Connor, Dennis Keiffer, Zoe Bell
Guión: Rick Jacobson, Eric Gruendemann
Fotografía: Stuart Asbjornsen
Música: John R. Graham

Tres mujeres llegan a una perdida caravana en busca de un botín oculto de una organización mafiosa.

Por desgracia para ellas, no será nada fácil dar con el escondite del dinero.

La serie B elevada a la décima potencia.
Rick Jacobson, director de television (Xena, Spartacus, Nikita), nos enseña su lado más desenfrenado y enloquecido en esta película, masacrada por la mayoría de los espectadores que han probado a resistir su visionado.
Despues de unos currados y logrados creditos, nos llega la historia de "Perras Furiosas".Tres tías sexys haciendo como que enseñan carne. Y digo haciendo porque a lo largo de todo el metraje no se ve nada realmente.

Si a escenas "sexys-estúpidas" de las protagonistas (atención al momento cubos de agua) les suma violencia, armas, sangre, cromas cantosos y poco presupuesto, ya tienes la formula de "Perras furiosas".

Homenaje del homenaje, la fotocopia de una copia. (Tarantino, Rodriguez, spaghetti, cine acción y la saga Bond).

Rodada seguramente en una única localización real, desde que comienzas a ver los cromas cantosos sabes ya lo que vas a ver, que no es otra cosa que una especie de gran broma, o mejor dicho, una gamberrada en formato cine.

Eso si, no voy a negar que algún giro en la trama hasta consigue llamar tu atención. Bueno, si, la trama en un principio parece que no existe, pero haberla hayla.

Seguramente, su extraño montaje por medio de continuados flas backs será lo que termine por hacer que la mayoría del publico abandone su visionado a los pocos minutos.

Yo no lo voy a negar, reconociendo que cinematograficamente es una aberración (llamativo lo malo de los efectos, parecen hechos así adrede), me he reído con algunos momentos, y la ultima parte me ha parecido hasta resultona.

Eso si, no apta para feministas Aunque aquí son ellas las que pegan ostias, así que a lo mejor si les gusta. Bueno no, mejor que no la vean. Pero hay escenas lesbicas. No se, quien sabe, a lo mejor...

Pd: Si alguno se preguntaba donde se metían Xena y Grabiel, aquí está la respuesta..

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 5
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 3
MÚSICA: 4

MEDIA: 4.8

Quantum of Solace

2011-01-09T10:41:00.001+01:00

Quantum of Solace
2008
Inglaterra
Director: Marc Forster
Reparto: Daniel Craig, Judi Dench, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric, Jesper Christensen, Joaquín Cosio, Jeffrey Wright, Giancarlo Giannini, Gemma Arterton, Fernando Guillén Cuervo
Guión: Robert Wade, Paul Haggis, Neal Purvis
Fotografía: Roberto Schaefer
Música: David Arnold

Después del éxito y de la buena película que fue Casino Royal, Craigh volvía a ponerse en el papel de Bond en esta inmediata continuación de la anterior.

Enfrascado en una venganza , Bond se toma esta misión de descubrir quien está detrás de la organización Quantum como algo muy personal (supuestamente fueron ellos los culpables de la muerte de su amada en Casino Royal), y se dedica a matar a todo el que pilla por delante.

Y ese es el mayor problema de esta Bond 22.

La cinta abandona cualquier parecido con la saga del agente secreto, y se convierte en una película de acción al uso, como una peligrosa "copia" de Bourne. Su director por no dejar, no deja ni guión, ni trama ni realidad, y todo es una sucesión de escenas de acción encadenadas entre sí por una inexistente linea argumental.

Aparte, uno de sus mayores fallos es que si no has visto Casino Royal, es imposible que entiendas nada, ya que el director ni se digna en ofrecerte un resumen para situarte ni nada.

Tendremos pues que tratar este "Quantum of Solace" como una de tiros más, olvidandonos que es una de Bond.

Obviamente, va a perder mucho encanto...

Como película de acción, se deja ver. Pese a que su alocado montaje, con una sucesión de planos llevados a la exageración, hace algo "mareante" su visionado, no se le puede negar que entretiene. Pero poco más, la verdad.

Se nota mucho que es una producción con un presupuesto desbordante, y eso permite a su director crear escenas bastantes impactantes. Por desgracia, uno al final se acaba dando cuenta de que casi todo es puro relleno...

Y aunque en Casino Royal también había acción y luchas a raudales, hay que recordar que de escenario para ello se utilizaba una historia bien creada y desarrollada, algo de lo que adolece este nuevo Bond.

Por cierto, cosa curiosa, la película fue un autentico boom en los cines, dejando bien claro que al publico palomitero les gusta el nuevo enfoque.

Por desgracia, no puedo decir yo lo mismo, ya que durante toda la película no he tenido la sensación de estar viendo una de Bond. Espero que, venganza ya pasada, el próximo Bond sea algo más "clásico" con el personaje.

Bueno, mejor esperar primero a ver si ese "Bond 23" se acaba rodando...

Y no quiero terminar esta reseña sin citar el pequeño papel de Fernando Guillén Cuervo en la película como un militar corrupto, que ya puede contarle a sus nietos que a él lo mató James Bond...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 6
MÚSICA: 6

MEDIA: 5,2

2010-12-24T21:03:00.001+01:00

BALADA TRISTE DE TROMPETA

2010-12-17T23:53:00.000+01:00

Balada triste de trompeta
2010
España
Director: Alex de la Iglesia
Reparto: Carlos Areces, Carolina Bang, Antonio de la Torre, Santiago Segura, Sancho Gracia, Manuel Tallafé, Fernando Guillén Cuervo, Raúl Arévalo, Enrique Villén, Terele Pávez, Fran Perea, José Manuel Cervino, Gracia Olayo, Joaquín Climent, Luis Varela, Juana Cordero
Guión: Alex de la Iglesia
Fotografía: Kiko de la Rica
Música: Roque Baños

Madrid, 1937.
En un pequeño circo, un pelotón de soldados del bando Republicano entra a reclutar "voluntarios" para el inminente ataque que van a sufrir por parte de los Nacionales.
El payaso triste es uno de los que se ve obligados a luchar, con machete en mano, y completamente enloquecido no duda en acabar con todo el que se pone por delante, aunque es herido y capturado vivo.
Muchos años despues, su hijo quiere ser payaso como su padre, y para eso se une a un destartalado circo, donde conoce a una bella trapecista, y a un payaso tonto...

Una historia de un amor imposible, es la ultima película del seguramente el mejor director español del momento, Alex de La Iglesia.
Dos payasos locos luchan por el amor de una rubia trapesista en la españa del finales del franquismo.
De la Iglesia no se corta, y decide echar toda la carne en el asador. Si en "Muertos de risas" ya nos enseñó un poco de ese mundo personal tan siniestro, aquí el humo negro, y la violencia se apodera de la película. Y es que incluso podriamos considerar a "Balada Triste de trompeta" como una revisión de "Muertos de Risas".

Brutal en todos los sentidos, uno solo puede alegrarse porque De La Iglesia ha vuelto por el buen camino, con una obra personal e irrepetible, con un elenco de actores fabulosos, con un acabado tecnico perfecto, y con una tragedia que reboza amor rojo, muy rojo.

Por desgracia, creo que esta película será un fracaso (y espero esquivocarme). Pocos van a entender todo lo que nos enseña.
Y es que seguramente que nadie pillará que toda la historia de amor es solo una representación de lo que pensamos algunos que fué la guerra civil española, dos payasos peleandose por una guapa muchacha, con funestas consecuencias.

Mención especial merecen sin duda los creditos iniciales, desde las risas de los niños, pasando por las imagenes que vemos y que sirven como arranque de la película. Tampoco me quiero olvidar de los primeros 15 minutos, realmente arrolladores, con una visión de la Guerra Civil que nunca habiamos visto en una película española..
Y dos frases para la posteridad, ambas dichas por el payaso triste:
-La muerte une mucho.
-Y vosotros...¿de que circo soís?.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 9
MÚSICA: 9

MEDIA: 9

SexyKiller

2010-09-28T20:43:00.001+02:00

Sexykiller
2008
España
Director Miguel Martí
Reparto: Macarena Gómez, César Camino, Javier Ambrossi, Alejo Sauras, Paco León, Ramón Langa, Ángel de Andrés López, Javier Botet, Fernando Ramallo, Jimmy Barnatan, Maria Lanau, Juan Carlos Vellido, Luciano Federico, Juan Díaz, Eloi Yebra, Carolina Bona, Pablo Pinedo, Andreu Castro, Diego Romaña Garcia, Nadia Casado
Guión: Paco Cabezas
Fotografía: Carles Gusi
Música: Fernando Velázquez

Está es una de esas películas que uno sabe que por desgracia no va a arrasar en las taquillas, por lo menos en los cines españoles.

Y como era de esperar, "SexyKiller" fracasó.

Vista ahora, es una pena, porque es una propuesta original, arriesga
da, y poco vista por estos lares, más acostumbrados a un cine distinto.

Barbara parece la típica chica guapa y pija, bastante distraida y solo pendiente de la moda. Lo que se diría, la víctima perfecta para morir si esto fuera una película norteamericana de asesino en serie.

Pero no, en esta película, la psicópata que mata a gente es ella.

Bajo esta premisa inicial, estamos ante una verdadera parodia de los films llamados "slaghts", que dirían los entendidos, es decir, en cristiano, un asesino matando jovencitos/as durante 90 minutos. La parodia consiste en que Barbara ofrece un rol diferente al esperado.

Todo ello en una cuidada estética pop, como si realmente estuviéramos en un desfile de modelos más que delante de una muerte tras otra.

Eso si, la parodia del mismo genero siempre está presente, y no importa lo burda y descuidada que sea la asesina, nunca va a ser descubierta ni por sus ingenuos amigos ni por la despistada policía. Todo está llevado al extremo.

Por desgracia, el guión adolece a mediados del metraje de cierta bajada de ritmo, que seguramente hará que los más impacientes se pierdan la ultima media hora, con un giro brutal en la trama, que es posiblemente lo segundo mejor de la propia película.

Y digo lo segundo, porque sin dudarlo quien luce como la protagonista absoluta es Macarena Gómez, que logra una actuación perfecta para un personaje tan difícil, y logra que muchas escenas se salven gracias a ella realmente.

" SexyKiller" es una lograda comedia, injustamente tratada por critica y por el publico, que realmente supongo que no entendieron nada del asunto. A mi se me hizo muy entretenida, sobre todo por su ya mencionada ultima media hora, donde nuestra asesina preferida se dedica a repartir a diestro y siniestro...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 6
MÚSICA: 6

MEDIA: 6.4

Balada Triste de Trompeta

2010-09-20T18:48:00.000+02:00

Supersonic Man

2010-09-10T19:23:00.000+02:00

Supersonic Man
1979
España/Italia
Director: Juan Piquer Simón
Reparto: Antonio Catanfora, Cameron Mitchell, Richard Yesteran, Diana Polakov, José María Caffarel, Quique Camoiras, Tito García
Guión: Juan Piquer Simón, Sebastian Moi
Fotografía: Juan Mariné
Música: Carlos Attias, Juan Luis Izaguirre, Gino Peguri

Piquer Simon es uno de los directores españoles con la filmografía más curiosa, dedicada en su mayoría a un tipo de cine de genero muy poco visto en España.
Titulos como "Slugs, muerte viscosa","Mil gritos tiene la noche" y otros parecidos forman parte de la historia del cine de ciencia-ficción/gore en España.
Pero allá por 1979, este director tuvo el valor de echarle un pulso al "Superman" de un año antes, y no dudó en rodar una película juvenil sobre un superheroe de creación propia, el gran Supersonic Man.
Eso si, por desgracia, el guión de la misma es más que juvenil, escrito para un publico infantil.

A la Tierra llega Kronos, un extraterrestre con la misión de salvar el planeta de los planes de un megalómano villano que quiere dominar el mundo.
Kronos tiene, aparte de la capacidad de volar, un sinfín de poderes que lo hacen invencible. Para poder relacionarse con los humanos, Kronos adopta una identidad secreta.

El plato fuerte por supuesto que no es la trama, ya que el plan del villano es realmente inexistente, y solo secuestra a un científico para que le ayude a desarrollar un rayo de destrucción masiva, pero nunca lo tortura ni nada, solo se pone a contarle sus planes en interminables conversaciones a lo largo de todo el metraje.
Mientras, Supersonic Man se dedica a hacerse amigo de la hija del susodicho científico, frustrando los planes de secuestrala también a ella una y otra vez, hasta que al final descubre la base del villano, logrando acabar con este y toda su organización.

Rodada para aprovechar el éxito ya comentado del primer "Superman", es un producto totalmente creado para un publico en concreto, y vista ya con más de treinta años en el tiempo, no se le pueden negar sus múltiples y notables fallos.
Pero como este es uno de los títulos más masacrados en la red, aquí un servidor prefiere quedarse con las cosas buenas del mismo, como son algunas maquetas, sobre todo las naves espaciales, la actuación de Cameron Mitchell como el desfasado y enloquecido como Dr. Gulik, el malo de la historia, un uso de algunos efectos especiales bastantes logrados para el año y el país del que es la película, y sobre todo, el final en el que mientras Supersonic Man avanza hacía el villano, este intenta detenerlo con ataques variados en lo que parece una isla "viviente".
Pero sobre todo, creo que solo tener el valor de querer una producción de este tipo en España ya de por si merece cuanto menos una alabanza.
Eso no quita pese a todo que sea una mala película, con lagunas en el guión, y sobre todo con una falta de ritmo alarmante.

A "Supersonic Man" por lo menos, ni los más negativo con ella podrán quitarle el honor de ser cine de superheroes rodado en España (aunque ambientada en Nueva York), la primera y seguramente la unica...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 5
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 4
MÚSICA: 3

MEDIA: 3.8

MUCHA SANGRE

2010-06-22T10:25:00.000+02:00

Mucha Sangre
2002
España
Director: Pepe de las Heras.
Reparto: Paul Naschy (Vicuña), Rodolfo Sancho (Choro), Txema Sandoval (Cortaojos), Isabel del Toro (Icíar), Julio Campos (Tiojuan), Carlos Lucas (Loco).
Guión: Ramón Heres y Pepe de las Heras.
Fotografía: Pablo Hernández
Música: Abel Jazz

Autentico festival de cascarria gore, acción desenfrenada, comedia enloquecida y sobre todo sangre, mucha sangre.

Dos presos escapan de la prisión de alta seguridad de Torre Bruno en Almeria.
Uno es el Choro, un heavy pacifista pero experto en Boxeo, y el peligroso Cortaojos, asesino psicópata.
Ambos deciden unir esfuerzos para ir a a cobrar una deuda del Cortaojos con su antiguo socio Vicuñas.
Antes pasan por el garaje de TioJuan para dejar a la chica a la que han secuestrado para poder escapar de la prisión, y amarse hasta los dientes para ir al bar que gerenta Vicuñas.
Pero después de matar al susodicho deudor y a toda su banda, descubren que ocurre algo raro, ya que vuelven a revivir como si no les hubiera pasado nada...

Debút del director Pepe de las Heras, en un cine que une humor español rancio, gore, y homenajes, muchos homenajes al cine en general.
Partiendo de unos personajes estirados hasta más no poder, destacan sobre todos el de Cortaojos (Txema Sandoval), un cateto típico de la España rural (tanto en la mentalidad como en el vestuario), con una fijación en cortarle los ojos a cualquiera que pille por delante.
Tambien luce el TitoJuan que es un es viejo verde, vestido con una camiseta y una bufanda del Betis.
O Vicuñas, representado por Paul Naschy, antiguo socio de Cortaojos, y con una extraña predisposición a sodomizar a todo hombre que pille por su local..

Con una historia simple pero efectiva para lo que busca su director, que tiene sus raíces en los sucesos de Palomares en el año 1966 cuando dos bombas atómicas cayeron en la playa, y Fraga fue allí a bañarse para demostrar que no había peligro.
Poco a poco vamos descubriendo que no fueron dos bombas atómicas lo que se estrellaron en las aguas de la España Franquista.

No se puede negar sin duda que "Mucha Sangre" no es un cine apto para todos los publico. Olvidese de verla con su mujer/novia o madre.
Lo ideal es quedar con unos cuantos colegas, y prepararse con unas cuantas cervezas para el espectáculo que uno está por ver.

Quizás realmente lo más extraño del visionado es que las partes que supuestamente deben de causar risa dan bastante penitas, ya que los gaggs son muy ridículos y con poquita gracia (sobre todo unos que se repiten con un policía), en cambio, son los momentos gores los que les sacara la sonrisa a más de uno, por su exceso en todo los sentidos. Mítico sobre todo es CortaOjos con una sierra mecánica...
Aparte, la película se desmarca con un par de tiroteos estilo John Woo, pero a lo español.
Y entre tantos otros homenajes, no podemos dejar de pasar por alto los que se les hace a Tarantino, o hasta al mismísimo Terminator.

Como era de esperar, la película en España fué un total fracaso, masacrada además por la critica en todos sus aspectos.
Una pena porque este tipo de cine, hecho para entretener, sin ápices de comercialidad, se merece algo más como mínimo por su total falta de complejos.
Aparte, que si decides decir que es una mierda, puede ser que te encuentres con CortaOjos.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 5
ACTORES: 5
MÚSICA: 5

MEDIA: 5.8

INQUISICIÓN

2010-06-07T11:20:00.000+02:00

Inquisición
1976
España
DIRECTOR Paul Naschy
REPARTO Paul Naschy, Daniela Giordano, Mónica Randall, Juan Luis Gallardo, Ricardo Merino, Antonio Isbert, Antonio Iranzo, Antonio Casas, Julia Saly, Eduardo Calvo, Loretta Tovar, Eva León, Tota Alba
GUIÓN Paul Naschy
MÚSICA Máximo Barratas
FOTOGRAFÍA Miguel Fernández Mila

SINOPSIS: En la Francia del siglo XVI, el Gran Inquisidor Fossey en su ciega lucha contra los supuestos herejes, apóstatas y adoradores de Satán, no duda en perseguir sus objetivos y utilizar las más crueles e inimaginables torturas para satisfacer sus más perversos instintos y conseguir el favor de los poderosos. La aparición de la bella Catherine, acusada de brujería, trastocará involuntariamente los planes del Inquisidor. Éste, desbordado por su pasión amorosa hacia la muchacha, empezará a actuar de una manera que le comportará las peligrosas antipatías de sus antiguos aliados

La Inquisición no se puede dudar que fue una de las grandes lacras de la humanidad (una de tantas, por otro lado). Usando como escusa la religión, se cometieron atrocidades y salvajes torturas, la mayoría de ellas que acaban siempre con la muerte del supuesto brujo.

Con todo ello, Jacinto Molina (Paul Naschy), preparó un guión. Por desgracia, no logró encontrar a nadie que lo dirigiera, y no le quedó otra que ser él mismo el director de la película, estrenándose como realizador, y por consiguiente sin verdadera experiencia en semejante empresa.

En un primer (o desganado) visionado uno puede quedarse solo con los desnudos varios, o con lo erótico de ver las torturas de hombres encapuchados a bellas jóvenes, haciendo que rápidamente se deseche el producto haciéndolo pasar por una del destape y poco más, siendo esto totalmente alejado de la realidad.
Y es que si uno rasca más allá de la superficie, puede ver muchos matices en esta historia, basada ligeramente en un hecho real.
Desde la condición humana, caníbal hasta el limite. Basta la declaración poco fiable de una niña de 10 años sobre una fantasía para que se torturara y se matara, con el único fin de lograr que el hereje confesara, dando por hecho que no había ningún tipo de juicio para clarificar la inocencia de los acusados.
En una época en que la peste mataba a miles de personas, los gobiernos solo encontraron la solución en echarle la culpa al mismísimo Diablo, y por ende a los perdidos que hacían tratos con ellos.

Las principales virtudes de "Inquisición" son el cuidado puesto tanto en los decorados como en el vestuario, logrando una acertada recreación histórica.
Sus momentos de delirios, en los que la protagonista "viaja" al Sabath para adorar al Diablo, tienen una hipnótica belleza.
Quiero también detenerme en que Naschy decidió dejar todo el mundo de las brujas en un estado muy indefinido, ya que el espectador no sabe si realmente ocurre en la realidad la magia negra o solo en la mente de las brujas.
Quizás la respuesta está en el personaje del sanador, cuando da su opinión sobre dicho asunto.

En resumen, estamos ante el debút de Naschy tras la cámara, que no pudo ser mejor, ya que esta película no dejará indiferente a nadie, para lo bueno y para lo malo.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 6
MÚSICA: 7

MEDIA: 7.2

LOS SUSTITUTOS

2010-05-25T11:21:00.006+02:00

Los sustitutos (The Surrogates)
USA
2009
Director: Jonathan Mostow
Reparto: Bruce Willis, Radha Mitchell, Ving Rhames, Rosamund Pike, Michael Cudlitz, Boris Kodjoe, Valerie Azlynn, Jack Noseworthy, Rachel Sterling, Stream, Jordan Belfi, James Francis Ginty, Michael O'Toole
Guión: Michael Ferris, John D. Brancato
Fotografía: Oliver Wood
Música: Richard Marvin

En un futuro cercano (o realidad alternativa, ya que los hechos narrados pueden perfectamente haber ocurrido a principio de los años 90) la humanidad utiliza robots (llamados sustitutos) para vivir su vida fuera de su casa, mientras ellos los controlan desde un sillón. Cada uno puede tener el aspecto que desee, aunque eso hace que lo poco que quedaba de humanidad se pierda.
Pero un asesinato hará que el agente del FBI Tom Greer se vea obligado, cuando su sustituto es destruido, a salir de su casa para continuar con la investigación, haciendo que descubra realmente en que se ha convertido su vida.

Adaptando una novela gráfica con guión de Robert Venditti y dibujo de Brett Weldele,
Jonathan Mostow, director de "Terminator 3", "Breakdown" o "U-571", nos enseña el peligro que tiene la dirección que está tomando el mundo, donde es fácil encontrar las evidentes similitudes entre la realidad que internet ofrece a muchos en la actualidad con una situación en que ya ni siquiera saldremos de nuestra habitación, salvo para comer o ir al baño, en un total abandono del contacto con los demás.
Este dilema moral es el que el personaje de Willis, Tom Greer lleva planteándose desde hace un tiempo, en el que ha estado viviendo una vida cómoda desde su sillón, pero triste y apagada.
El hecho de que posiblemente lleve años sin ver a su esposa real, que no sale de su cuarto, es la señal para Greer de que algo no funciona.

Todo estas dudas le sobrevienen cuando Greer tiene que descubrir a un asesino que con un arma desconocida está matando a sustitutos y a los humanos que están trás ellos. El agente del FBI tendrá que meterse en las reservas, zonas especiales donde los humanos que no quieren o no pueden costearse un sustituto viven como en una especie de comuna hippi. En una de estas reservas se esconde el asesino.

El gran fallo de "Los Sustitutos" fue sin duda su campaña de promoción. En ella la película aparecía como lo que no era. Uno al ver uno de sus trailers pensaba que al ir a verla se encontraría con un film de acción con Bruce Willis maldiciendo a los robots y rompiendo cabezas, y claro, la película es todo lo contrario.
Con apenas dos escenas de acción (muy espectaculares, eso si), "Los sustitutos" es realmente una historia de investigación, una especie de cine negro pero en un futuro algo cambiado. Unos continuos giros en el guión así lo confirman.
Pero más allá incluso que eso, es una película de ciencia ficción con muchos dilemas, preguntas y pocas respuestas. Los mejores momentos de la misma es sin duda la relación que el protagonista mantiene con su mujer, con los diálogos más logrados de la cinta.

Y es que realmente la trama que sirve como motor de la película, como en las viejas películas del cine negro, no es que importe mucho, es solo la chispa que sirve como detonante para todo lo demás, lo que más nos interesa.

Si encima en el reparto nos encontramos con un Bruce Willis que sabe aguantar el tipo en este tipo de cine, y sobre todo con la guapa Radha Mitchell en un papel inmerso, la cosa no puede ser mejor.

Obviamente, creo que con un director con un poco de más talento la película podría haber sido muchisimo más, pero se mantiene en un nivel aceptable y tiene aciertos, aparte de estar rodada de forma muy original con algunas escenas usando gran angular, algo ya poco usado en el cine, aunque por desgracia, la mayoría del publico se quedó solo con el peluquín que usaba el sustituto de Bruce Willis.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 7
MÚSICA: 6

MEDIA: 6.4

3 DIAS

2010-05-12T10:43:00.006+02:00

3 Dias
2008
España
Director F. Javier Gutiérrez
Reparto Víctor Clavijo, Mariana Cordero, Eduard Fernández, Daniel Casadellá, Ana de las Cuevas, Elvira de Armiñán, Juan Galván
Guión F. Javier Gutiérrez, Juan Velarde
Música Antonio Meliveo
Fotografía Miguel A. Mora

Las autoridades mundiales anuncian que en tres días, un meteorito chocará con la tierra, llevándose por delante toda vida humana.

Con esta idea inicial nace "3 Días", una película rodada en Sevilla.
Pero su director, F. Javier Gutierrez, en vez de centrarse, como harían en una producción norteamericana, en evitar el fin de la humanidad, lo que hace es contarnos la historia de un don nadie.
Alex es un joven perdedor que vive con su madre haciendo chapuzas para poder sobrevivir. Cuando la ONU anuncia la noticia de la llegada del meteorito, Alex se prepara para recibirlo acostado en su camastro, bebiendo y escuchando música, sin importarle mucho su cercana muerte.
Pero todo cambiará cuando los presos de una cárcel cercana escapan. Entre ellos se encuentra un asesino psicópata que tiene una cuenta pendiente con el hermano mayor de Alex. Pero este se encuentra fuera de Espala de viaje con su esposa, y a la madre no le quedará otra que prepararse para proteger a su cuatros nietos, con la ayuda, casi obligado, de Alex.

Premiada como mejor película en el Festival de Malaga del 2008, "3 dias" auna de forma lograda varios géneros, desde el fantástico, pasando por el cine de catástrofe, el thiller, el western o el drama.
Con un reducido presupuesto, se logra una decente puesta en escena, con una fotografía oscurecida en ocasiones y polvorienta en otras.
No creo que se halla (ni se vuelva a hacer) tratado un argumento como este en el cine español, y solo por eso se merece un visionado.
Y aunque no podríamos esperar ver muchos efectos especiales, creo que lo puesto en escena logra resolver con cierta dignidad los problemas que presentan el libreto para que el espectador lo pueda visualizar de una forma ingeniosa.

Obviamente, el asunto del meteorito es realmente secundario, más allá del macguffin que sirve para que los sucesos arranquen.
En una época no definida, aunque parece finales de los años 70 en el sur de España, se prepara una trama que convulsiona en un desenlace violento y desgarrador, que seguramente a nadie dejará indiferente, tanto a favor como en contra.

Todo ello gracias en parte a un atinado reparto, desde una sufrida Mariana Cordero, un "pasota" Victor Clavijo, o un enigmático Eduard Fernández.

En su conjunto es una notable propuesta nacional, un nuevo punto de vista del fin del mundo, y una demostración que con talento y ganas se puede hacer buen cine.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 6

MEDIA: 6.8

Trailer "Los mercenarios"

2010-05-07T09:51:00.007+02:00

Vuelven...

MAX PAYNE

2010-05-05T12:43:00.005+02:00

Max Payne
2008
USA
Director Jhon Moore
Reparto Mark Wahlberg, Mila Kunis, Beau Bridges, Ludacris, Chris O'Donnell, Donal Logue, Amaury Nolasco, Nelly Furtado, Olga Kurylenko
Guión Thomas H. Fenton, Shawn Ryan, Beau Thorne
Fotografía Jonathan Sela
Música Marco Beltrami, Buck Sanders

Max Payne es un atormentado oficial de policía de la la ciudad de Nueva York, por el asesinato de su esposa y su bebe hace un año, un crimen no terminado de resolver al no encontrar al asesino.

Adaptación del juego "Max Payne" verdadero mito que arrasó en el año 2001.
Era una aventura de acción que se intercalaban con escenas de viñetas que iban cortando la historia.
La principal novedad era que añadía por primera vez el bullet time (tiempo bala), que consistía en que por unos leves segundos los rivales se ralentizan, pudiendo el héroe hasta esquivar las balas que les disparaban. Aunque muchos piensan que esto estaba basado en Matrix, realmente en quien estaba basado era en las películas coreanas de John Woo, ya que cuando se estrenó Matrix en los cines el juego ya estaba en su ultima fase de creación.
"Max Payne" fué un autentico éxito tanto en el PC como en varias consolas, y siete años después llegaba su adaptación a la pantalla grande.

Max Payne es un oscuro y silencioso policía de oficina con una vida triste. Por la noche se dedica a patearse las calles buscando al autor del asesinato de su esposa y su hijo hace un año.
Payne logra encontrar una pista que lo lleva hasta lo que parece ser la resolución de encontrar y cazar al que acabó con su familia, pero para ello tendrá que bajar hasta los infiernos de la ciudad, y perderá en ese viaje la poca cordura que le quedaba.

Con algunos cambios en el guión, manteniendo la esencia pero modificando parte de la trama y los personajes, el director John Moore supo, por lo menos, añadirle la estética que cautivó a los que jugamos al videojuego. Con colores apagados, en una ciudad siempre nevada y sucia, y casi siempre en escenarios nocturnos, acompañamos a Max Payne por los suburbios de la ciudad.
Le seguirá la pista a un extraño asesino, todo ello enlazado con una droga de diseño y unos fantasmagoricos demonios alados...

Además de la ambientación, por lo menos el personaje protagonista, Max Payne, recuerda bastante al antiheroe de los pixeles.
Y eso que Mark Wahlberg no es precisamente un dechado de interpretación, pero no hace falta mucho para llevar a la pantalla a un hombre atormentado como Payne.
Junto a Wahlberg, nos encontramos con Mila Kunis como una asesina profesional rusa. Cuando su hermana (una espectacular Olga Kurylenko) es descuartizada, ella decide unirse a Payne, ya que todo parece indicar que siguen al mismo hombre.

Aunque uno podría esperar continuas escenas de acción, he de decir que realmente solo hay tres o cuatros enfrentamientos, aunque eso si, son bastantes espectaculares, usando un par de veces el ya nombrado tiempo-bala.
Usados como momentos cumbres, la mayor parte de la película se desarrolla como una cinta de investigación, una especie de cine de detectives en el siglo XXI.

Por todo ello, la cinta, aunque funcionó relativamente bien en taquilla, recibió muy malas criticas. Ni los aficionados al videojuego en la que se basaba se quedaron contentos, ni tampoco el publico de los cines en general soltaron muchas bondades de ella.

Realmente, no es tan mala.
Es solo entretenida, con una gran puesta en escena, al igual que la fotografía, y una decente adaptación del videojuego.
Esperar más es pedir demasiado...pienso yo.
Por cierto, la escena que se ve tras los creditos finales dejaba la puerta abierta para una segunda parte, que ya veremos si llegamos a verla alguna vez.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 5
MÚSICA: 5

MEDIA: 5.4

DRAGONES Y MAZMORRAS

2010-04-29T00:01:00.001+02:00

Dragones y mazmorras (Dungeons & Dragons)
2000
USA
Director Courtney Solomon
Reparto Jeremy Irons, Justin Whalin, Thora Birch, Lee Arenberg, Zoe McLellan
Guión Topper Lilien & Carroll Cartwright
Fotografía Douglas Milsome
Música Justin Caine Burnett

Esta es mi peor película preferida, lo que viene siendo un "Ed Wood film" moderno, vamos.
Pero vayamos por partes.

"Dragones y Mazmorras" es el primer juego de rol, creado halla por 1978, más o menos, en USA.
Su ambientación bebía directamente de "El Señor de los anillos", aunque el juego se centraba más básicamente en ir limpiando de orcos y variados monstruos miles y miles de mazmorras,templos abandonados y cuevas variadas, ir subiendo de nivel al personaje que llevabas, y lograr tesoros y objetos mágicos. Pronto el juego se convirtió en un éxito, creando el mundo de los juegos de rol, que pese a la mala fama aquí en España, es una perfecta excusa para quedar con los amigos cuando uno era joven y pasarlo bien.
En los años ochenta, se creó una serie de televisión basada en el susodicho juego. Con el amo del calabozo a la cabeza, aquella generación de niños quedaron marcados por aquella esplendida serie de dibujos animados.

Alrededor de 1990, Courtney Solomon piensa que el juego merece una adaptación al cine, y comienza a escribir un guión. Al acabar dicho libreto, comienza a moverlo, pero nadie parece interesado en él.
Diez años después, se anuncia que se estrenará la trilogía del Señor de los anillos.
Es entonces cuando algún ejecutivo se acuerda de aquel guión que lleva años dando tumbos si que nadie lo compre, y creen que es un buen momento para hacer una película barata, que logre arañar algo de la expectación que está creando la versión de cine de el Señor de los anillos.

La productora propone una película con un presupuesto muy reducido, obligando encima que gran parte de él sea gastado para una estrella que encabece el reparto.
Courtney Solomon acepta, y aunque sabe que está delante de un proyecto muy difícil de que salga bien, se postula (y es aceptado) además como director, ya que su trabajo en el guión le da un conocimiento muy amplio para saber que llevar a la pantalla.
Después de rodar la película, Courtney Solomon descubre que la mayoría de las escenas cumbres de la misma son imposible de montar, ya que su reducido presupuesto no le da para más efectos especiales, y no le queda otra que montar como sea lo que tiene rodado. Su idea era que cuando lograra dinero por la recaudación, preparar la segunda parte (tenía en mente una trilogía) , pero antes sacar una nueva versión de la primera parte, en un DvD con el montaje original que tenía en mente el director.

Por desgracia para él, la película fue un autentico fracaso.

Indudablemente, el poco éxito es merecido, ya que cinematograficamente hablando, estamos hablando de un verdadero desastre.

Para comenzar, el guión básico es un refrito del ya nombrado "El Señor de lo Anillos", mezclado con "La guerra de las galaxias".
Un mundo reducido al mínimo (magos y no-magos), clara alusión a diferencia de clases de dinero (ricos y pobres). Una emperatriz que quiere quitarle los privilegios a los magos y que todos los ciudadanos sean iguales, y un mago que quiere acabar con ella para seguir disfrutando de su estado.
Dicho mago, Profion, acusa a la emperatriz de querer acabar con los magos, y le dice que para demostrar su buena fe entregue su cetro de poder, un arma con la que se controla a los dragones dorados, único poder que realmente tiene la emperatriz para mantener a raya a los magos.
Pero un mago bueno descubre un pergamino que lleva hasta otro cetro de poder, pero que controla a los dragones rojos. Con ese cetro, la emperatriz podría darle a los magos el suyo y evitaría una guerra. Pero Profion descubre los planes, y mata al mago consejero de la emperatriz para poder hacerse con el pergamino. En ese momento Marina de Pretensa, alumna del mago, logra escapar con el pergamino, y junto con unos compañeros intentará encontrar el cetro, con los lacayos de Profion persiguiéndolos.

Lo que, pese a todo, parece una idea medio decente, acaba perdida en un desarrollo desastroso.
La película se centra en dos personajes, olvidandose hasta tal punto de los demás del grupo, que estos últimos no hacen nada durante toda la película. En dos ocasiones se quitan del medio, y en otra los quitan...
¿Como es posible que entren dentro de una guarida de ladrones y el enano, que supuestamente es el mejor dotado para la lucha, se quede en la entrada, "de guardia"?
Pero es que encima cuando se preparan para asaltar un castillo en el que esperar un pequeño grupo de soldados, tampoco participa todo el grupo, solo dos de ellos, y eso que iban a recuperar el pergamino y rescatar a la maga...
Cuando después de muchas vueltas, van a entrar en una cueva donde está el cetro de poder, solo puede pasar el prota.
En resumen, todo muy extraño...

Los personajes que conforman el grupo es otro dato a tener en cuenta.
El protagonista, Ridley Freeborn (Justin Whalin), supuestamente es un ladrón. Pero su actitud durante la película recuerda más a un guerrero, con menos sutileza que un elefante. Atención también a su look, completamente ochentero, con chaquetilla de cuero incluida de las que se veían en aquella época en todos los comics.
Peor es sin duda su compañero de color, el actor Marlon Wayans, recién importado de Scarie Movie, con grititos, gestos, tropiezos que deja al Jar Jar Binz del episodio I a la altura de Brando en "El Padrino". Odioso en todos los sentidos.
Eso si, cuando lo matan a mediados de metraje uno solo puede gritar de la alegría (que eso es otra, no se porque se pone a pelear con él maloso en vez de escapar como buen ladrón , pero supongo que solo tendría contrato para 30 dias, tocaba matarlo ya).

La maga es Marina Pretensa (Zoe McLellan), aparte de que está de muy buen ver, es posiblemente la más decente, especialmente con un buen vestuario. Eso si, como es aprendiz, no esperéis mucha magia poderosa.
El enano, dios...¿como empiezo a hablar del enano?. Vale, olvidemos que mide 1.80. No hay dinero, así que eso de hacer un personaje que mida 1,20 mejor olvidarse. Pero, ¿porque hay que ponerle una barba tan descaradamente postiza? ¿o un casco de vikingo de carnavales con solo un cuerno? ¿Y el hacha de juguete a que se debe...
Encima, aparte de que como ya dije su personaje no hace nada salvo caer prisionero, el desarrollo del enano es reducido hasta el minimo. De su boca solo salen gruñidos, y las unicas lineas de dialogo que tiene son sobre mantener relaciones sexuales con un buen enano de 120 kilos...
La elfa de nombre Norda (Kristen Wilson), aparte de llevar una armadura empitonada, seguramente homenaje a Metropolís de Murnay, una ballesta (elfos con ballesta, que elegante), tampoco es que su aportación a la trama sea más allá de relleno.

Los demás personajes tampoco es que estén muy definidos.
Jeremin Irons es Profion, el villano principal, y su actuación no será precisamente recordada. Como no creo que nunca se halla enfrentado a este tipo de papeles, el actor decide darle una sobreactuación que llega a su momento cumbre en la parte final del metraje, con algunas lineas de diálogos "memorables", sin duda.
Bruce Payne es Damodar, el brazo derecho de Profion. Ya con solo verlo con los labios pintados de azul es para que lo poco que intente el actor se vaya por la borda. La escena más surrealista (un interrogatorio a Marina con unos tentaculos que le salen de los oídos para meterse en los de ella y logra la información) la protagonista él.
La emperatriz Savina es Thora Birch, con unos vestidos imposibles, otro personaje poco trabajado que nunca explica sus motivos.

Todo el atrezo, al igual que la mayoría de los decorados y los vestuarios son de una pobleza evidente, que realmente dan un poco de pena.
Obviamente, si a ellos le unes unas escenas realmente mal planificadas y peor rodadas, el resultado es horroroso.

Algunas de esas escenas son por ejemplo un laberinto que supuestamente es de una dificultad enorme, cientos de personas han muerto si poder resolverlos...
Pero claro, cuando llega la hora de resolver dicha prueba, ves que el susodicho laberinto se reduce a tres habitaciones con unos enigmas ingenuos y estupidos...

Otro momento es cuando los dos ladrones y la maga huyen de los soldados de la guardía carmesí, tropiezan con el enano, que se lia a mamporro con los perseguidores, para en la siguiente escena ya formar parte del grupo como si fueran amigos de toda la vida.

Encima, lo que debería de ser el plato fuerte, los dragones, son realmente bastantes limitados, con unos efectos especiales pocos terminados, y que nuncan dan en pantalla la sensación de estar viendo dragones de verdad.

El DvD de esta película viene muy cargado de extras, y en ellos podemos ver todas las escenas eliminadas para "aligerar" la película, aparte de las escenas que se rodaron pero no se pudieron incluir por falta de presupuesto. Vista todas, uno comienza a entender perfectamente muchas subtramas y personajes que en la película oficial solo eran insinuados o en su mayoría poco definidos. Supongo que la tijera que la productora obligó a meter para reducir su metraje a hora y veinte terminó por llevarse por delante lo poco bueno que hubiera tenido la película. El final que obligarón a cambiar es un buen ejemplo de eso.
El director rodó uno en el que no había un final completamente feliz, pero la productora le obligó a cambiarlo, siendo uno de los finales más deslucido y abierto que se ha visto nunca...

Realmente, el unico exito de la película fué lograr algo muy dificil, como es poner de acuerdo a todo el mundo. Los criticos la masacraron, el publico general paso de ella, y los jugadores de rol amantes del susodicho juego en la que supuestamente estaba inispirada la odiaron para el resto de la eternidad.

Unos años despues, sacaron una segunda parte, directamente estrenada en DvD, pero ya C. Solomon no estaba por medio.

Eso si, yo tengo el "merito" de haber visto la película en cine, comprarme el VHS original, y hace poco hacerme con el DvD, que confirman que es mi peor película preferida. Superarme si podeís...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4
AMBIENTACIÓN: 2
DIRECCIÓN: 2
ACTORES: 3
MÚSICA: 2

MEDIA: 2.6

A CIEGAS

2010-04-22T14:14:00.006+02:00

A ciegas
1997
España
Director Daniel Calparsoro
Reparto Najwa Nimri, Alfredo Villa, Mariví Bilbao, Ramón Barea, Javier Nogueiras, Elena Irureta, Víctor Peñas, Vidal Fernández, Begoña Zelaia
Guión Daniel Calparsoro & Nicolás Méndez
Música Mario de Benito
Fotografía Gonzalo Fernández-Berridi

"A Ciegas" es una sátira agresiva que narra la historia de una joven terrorista, Marrubi, que quiere dejar las armas por una vida de paz.
Marrubi pierde los nervios en su primer atentado negándose a disparar sobre su víctima y abriendo fuego sobre su compañero de comando provocando la muerte.
A partir de ahí, tendrá que huir de sus familiares, compañeros, policía y de un comerciante adinerado obsesionado con ella.
Con su acción, Marrubi desencadena un torbellino de situaciones contradictorias que nos llevan a entender el horror de la violencia y lo maravilloso que sería vivir en un mundo de paz.

Tercera película del director Calparsoro.
La que era en aquellos tiempos su mujer, Najwa Nimri, protagoniza la cinta.

Comenzando con una historia sin duda interesante como es las vivencias de una etarra novata que a ultima hora se echa atras, poco a poco el guión se va dispersando, y uno al acabar siente que se ha desaprovechado una gran oportunidad.

Y es que lo que en un principio parece una historia de huida y acción, termina convirtiéndose en una extraño y casi surrealista sueño, con una protagonista que primero pasa a ser secuestrada para juguete sexual, para después ser ella la que secuestra. Todo ello en medio de una trama que avanza poco, mal y a golpes.

Nimri se mantiene en una linea más o menos aceptable, aunque ya comenzaban a verse sus tics ya habituales en sus actuaciones.
Alfredo Villa sobresale aquí con un comedido rol de terrorista que en manos de muchos otros podría haber quedado sobreactuado. Curioso, por otro lado, lo de este actor, que prometía mucho en sus primeros trabajos junto a Calparsoro, pero que con el paso de los años ha ido desapareciendo hasta su semi-olvido o poco más que actor de reparto en televisión.

Con un desastroso sonido que entorpece aún más la dicción ya de por sí poco correcta de la mayoría de los actores, la película es rodada con técnica de cámara en mano bastantes minutos de sus escenas, que no termina de crear un efecto adecuado por un montaje poco acertado.
Eso si, la secuencia de inicio de los creditos es atropelladamente maravillosa.

"A ciegas" es una película fallida, pero que tiene la peculiaridad de presentarnos un tema que aquí en España por norma general no es muy tratado, como es la banda terrorista de ETA, en una época que aún estaba muy caldente (ese mismo año es el secuestro y posterior asesinato de Miguel Ángel Blanco), y que por lo menos para mi tiene cierto valor.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 5
ACTORES: 5
MÚSICA: 6

MEDIA: 5

EL CASTIGADOR(The Punisher)

2010-04-17T21:16:00.006+02:00

El castigador (The Punisher)
2004
Usa
DIRECTOR Jonathan Hensleigh
REPARTO Thomas Jane, John Travolta, Rebecca Romijn-Stamos, Laura Elena Harring, Samantha Mathis, Roy Scheider, Will Patton, Ben Foster, John Pinette, Mark Collie
GUIÓN Jonathan Hensleigh, Michael France, Michael Tolkin
MÚSICA Graeme Revell
FOTOGRAFÍA Conrad W. Hall

Frank Castle (Thomas Jane) es un agente secreto del FBI que hasta el momento ha logrado una carrera intachable. Frank también es un ex operativo de las Fuerzas Especiales. Finalmente sale del campo de batalla para trabajar en una oficina y así poder tener una vida normal con su esposa e hijo. Será entonces cuando el mundo de Frank se viene abajo por el peor temor que siempre tuvo: Su familia es ejecutada como repercusión de su último trabajo. Ahora Castle busca castigar a los asesinos, para encontrar al final lo que menos esperaba: La redención.

Primer intento serio de llevar al personaje a la pantalla grande, tras el primer acercamiento de la protagonizada en 1989 por Dol Laungred, estando aquella lastrada por su poco presupuesto y la poca convicción de los propios productores en el proyecto, que ni permitieron que el personaje llevara su calavera en el pecho.

Contagiado por la oleada de películas sobre superheroes, se pensó que era el momento del Punisher, y en el año 2004, volvía el vigilante.
Aunque se intentó que la película fuera lo más cercano al personaje del comic, no creo que se lograra en su totalidad. Pero vamos primero a hablar de ella como película, y ya después como representación de un héroe de papel.

Cinematograficamente, el fallo de este Castigador es que es lenta. Es de un tipo de cine que ya no se hace, y eso se nota bastante en las criticas que recibió en su estreno.
Obviamente, tener que contar los hechos que llevan a Castle en convertirse en Punisher lleva su tiempo, y esa es seguramente la media hora larga que a muchos les puede sobrar.
Tomemos por ejemplo uno de los asesinos que le mandan al héroe. Es un guitarrista que entra en el bar, se sienta tranquilamente, saca su guitarra...y le canta una canción al Punisher, para después guardar la guitarra e irse, para en la siguiente escena atacarlo realmente.
La mayoría del publico actual espera que de la funda saque una pistola y directamente la dispare...
Otro dato de la forma de dirigir es una escena que es un homenaje a Leone, en un duelo a lo spaghetti, que volveremos a ver en la escena final.
Básicamente, es cine de acción "a la antigua usanza".
Sus (pocas) escenas de tiros son sin duda lo mejor de la película.

Sobre si lo que vemos es el Punisher o no, creo que no. Punisher solo aparece en el epilogo final, y si acaso en el asalto definitivo de Castle a la guarida del villano.
Esta es la historia de una venganza, tras la cual Castle muere y nace el Punisher que conocemos.
Otro asunto es que sin duda, el actor protagonista no da la talla como Castle. Le falta chicha.
Eso si, los amantes de los comics podemos disfrutar al ver muchas historias de la etapa moderna de los guiónes de Garth Ennis y dibujos de Steve Dillon, y hasta un recuerdo a un guiño del comic "Punisher War Zone" con el soplete y el helado.

El reparto está más o menos decente, y Travolta es sin duda el mejor. Es un actor que tiene una mala fama absoluta en la mente colectiva del cinefilo medio, pero me parece mucho mejor actor que como lo pone todo dios.
Ellas estan muy guapas y convicentes, y tener a Will Patton de secundario es todo un lujo.
El problema de Thomas Jane es que no me convece, no le termino de ver en él el rostro del Punisher, pero su actuación no es mala realmente, creo que logra salir al paso.

Jonathan Hensleigh debuta como director. Como él mismo se encarga de decír en los extras de la película, su estilo es de un cine distinto a lo normalmente visto en los cines palomiteros.

La música de Graeme Revell, aunque la melodia principal es un gran tema, el resto no termina de ayudar a subir el nivel de la producción.

En resumen, es una película mucho mejor que las malas criticas que siempre ha recibido, y por momentos logra mantener al espectador enganchado con el plan de la venganza del Castle.
Por desgracía es la peor de las adaptaciones del personaje.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 6
MUSICA: 4

MEDIA: 5.6

EL ULTIMO HOMBRE

2010-04-14T11:36:00.005+02:00

El Ultimo hombre (Last Man Standing)
1996
Usa
DIRECTOR Walter Hill
REPARTO Bruce Willis, Christopher Walken, Bruce Dern, William Sanderson, Alexandra Powers, David Patrick Kelly, Karina Lombard, Ned Eisenberg
GUIÓN Walter Hill
MÚSICA Ry Cooder
FOTOGRAFÍA Lloyd Ahern

En los tiempos de la ley seca, los gángsters y las metralletas, llega un huido de la justicia de camino a Mexico a un fronterizo pueblucho norteamericano de nombre biblico, Jericó, un pueblo fantasma por culpa de dos bandas de contrabandistas que dominan la localidad, y que mantienen una guerra entre ambas.
Viendo una forma de ganar dinero facil, el pistolero, John Smith, comienza a ofrecerse a unos y a otros, no sin antes tener que ir demostrando su dominio de las armas matando a algunos gángsters.

Wartell Hill dirige este western polvoriento y de una amarillenta fotografía.
Algunos lo consideran un plagio de "Yojimbo", otros ven una copia de "Por un puñado de dolares".
Yo veo un homenaje a ambas película, pero sobre todo una notable adptación de la novela original sobre la que se basó Kurosawa, que no es otra que "Cosecha Roja" de Dashiell Hammet, de la que toma la misma epoca para situar la historia.

Narrada de forma relajada, y salpicada por escenas de acción bastante conseguidas, Will nos muestra un impresionante Bruce Willis en un papel hecho a su medida.
Aunque la trama es bastante parecida a las películas anteriormente citadas, hay algunas modificaciones, normal realmente al tratarse de otra epoca.
Quizás el cambio más evidente es el personaje protagonista. Este John Smith es aún más cinico, borracho e hijoputa en general que sus antecesores, aunque en el fondo tambien termina cediendo a una buena causa, motivo que le valdrá para recibir una brutal paliza, con la consabida respuesta de una venganza brutal.
Bruce Willis borda el personaje.
Christopher Walken tampoco se queda atras, dandole la replica a Willis con un papel de un asesino igual de letal que John Smith.

Otro dato a tener en cuenta de "El Ultimo Hombre" son sus escenas de acción. Aquí las semi-automaticas suenan como verdaderas armas, y la forma de rodar de Hill los disparos es realmente de una recreación en pantalla muy efectista, que recuerda por momentos al John Woo de las películas chinas.

La banda sonora de Ry Cooder es otro de los puntos a su favor, con una selección de temas que logran captar la atmósfera de lo que su director quiere transmitir al espectador.

Por desgracia para su director, ni la critica ni el publico entendió la película.
A la primera le pareció simplemente una copia "plano por plano" de la de Leone, aparte que su excesiva violencia era demasiado explicita para los criticos.
El segundo grupo no terminó de engacharse a una historia de gangets, por mucho Bruce Willis y Christopher Walken que encabezara el reparto, y la recaudación no dió ni para cubrir presupuesto.

Para mi es uno de los mejores trabajos de Wartell Hill, y una de mis películas preferidas por reunir el mundo de los gangets y el western en una propuesta original y unica.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 10
ACTORES: 10
MUSICA: 9

MEDIA: 9.4

GRAN TORINO

2010-04-02T14:50:00.001+02:00

Gran Torino
2008
Usa
DIRECTOR Clint Eastwood
REPARTO Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, John Carroll Lynch, Cory Hardrict, Brian Haley, Geraldine Hughes, Dreama Walker, Brian Howe, Doua Moua, Sarah Neubauer, Chee Thao
GUIÓN Nick Schenk
MÚSICA Kyle Eastwood, Michael Stevens
FOTOGRAFÍA Tom Stern

Walt Kowalski es un veterano de la guerra de Corea, y ya jubilado trabajador del sector del automovil.
Arisco y siempre malencarado, Kowalski es un racista emperdenido, que odia a casi todo el mundo por casi cualquier cosa. La unica persona que le entendía y le aguantaba era su esposa, que acaba de morir y dejarlo en la más absoluta soledad.

Poco antes de estrenarse esta película, el propio Clint Easwood anunciaba que esta seria su ultima interpretación de su larga carrera, y solo por ello ya convierte a "Gran Torino" en un acontecimiento remarcable.
Porque después de tantos años disfrutando del actor, a uno se le hace raro saber que nunca más le vas a ver en un nuevo trabajo.
En parte eso ya se veía venir porque ya tenía una edad considerable, pero no por esperarlo el anuncio se convierte en menos triste.
Clint Easwood ha sufrido mucho para llegar a donde está ahora. Aunque sus películas arrasaban siempre en taquilla, siempre se le negaba cualquier asomo de talento a sus interpretaciones. Sus detractores siempre afirmaban que él nunca actuaba, solo ponía su cara, y poco más...
Lo raro es que eso es una opinión que aún persiste en muchos sobre la carrera como actor de Easwood. Y eso que la otra faceta, la de director, ya ha conseguido ganarse a todos de forma unánime, haciendo que hasta sus primeros trabajos como director ahora sean catalogados como de notorios.

Yo no le voy a negar nada, y afirmo sin pudor que para mi es el mejor actor que ha dado el cine.
Ya, ya se que para muchos esto puede ser una afirmación desproporcionada, pero el hecho que desde hace veinte años lleve uno viendo, admirando y esperando sus películas, me hace confirmar que estamos ante el ultimo mito viviente del cine, y que dentro de 100 años será reverenciado como lo que ha sido, una de sus maximas estrellas.

Así que saber que esta será la ultima película en la que podamos disfrutar de Clint delante de la camara le da un carisma especial.

Sobre "Gran Torino" en sí, creo que le ha servido al Clint director como perfecto final para su carrera como actor. Y es que su personaje puede ser tranquilamente Harry el sucio, o cualquier de los cientos de héroes a los que les puso rostro, llegando incluso a los "Hombres sin nombre" de la trilogía de Leone.
Clint no se corta y exagerada los defectos que sus detractores usaban cuando se referían a lo facha de su personaje de Harry el sucio, y hace que Walt Kowalski si sea un racista y xenófobo sin solución.

Después, el camino que tiene que hacer Walt Kowalski es el que nos lleva por el mejor cine de su director, sin efectos especiales, sin grandes alardes, en solo 35 días de rodaje, para recordarnos que es realmente el cine, algo que muchos parecen haber olvidado.

Y solo con un final antológico como el que nos regalan, solo con un momento para recordar se puede acabar una carrera como actor de la dimensión de la de Clint Easwood.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 10
ACTORES: 9
MUSICA: 8

MEDIA: 9

GAL

2010-03-24T09:36:00.002+01:00

GAL
2006
España
DIRECTOR Miguel Courtois
REPARTO Natalia Verbeke, Jordi Mollá, José García, Ana Álvarez, Mercé Llorens, Jordi Rebellón, José Ángel Egido, Mar Regueras, Bernard Le Coq, Blanca Marsillach
GUIÓN Antonio Onetti
MÚSICA Francesc Gener
FOTOGRAFÍA Carlos Suárez

Miguel Courtois ya dirigió unos años antes "El Lobo", película ya tratada en este blog, y que con el pretexto de contarnos la historia de un agente doble infiltrado en ETA aprovechaba para enseñarnos desde dentro la propia banda terrorista.

GAL son las signas del GRUPO ANTITERRORISTA DE LIBERACIÓN, el arma que usó el gobierno español entre 1983 y 1987 para luchar contra el terrorismo etarra en una guerra sucia que sobre todo se libró en tierra gala.

En la presente película, se nos cuenta, por medio de la investigación que llevan un par de periodistas sobre el susodicho grupo terrorista, que termina en la condena de la mayoría de los que perpetraron aquello, llegando incluso hasta la plana de mando del Ministerio de Interior de aquella época, incluyendo el mismisimo Ministro.

Teniendo en cuenta que todo lo contando en la película son en su mayoría hechos reales, aunque con un par de matices; los nombres han sido cambiados, aunque no es difícil saber quien es quien, y la inclusión de una periodista femenina para crear una relación sentimental tipo romance y hacer la historia más cinematográfica.

Aunque la historia arranca desde el comienzo de las investigaciones llevadas a cabo por los periodistas del Diario 16, por medio de flasbacks vemos al Gal en la mayoría de sus golpes.

Saber los verdaderos motivos por lo cuales un gobierno democrata se decida a pagar a mercenarios tiene su respuesta en que la mayoría de los atentandos que hacían eran en Francia. Recordemos que en aquellos años ochentas, para el país vecino los etarras no eran considerados terroristas, sino luchadores politicos, y podian campar a sus anchas por las calles de Francia, sin que fuera detenidos, y menos aún extraditados a España. Cuando el Gal llevó la guerra a suelo francés, aparte de matar a etarras, sirvió para que Francia modificara de forma paulatina su politica hacía Eta, por miedo a que siguieran los franceses del sur siendo testigos de los atentados, con todo los problemas que eso implicaba.

Durante su vida, el GAL acabó con la vida de una treintena de personas, muchas de las cuales no tenían nada que ver con Eta ni su entorno.
Barrionuevo, el ministro del Interior de aquella época, fue condenado solo a 10 años de prisión, de los cuales solo pasó 3 meses en la cárcel...
Felipe Gonzalez, el presidente del gobierno, logró salir sin cargos, pese a que todo indicaba que sabía de la existencia del Gal y que se financiaba de los fondos reservados del estado, siendo seguramente su maximo responsable.
En resumen, aunque toda la cúpula de aquel escandalo fue condenada, sus condenas fueron ridículas, librándose en su mayoría de la cárcel, pagando solo realmente los que estaban debajo de la pirámide, que no eran otros que los mercenarios y algún policía de rango bajo.

Por desgracia, creo que la película resultante es algo fallida. Lo que podría haber sido un impactante thiller sobre el juego sucio de un gobierno con una trama de cine de acción, acaba siendo una recreación muy exagerada de la realidad, centrada sobre todo en los personajes periodistas y su investigación.
Su primera mitad es bastante lenta, y solo una inesperada segunda parte aporta algo de cine digno de ser disfrutable.

Pero todo lo que le falta en cuanto a calidad cinematográfica, creo que lo tiene como muy valorable documental de aquella época de España, quedandose eso si como una bala perdida, y más teniendo en cuenta que el transfondo de la historia daba para una gran película. Pero creo que las presiones de los productores (los periodistas que vivieron en primera persona aquello) seguramente harían que al director no le quedara otra cosa que repartir el metraje entre cine de verdad y documental.

Pero si algo bueno se puede sacar de "Gal", es sin duda la perfecta recreación que hace Jordi Mollá del subcomisario Amedo, el hombre que trataba directamente con los mercenarios, y hasta no dudaba en hacer él mismo los trabajos. Quien recuerde a este siniestro personaje real en la televisión, solo puede encontrar perfecto el papel que Mollá pone en pie.

Como era de esperar, la película fue un fracaso. Y era de esperar porque es un tema que en un país como España, socialista desde que llegó la democracia, este es un asunto que muchos prefieren no remover.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 6
MUSICA: 5

MEDIA: 6.4

ARREBATO

2010-03-10T11:55:00.003+01:00

Arrebato
1979
España
DIRECTOR Iván Zulueta
REPARTO Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernández-Muro, Carmen Giralt, Will More, Luis Ciges, Antonio Gasset
GUIÓN Iván Zulueta
MÚSICA Grupo Negativo
FOTOGRAFÍA Ángel Luis Fernández

José Silgado es un director de cine que afronta el montaje de su segunda película con bastante desganada, ya que siente que el mundo del celuloide no era lo que él pensaba.
Es entonces cuando recibe un extraño paquete de Pedro, un joven que conoció hace años.
Pedro era una persona que vivía en un mundo personal enloquecido, pero que sentía la misma pasión que José por el cine, aunque Pedro se dedica a grabarse películas caseras que solo ve él.
Pedro le manda su ultima película, y la llave de su apartamento.

"Arrebato" es posiblemente la película maldita por excelencia del cine español.
En ella, su director nos enseña el mundo del cine a través de dos personajes, ambos también directores, pero que cada uno representa ambos lados del cine, el profesional (o comercial), y el amateur.

Aunque ninguno de los dos son el verdadero protagonista. Y es que el actor principal de "Arrebato" es el propio cine, como ente vampirizador que atrae y destruye a los dos personajes que intentan con sus cámaras filmar películas.
Pero tampoco es el cine el protagonista, ya que el propio cine no es más que otra de las tantas tentaciones u obsesiones que es capaz de acabar ahogandonos en ellas, como vemos a lo largo de la película.

Es difícil plasmar en palabras una obra como "Arrebato", ya que los resultados después de su visionado son bastantes particulares, y es que la propia visión personal de la película puede cambiar de forma radical, y más en cine de este tipo.

Solo puedo decir que su visionado es recomendable, aunque mejor que nadie espere cine convencional.
Y ojo a su arrebatador final...

Eso si, el propio Zulueta acabó tan atrapado por ella, que fue su ultima película.
Película maldita, como ya dije, con un estreno bastante desastroso y accidentado, y que por no estar no está ni a la venta en DvD (solo fue sacada al mercado en una colección de cierto periódico hace años).

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 10
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 7
MUSICA: 7

MEDIA: 8.6

EL PUENTE

2010-02-25T11:27:00.004+01:00

El puente
1977
España
Director: Juan Antonio Bardem
Reparto: Alfredo Landa, Mara Vila, Miguel Ángel Aristu, Julián Navarro, Eduardo Bea, José Yepes, Concha Leza, Antonio Gonzalo, Rafael Vaquero, Jesús Enguita, Antonio Orengo, Victoria Abril
Guión: Juan Antonio Bardem, Javier Palmero, Daniel Sueiro (Relatos: Daniel Sueiro)
Música: José Nieto
Fotografía: José Luis Alcaine

Madrid, mediado de los años 70.
Juan es un mecánico de un taller de coches, que en pleno agosto se dispone a disfrutar de un puente que le va a hacer que no tenga que volver a ir a trabajar desde el sabado al mediodía hasta el próximo martes.
Por desgracia, el plan que tenía previsto se desmorona cuando la muchacha con la que iba a irse de viaje le da plantón.
Pese a todo, Juan decide montarse en su mejor amiga, su moto "La poderosa", y coger carretera camino de Torremolinos, en busca de extranjeras.

Ante semejante inicio, uno seguramente se espera una de esas películas habituales en aquellos años que protagonizaba el propio Landa, que recibieron el nombre de "Landismo". Ya sabéis a que me refiero, mujeres ligeras de ropa y el macho español empitonao.

De todas formas, siendo un poco espabilao, cuando empiezas a ver la película y aparece el nombre de su director, que no es otro que el maestro Juan Antonio Bardem, ya sabes que no encaja en el "Landismo", así que puede ser que nos llevemos una sorpresa.

Y así es, ya que el viaje que emprende el personaje protagonista sirve al director como excusa para enseñar al espectador, a la misma vez que a Juan, la realidad de una España, que pese a que el dictador acababa de morir, aún quedaba mucho para que se respirara en total libertad, y que muchas cosas aún tenían que seguir cambiando.
A Juan el viaje le sirve para muchas cosas, entre ellas para darle un giro a su actitud ante los acontecimientos que están ocurriendo en España.
Y es que al principio de la película, Juan mantiene una forma de pensar bastante liger e inocua, del hombre que entre semana se mata a trabajar en el taller, y que en el fin de semana solo quiere divertirse con su moto y cualquier ligue pasajero, pasando bastante de casi todo lo demás, como por ejemplo de algunos de sus compañeros que le piden que se una al sindicato laboral.
No será hasta que no realice este viaje solo en su moto, cuando vaya tomando conciencia de que las cosas tienen que cambiar, y que si cada uno no aporta algo, será aún más difícil.
Para lograr que el personaje (y el propio espectador de la época) reaccione, Bardem nos enseña la realidad de una España negra, pobre, triste, racista, que aún teme a la guardia civil, que en los pueblos no hay trabajo para nadie, y donde los pocos que trabajan lo hacen en de sol a sol por poco más que un plato de comida y un lugar donde dormir. Tampoco se olvida de aquellos que quieren evitar que una nueva juventud se exprese con libertad, una casta rancia y despreciable de adoradores del antiguo régimen que no quieren perder el poder que durante tanto años llevan disfrutando.

A todo ello asiste Juan como espectador destacado de una realidad que, o bien no veía, o no quería ver.

"El puente" es una "Road-movie" a la española, en la que el director aceptó de pleno al elegir a Alfredo Landa como protagonista, más por lo que representaba en aquella época que otra cosa, aunque el propio Landa demostró que podría ser más que un macho español, y a partir de aquí consiguió que su carrera mejorara, y poder salirse del encasillamiento.

Sobre la película en sí, tiene algunos momentos realmente surrealistas, pero las escenas de Landa en su "poderosa", que aparece como un personaje más, tirando millas por la España de los 70´s, son maravillosas.

Vista ahora, con más de treinta años, puede parecer un poco desfasada, y algunos de sus diálogos o situaciones poco aceptadas y un pelín ridículas, pero hay que situarla en el contexto de el año en que se hizo, para así poder comprender y darle todo el merito que se merece.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MUSICA: 6

MEDIA: 6.8

FIREFOX

2010-02-10T11:33:00.000+01:00

Firefox
1982
USA
Director: Clint Eastwood
Reparto: Clint Eastwood, Freddie Jones, David Huffman, Warren Clarke, Kenneth Colley, Ronald Lacey
Guión Alex Lasker & Wendell Wellman
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Bruce Surtees

Autentica rareza en el cine dirigido por Clint Eastood.
Firefox nos narra las aventura de un piloto de cazas norteamericano (Clint Eastwood) metido a espía en territorio ruso.

En plena guerra fría en los años 80´s, los norteamericanos descubren los planes de los rusos de crear un super-avión, y deciden mandar un piloto para que lo robe a Moscu.
Ese piloto no es ningún agente secreto ni experto espía, pero es el único que puede pilotar el Firefox (nombre del avión).

Realmente, estamos ante dos películas distintas;
En la primera de ella, vemos un intenso thiller de espías, con un personaje metido en un mundo que le es ajeno completamente, pero que logra poco a poco ir avanzando en su meta de llegar al avión.
Es esta primera parte donde Clint se siente mejor tras la cámara, logrando una hora inicial entretenida y movida por un oscuro Moscu.

Por desgracia, justamente en el momento en el que el protagonista logra robar el avión, la película cambia, y se convierte en una especie de guerra de las galaxias, sobre todo en las escenas del pilotaje en aquellos cazas imperiales.
Y así durante la siguiente hora la película nos ofrece una eterna persecución, y duelos aéreos entre el Firefox y varios cazas rusos.
Aunque, para la época, los efectos son por lo menos aceptables, el tedio le acaba llegando al espectador que no termina de encontrarle lógica a tan exagerado metraje final, y lo que hubiera sido un film bueno, se acaba convirtiendo en una olvidable película del maestro Clint con demasiadas escenas de pilotajes.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 5
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 6
MUSICA: 5

MEDIA: 5.6

AQUEL MALDITO TREN BLINDADO

2010-01-14T12:06:00.002+01:00

Aquel maldito tren blindado (Quel maledetto treno blindato-The Inglorious Bastards)
1978
Italia
DIRECTOR Enzo G. Castellari
REPARTO Bo Svenson, Peter Hooten, Fred Williamson, Michael Pergolani, Jackie Basehart, Michel Constantin, Debra Berger, Joshua Sinclair
GUIÓN Sandro Continenza, Sergio Grieco, Franco Marotta, Romano Migliorini, Laura Toscano
MÚSICA Francesco De Masi
FOTOGRAFÍA Giovanni Bergamini

Curiosa la historia de esta película.
¿Cuantos pueden decir que sin Tarantino hubieran sabido de ella?
La verdad es que para Castellari el favor que le ha echo Quentin no tiene precio.

Hombre, si uno es un poco cinéfilo seguramente ya antes conocía a Castellari.
Un servidor por ejemplo ya sabía del director italiano por su trabajo en el spaghetti.

¿Merece tanta atención como ha recibido esta vieja película de Castellari?
Bueno, seguramente no sea una obra maestra, pero yo creo que sin duda es una gran película. A mi me ha parecido una recreación de "Los violentos de Kelly" a la italiana, pero con menos presupuesto y más despreocupada por la parte bélica, centrando casi toda su atención en la parte de la comedia.

Recordemos su historia; En plena segunda guerra mundial, un pelotón americano de la policía militar que lleva un grupo de "lunares negros" del propio ejercito aliado es asaltado por la aviación alemana, haciendo que la mayoría de los presos queden en libertad. Sin bando hacia el cual huir, deciden ir a Suiza, país neutral, pero en el camino tendrán que sortean tanto a sus antiguos camaradas como a las tropas nazis.

Apoyada sobre todo en una formidable plantel de personajes, la cinta es un agradable divertimento, con momentos realmente logrados, y que hace que nos creamos que realmente estamos en la Francia ocupada. Y ya cuando descubres que a mediado de película el gobierno les retiró las armas que usaban, es cuando la labor de todo el equipo gana aún más valor.

Puede ser que está historia no termine de interesar a los amantes de los detalles bélicos, ya que precisamente fidelidad no es lo que aporta, pero el film es un fenomenal demostración de cine hecho con poco dinero, y con un encanto especial.
Vista ahora, me ha parecido con un paralelismo asombroso con la transformación que el Western americano "sufría" en los spaghettis, pero en el genero Bélico.

Por cierto, ha sido una verdadera delicia poder hacerme con la edición especial de dos discos de esta película editada hace poco en España por TRIBANDA PICTURES.
Imagen perfecta, al igual que el sonido, y un jugoso segundo disco con grandes documentos, como la conversación entre el propio Castellari y Tarantino hablando sobre la película.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MUSICA: 8

MEDIA: 6.8

FELIZ NAVIDAD A TODOS

2009-12-24T19:06:00.000+01:00

EL ULTIMO KAMIKAZE

2009-12-14T19:39:00.009+01:00

El último kamikaze
1984
España/Japón/Italia
DIRECTOR Paul Naschy
REPARTO Paul Naschy, Irán Eory, Manuel Tejada, Guillermo Murray, José Bódalo, Julia Saly, Leticia Marfil, Mirta Miller, Alberto Fernández, Lone Fleming, José Cela, Angeles Morales, Margarita Ferrer, Luis Carrillo, Hilda Fuchs, Toni Valento, Luis Rico, Rosa Suances
GUIÓN Paul Naschy
MÚSICA Ángel Arteaga
FOTOGRAFÍA Julio Burgos

Dos organizaciones mafiosas comienzan una guerra entre ellas, usando ambas los servicios de un par de temibles asesinos a sueldos. Uno es "Kamikaze", un mortal carnicero que nunca falla en su trabajo, y el otro bando contrata a Dancón, que utiliza unos métodos mas refinados, pero iguales de eficaces.
Ambos mantienen una lejana rivalidad, que acabará en un enfrentamiento final en el que solo puede quedar uno...

Pocos pueden creer que este argumento uno se lo encuentre en una película española, que además tiene fecha del año 1984.
Pues si, el señor Paul Naschy (acreditado como Jacinto Molina en la dirección y como guionista) no se cortó, y logró rodar una película de acción.
Co-producida junto con la productora japonesa Amachi Films, Naschy se quitó el miedo nacional a rodar cierto tipo de cine, y echó toda la carne en el asador.

"Kamikaze" es el protagonista de la historia. Es un atormentado hombre, porque siente un extraño placer en su trabajo, que no es otro que cobrar dinero por matar.
Cuando dos organizaciones internacionales se declaran la guerra, Kamikaze incrementa sus trabajos. Mientras, el otro bando contrata a Dantón, que además de acabar con algunos de los dirigentes de la organización rival, su ultimo trabajo es acabar con Kamikaze. Además, para Dantón es un encargo muy especial, ya que hace años ya tuvo un enfrentamiento con Kamikaze, en el que este ultimo salió vencedor, dejando a su "colega" de profesión con una mano tullida.

La película se basa en un principio en dos tipos de escenas; los trabajos de Kamikaze, y las reuniones que los dirigentes de ambas organizaciones mantienen, a lo largo de lo cual se va deslizado la trama. Pero, a mediado de la cinta, vamos entrando un poco más en la extraña y dislocada personalidad de Kamikaze, conociendo su pasado, y el porqué del placer que siente matando.
Es realmente esta parte de la película la que creo que es más interesante. Eso, y su enfrentamiento final con Dantón.
Obviamente, las escenas de acción son también bastante llamativas para la época que es, y pese a que se nota bastante la falta de presupuesto, algunas están rodadas de forma bastante directas y simples, pero se logre que algunas de ellas queden bien resueltas.

Eso si, para ser justos, uno no puede negar los fallos de "El Ultimo kamikaze".
La ya mencionada falta de un presupuesto mayor, que le da un aire de semi-amateur a la mayoría del metraje. También el guión es un poco lioso y poco claro, y los cambios de localizaciones para representar las reuniones de los dirigentes de las organizaciones son bastante bruscos, con unos decorados bastantes pobres.
También algún personaje está de más, y sobre todo algún momento que sobra.

Pese a todo, a mi me ha parecido una película bastante atractiva, que se sale tanto del cine español, como del cine de Naschy.
Me quedo con unas pocas de las escenas de acción, y sobre todo con el personaje central y su paranoia, que tiene algunas frases bastante logradas, y algún momento alucinante (su particular pesadilla como nazi...).

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 5
AMBIENTACIÓN: 5
DIRECCIÓN: 5
ACTORES: 5
MUSICA: 5

MEDIA: 5

LA MUERTE ACARICIA A MEDIANOCHE

2009-10-13T23:38:00.004+02:00

La muerte acarica a medianoche (La morte accarezza a mezzanotte)
1972
Italia/España
Director: Luciano Ercoli
Reparto: Nieves Navarro, Simón Andreu, Pietro Martellanza, Claudie Lange, Carlo Gentili, Ivano Staccioli, Fabrizio Moresco, Claudio Pellegrini, Raúl Aparicio, Luciano Rossi.
Guión: Sergio Corbucci, Ernesto Gastaldi y Manuel velasco
Música: Gianni Ferrio
Fotografía: Fernando Arribas

"Giallo" a medio camino entre el terror y el suspense.

Valentina es una modelo que decide formar parte en un experimento con el fín de comprobar los efectos de una nueva droga, para poder ganarse un buen dinero con ello. Pero durante el mismo, ve unas terribles alucinaciones en la que una mujer es asesinada por un extraño hombre con un puño de hierro con el que le revienta la cabeza.
Perseguida por esa visión, comienza a investigar, ya que pese a que nadie cree que sea real, para ella realmente si ocurrió ese asesinato.

El director Luciano Ercoli dirige a su esposa, Nieves Navarro, en esta película de principio de los años setenta.
Luciano Ercoli logra un esmerado trabajo, con algunos encuadres realmente bastante notables. También me ha gustado la banda sonora, acorde con el ambiente de la historia.

Aunque lo mejor de "La Muerte acaricia a medianoche" es sin dudarlo el personaje protagonista, con una guapa Navarro que demuestra que era mucho más que una cara bonita. Valentine empieza a tomarse primero en broma casi todo lo que le comienza a ocurrir (por culpa del experimento, es despedida de su trabajo), pero cuando empieza a perseguirle el asesino que vio en sus alucinaciones, comienza a descubrir que el asunto no es para tomárselo a broma. Además Valentina a lo largo de toda la película solo recibe mentiras de todos los demás personajes de la trama, que ella ingenuamente no deja de creerse, demostrando que pese a su fachada de mujer moderna, es bastante inocentona.

"La Muerte acaricia a Medianoche" da para un curioso visionado, y es que la historia comienza bastante tranquila y relajada, como si de una comedia romántica se tratara, para ir poco a poco tornadose más violenta y rápida, rematada en un notable tramo final, con una escena en el apartamento de Valentina, donde dos asesinos (atención al personaje que interpreta Luciano Rossi, un psicópata lanzador de cuchillos con una risa endiablada, que parece sacado de unos de sus trabajos en el spaghetti western) le dan a la protagonista una soberana paliza, para concluir con unos momentos de peleas en una azotea que se acercan bastantes a cualquier film de acción.
Mención también especial recibe el susodicho puño de hierro, autentica arma sanguinaria.

No soy yo muy de este genero, pero me acerque a esta película sobre todo por su protagonista, aunque por suerte he descubierto una pequeña joyita.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MUSICA: 7

MEDIA: 7.4

LA HOZ Y EL MARTÍNEZ

2009-10-04T09:20:00.005+02:00

La hoz y el Martínez
España
1985
REPARTO Andrés Pajares, Silvia Tortosa, Gérard Tichy, Jack Taylor, Javier Loyola, José Lifante
DIRECTOR Álvaro Sáenz de Heredia
GUIÓN Álvaro Sáenz de Heredia
MÚSICA M. Santisteban
FOTOGRAFÍA José García Galisteo

SINOPSIS: Madrid está siendo escenario de la cumbre para la paz, en la que los soviéticos y los americanos han llegado a un acuerdo para la firma de un tratado de desarme nuclear bilateral. El representante soviético, principal valedor de la paz, sufre un atentado que pone en peligro su vida, y con ello las negociaciones. El embajador de su país y la traductora de su delegación deciden que alguien le suplante. El elegido es un fontanero madrileño, Juan, de gran parecido con el representante ruso.

Álvaro Sáenz de Heredia, nieto del director José Luis Sáenz de Heredia, que fué conocido por sus películas de los años cuarenta de su exaltación de la dictadura de Franco y sobre todo por sus comedias, sigue la estela de su abuelo, aunque con desigual acierto en su filmografía, una filmografía que ya comienza dubitativa con la película "Freddy, el croupier" (1982), que suponía el estreno en el cine de Ana Obregón. "Policia" (1987) nos volvía a traer a la Obregón, esta vez con Emilio Aragón como pareja.
Lo que si que no se le puede negar a Sáenz de Heredia, que ademas de director casi siempre era el guionista en sus películas, es saber donde estaba el exito comercial, a costa seguramente de la calidad. Por ello no duda en dirigir a principios de los noventas a Martes y Treces, la pareja cómica que arrasaba en aquellos tiempos, y "Aquí huele a muerto... (¡pues yo no he sido!)"(1990) y "El robobo de la jojoya" (1991) son las más taquilleras de esos años en los cines españoles.
"Chechu y familia"(1992), con guión de Rafael Azcona y con Fernando Fernán Gómez supone un intento de hacer un cine con algo mas de empaque, y cuanto menos nos regala el descubrimiento de Neus Asensi.
En el año 1996 empieza la trilogía con el humorista "Chiquito de la calzada", formada por las ezpeluznantes "Aqui llega condemor, el pecador de la pradera" (1996), "Brácula, condemor II" (1997) y "Papa Piquillo" (1998).
"Ana y los siete" (2002), serie de televisión, le supone volver a dirigir a Ana Obregón en algunos capítulos, y pese a lo horrible del producto final, no se le puede negar el éxito cosechado en los años que estuvo en antena.
"R2 y el caso del cádaver sin cabeza" (2005) es su ultimo trabajo hasta la fecha, una película que pasó sin pena ni gloria por los cines, y que tenía a Javier Gurruchaga como protagonista.

Esta película que nos ocupa, era su segundo trabajo, y el director intentaba asegurarse el éxito comercial contratando para ello a Andres Pajares, actor que llevaba más de una década triunfando junto a Fernando Esteso, pero que un año antes hicieron su ultima película juntos, y que ya tenian decidido romper el duo.
Pajares comenzó haciendo películas de un humor parecido al visto al que hacia junto con Esteso, aunque de vez en cuando intentaba darle un giro a su cine. "Moros y Cristianos" (1987) fue el primer papel alejado del tipo de comedia que le hizo famoso, aunque no sería hasta su trabajo en "!Ay, Carmela¡" (1990) en el que todos se dieron cuenta de que podría hacer otro cine aparte de la comedia, logrando además el Goya por ese trabajo.

"La Hoz y el Mártinez" se puede considerar un primer intento por cambiar el rumbo de Pajares.
Y es que la película, pese a que parece que tiene todo el aire de una comedia de finales de los setentas, es realmente una historia de agentes secretos, con acción, tiros, y persecuciones.

En una Europa usada como huerto de misiles nucleares en lo peor de la guerra fría, en Madrid se intenta firmar un acuerdo de desalme nuclear entre las dos potencias. Por desgracia, el representante ruso, que es el principal valedor del acuerdo, sufre un atentando el dia antes de la firma, y acaba muriendo. Es entonces cuando la traductora rusa descubre a Juan Martínez, un simple fontanero español, con un grandisimo parecido con el representante ruso. Junto con el Embajador ruso, le engañan para que se haga pasar por el representante ruso, y así poder firmar al día siguiente el importante acuerdo de desalme.
Por desgracia, los intentos por acabar con él no pararan, y el pobre de Juan se verá envuelto en unos sucesos de los que dificilmente va a poder escapar ya.

Toda la trama es ni más mi menos que una película de acción, eso si, rodada con las limitaciones tanto de un director poco acertado, como con un presupuesto que tampoco daba para mucho.
Lo más novedoso es Juan Martínez, un papel que parece realmente sacado de las películas del cine de destape de unos años antes de Pajares. Su contraste con los demás personajes de la trama es bastante notable, y sus comentarios y reacciones la verdad es que son bastantes graciosos.

Lo mejor de la película es Silvia Tortosa, aquí como traductora oficial del Representante Ruso, y teniente del Ejercito Rojo. Está bastante creíble en su papel, hasta cuando llega la hora de sacar la pistola y liarse a tiros. Y el hecho de que no tenga que desnudarse a lo largo de la película nos da la razón en que esta no es una más del "destape".

Por desgracia, la película falla en que algunos diálogos son demasiados pocos trabajados, y acaban por ser bastantes vacíos, sobre todo en los momentos dramáticos en algunas escenas que deberían de haber sido redondas para lograr que la historia acabara funcionando, y que al fallar terminan por echar por tierra todo lo demás.
Tampoco es que la dirección de Sáenz de Heredia este muy acertada ni muy cuidada, cosa que no ayuda al resultado global.

Pese a todo, quiero resaltar lo novedoso de "La Hoz y el Mártinez", y su intento de poner en pie una película de acción con un personaje que se ve envuelto en ella sin tener nada que ver ni estar preparado, y sobre todo, la valentía por rodar escenas de disparos, tramas de espías, y persecuciones, en unos años en que todavía casi nadie en España se atrevía a salirse de un cine que oscilaba entre la comedia o el drama.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 6
MUSICA: 4

MEDIA: 5

MISIÓN IMPOSIBLE

2009-09-28T13:47:00.001+02:00

Misión imposible (Mission: Impossible)
1996
USA
DIRECTOR Brian De Palma
REPARTO Tom Cruise, Emmanuelle Béart, Jon Voight, Jean Reno, Vanessa Redgrave, Kristin Scott Thomas, David Schneider, Emilio Estévez, Henry Czerny, Ving Rhames
GUIÓN Robert Towne, David Koepp
MÚSICA Danny Elfman (Tema principal: Lalo Schifrin)
FOTOGRAFÍA Stephen H. Burum

Ethan Hunt es un superagente en un equipo de elite para misiones imposibles.
Su equipo es reunido por su jefe, Jim Phelps, para una de estas misiones. Todo se complica cuando todo el equipo de Hunt acaba muerto, y como él es el único superviviente, la agencia para la que trababajan lo ven como un traidor y el culpable de la muerte de sus compañeros. Así que a Hunt no le quedará más nada que descubrir a los verdaderos culpables mientras esquiva a los agentes que le persiguen.

Cuando uno ve en pantalla a Tom Cruise, suele saber que tipo de cine está a punto de ver la mayoría de las veces. Allá por la fecha en que se estrenó esta película, el actor estaba en lo más alto de su carrera profesional, siempre hablando de éxitos en taquilla, ya que la calidad de la mayoría de sus trabajos en general dejan que desear. Realmente, esta "Misión Imposible" tenía toda la pinta de ser un mero lucimiento para el actor, un simple encadenados de escenas de acción con algún momento romántico, ideal para reventar los cines.

La historia, basada en una serie de televisión norteamericana del mismo nombre, emitida por la BBC entre 1966 y 1973, nos acercaba a la vida de una agencia de agentes especiales que eran contratados para llevar a cabo misiones extremas.

Pero para dirigir la película, se contrató a Brian de Palma, que logró hacer de "Misión Imposible" mucho más que una de tantas películas de una estrella echa para alimentar su cuenta corriente, una de acción al uso, o una copia de James Bond en una de agentes secretos.

Brian de Palma logra, pese a lo difícil de la empresa, dejar contentos a todos;
Tom Cruise quedaría contento a ver que era la estrella en la película, que nadie se encarga de robarle plano.
A las seguidoras del actor, igual de contentas por lo bien que sale Tom.
A los productores (Cruise era uno de ellos), felices por el dineral que hizo la película.
Y para los cinéfilos algo más exigentes, De Palma crea una entretenida historia, que une el cine de espías con el de acción y el de intriga. Pero sobre todo, se logra una buena ambientación, un trabajo cuidado en el apartado técnico, con buenos momentos, tanto en los movimientos de cámaras, como en el planteamiento de las escenas. El talento del director queda demostrado a lo largo del visionado de la historia. Y eso que, pese a lo que pudiera parecer, en esta película las escenas de acción realmente son contadas, privando la intriga y las relaciones entre los personajes en la trama principal.
Algunos giros del guión mantienen atentos al espectador a la película, aunque quizás, lo mejor es el momento en el que a Ethan Hunt le cuentan una versión de los hechos, y pese a que parece que se lo cree, vemos imagenes de lo que ocurrió realmente, demostrándonos que Ethan Hunt es más listo de lo que pensaban los demás.
De Palma se siente comodo, y ya en la primera escena de la película, en la que vemos a un miembro del equipo viendo a Ethan Hunt a traves de una camara de vigilancia, puede poner en liza su vouyerismo, que ademas podrá volver a él a lo largo de multriples escenas en la película (planos en primera persona, espias que espian mientras son espiados...).

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Sobre la actuación del reparto, he de decir que pese a que no es muy sobresaliente, en general casi nadie desentonan, y por lo menos logran no hundir la película, que en estas producciones ya es bastante. Y si, aunque parezca mentira, hasta el propio Cruise está a un nivel aceptable (y para un servidor, este es uno de los peores actores de la década contemporanea, junto al inefable Tom Hanks)

"Misión imposible" es una muy buena película, pese a su concesión inicial como un simple vehículo de lucimiento de su estrella protagonista, gracias al trabajo de su director, que atrae a su terreno lo que parecería un guión trivial para poder rodar sus motivaciones más personales en su cine de siempre.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 6
MUSICA: 7

MEDIA: 7.2

WINDTALKERS

2009-09-21T12:46:00.001+02:00

Windtalkers
2003
USA
DIRECTOR John Woo
REPARTO Nicolas Cage, Adam Beach, Christian Slater, Peter Stormare, Noah Emmerich, Mark Ruffalo, Brian Van Holt, Martin Henderson, Roger Willie, Frances O'Connor, Jason Isaacs, Kevin Cooney
GUIÓN John Rice & Joe Batteer
MÚSICA James Horner
FOTOGRAFÍA Jeffrey L. Kimball

No se sabe muy bien porque, al bueno de John Woo siempre le han llovido malas criticas desde que comenzó su carrera en Holywood, la mayoría de las veces de forma injusta, como es el caso de esta película.

Como nos recuerda la misma sinopsis oficial, la historia está basada en los hechos reales de la guerra del pacifico que los norteamericanos libraron contra los japoneses durante la segunda guerra mundial.
Como la inteligencia Nipona lograba descifrar el código que los americanos usaban en sus comunicaciones por radio, la solución fue adiestrara un centenar de indios y que usaran el navajo como base para un nuevo dialecto secreto y usarlo por radio para dar las ordenes desde el cuartel general a los oficiales.

Para preservar el código, a los indios se les asignaba un soldado, encargado de la vigilancia de ellos. Lo que los indios no sabían es que este soldado tenía ordenes de proteger el código antes que al soldado, y que sobre todo no pueden caer en manos de los japoneses vivos, aunque eso impliquen que tengan que matarlo.

Esta duda moral es la que atosiga al protagonista de la historia, Joe Enders, papel que recibe el oscarizado Nicolas Cage.
Enders es un sargento que, en el prologo de la película, recibe la orden de resistir con su pequeño pelotón una pequeña posición. Cuando son asediados por el enemigo, pese a que sus hombres le piden que lo mejor es huir, Enders se encabezona en cumplir las ordenes, como buen marine; Al final, todos sus hombres mueren, y él es herido de gravedad, quedando sordo de un oído.
Atormentando por sus remordimientos, Enders solo quiere recuperarse rápidamente, con la idea de volver al frente y terminar con su vida, no sin antes llevarse por delante a todos los japoneses que pueda.
Por desgracia, a Enders se le asigna la misión de "proteger" a uno de estos soldados navajos, y comenzará en él una lucha por cumplir las ordenes de nuevo, o sus prejuicios de tener que llegar a matar a un compañero.

Pese a que el personaje de Enders es una verdadera joya, es una pena que cayera en manos de Nicolas Cage, un actor que no resalta precisamente por sus grandes actuaciones. Aquí no termina de pillarle el asunto al drama interior que vive Enders, y se convierte en lo peor de la película. Cage confunde ese dolor emocional con histrionismo, y las escenas más personales de Enders acaban siendo bastante poco creíbles.

Por suerte, Windtalkers también ofrece (como era de esperar) bastante momentos bélicos, con grandes escenas de batallas en el avance norteamericano por las Islas Salomón. Woo crea unas buenas escenografías, con bastantes extras.
El realismo de las mismas son bastantes aceptables, sobre todo cuando la acción se centra en el pelotón de los protagonistas, y vemos como eran las luchas en aquellos tiempos (ojo al lanzallamas, verdadera atrocidad).

John Woo siempre ha sido un director con unos "lugares comunes" en su cine; uno sabe que está viendo una de Woo por algunos momentos, que se podrían llamar como marca de la casa. Pues está es quizás la película menos Woo de su filmografía. Solo algún leve indicio en el montaje de algún enfrentamiento puntual nos hace evocar otras películas del director oriental.

Creo que, en el global, Windtalkers es una gran película, pese a su actor principal. Por suerte, otros mejoran el nivel medio en ese aspecto, sobre todo Chistian Slater y Roger Willie.
Aunque a primera vista parece una de tantas "americanadas", detrás de la primera capa podemos descubrir una velada critica a la doble moral, tan de moda en el país del dolar.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 8
ACTORES: 6
MUSICA: 6

MEDIA: 7.4

HOMBRES MISTERIOSOS

2009-09-17T12:40:00.007+02:00

Hombres Misteriosos (Mystery Men)
1999
USA
DIRECTOR Kinka Usher
REPARTO Ben Stiller, Janeane Garofalo, William H. Macy, Hank Azaria, Claire Forlani, Greg Kinnear, Lena Olin, Kel Mitchell, Eddie Izzard, Paul Reubens, Geoffrey Rush, Wes Studi, Tom Waits
GUIÓN Neil Cuthbert (Cómic: Bob Burden)
MÚSICA Stephen Warbeck
FOTOGRAFÍA Steven H. Burum

SINOPSIS: La bulliciosa metrópoli de Champion City es una próspera comunidad de ciudadanos decentes y trabajadores en donde al hombre común aún le queda tiempo de albergar fantasías de convertirse en un superhéroe. Roy tiene un empleo sin futuro en una chatarrería, Jeffrey vive en casa de su madre y se pasa el día encerrado en su cuarto, Eddie anhela el apoyo de su familia pero sus hijos se burlan de él y su mujer le regaña. De día todo parece normal, pero de noche Roy, Jeffrey y Eddie se convierten en Mister Furioso, El Rajá Azul y El Zapador, héroes que peinan las calles en busca de villanos.

Película que parodia el mundo de los superheroes, pero de una forma divertida y sana, sin llegar a menospreciar realmente el género.

En un mundo en el que solo existe un verdadero superheroe (el Capitan Asombroso) un grupo de ciudadanos quieren llegar a serlo, pero su falta de poder, habilidad, suerte o don hace que la fama les evite, pese a que cada noche patrullan la ciudad intentando detener villanos.
Pero un día, el Capitan Asombroso es atrapado por un supervillano, y será entonces cuando el grupo de Hombres Misteriosos tengan que afrontan su gran misión como grupo de superheroes.

Lo mejor de la película es el variopinto elenco de "superheroes" que aparecen en la misma; desde Mister Furioso, con el poder de cabrearse a la primera oportunidad, el Zapador, un hombre con una capacidad fuera de lo comun manejando la pala, pasando por el Rajá Azul, un lanzador de tenedores de puntería infalible.

Pese a semejante poder, el grupo sabe que necesita refuerzos para poder enfrentarse a los hombres del supervillano, y no dudan en preparar un casting para aceptar nuevos héroes. Algunos de estos son aún más subrrealistas, aunque tambien los supervillanos tienen su elenco de rarezas, sobre todo los Hombres-disco.

Casi todos los tópicos del género son visitados, y la verdad es que es muy difícil no reírse con algunos momentos verdaderamente geniales.

Puede que quizás en esencia la película tiene una idea muy básica (rescatar al Capitan Asombroso), pero tampoco había que liarlo mucho, ya que los personajes y las situaciones dan para bastante.

Añadele un poco del Gotham de Batman, efectos chirriantes, peleas absurdas y ya tienes la mezcla perfecta.

En resumen, verdadera joya para los amantes de los supeheroes sin complejos, que además al estar rodada en un tono serio, hace aún mas gracia.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 8
MUSICA: 7

MEDIA: 8

LOS CUATROS FANTASTICOS

2009-08-13T14:09:00.003+02:00

Los 4 Fantásticos (Fantastic Four)
USA
2005
DIRECTOR Tim Story
REPARTO Jessica Alba, Ioan Gruffudd, Michael Chiklis, Chris Evans, Julian McMahon, Kerry Washington, Stan Lee
GUIÓN Michael France, Mark Frost (Cómic: Stan Lee & Jack Kirby)
MÚSICA John Ottman
FOTOGRAFÍA Oliver Wood

Para una persona ya madurita como un servidor, amante de los comics y de las películas sobre superheroes, que creció con las cintas de spiderman de los setentas, dificilmente hubiera esperado que con el paso de los años llegaría a ver algunos títulos en su versión en celuloide con actores reales. Es el caso de la Patrulla-X (X-Men para los mas jovenes), El Hombre de hierro (Iron-Man) o la película que trataré en esta reseña, Los Cuatros Fantásticos que por fin veria en la pantalla más allá de las series de dibujos animados (sin considerar la película del 94 como algo a tener en cuenta), con el añadido de la dificultad de los poderes de la familia "fantastica".

Este es un comic muy especial, básicamente porque es el primer grupo de superheroes que aparece en Marvel (hasta entonces solo eran sobre superheroes en solitario).
La idea de Stan Lee era que el grupo se comportase como una familia, y que discutieran entre ellos de vez en cuando, pese a que en el fondo se llevaban muy bien.
Esta idea básica ha sido la que ha estado en los Cuatros Fantásticos desde siempre, y lo que ha logrado que sean durante tantos años un comic de éxito, aparte de uno de los cimientos sobre los que se apoya el Universo Marvel.

Reed Richards es uno de los hombres más inteligente de la tierra, pero por desgracia, su buen corazón y su poco sentido para los negocios han echo que se encuentre en una delicada situación económica.
Richards necesita financiación para poder poner en pie un viaje al espacio, para estudiar una próxima tormenta cósmica, así que consigue convencer a un antiguo compañero de universidad, Von Doom, un exitoso y ambicioso hombre de negocios, para que le financie el viaje. Von Doom da el visto bueno al proyecto, a cambio de poder ir también en el viaje.
Ademas, la tripulación se completa con el astronauta Ben Grimm, con Sue Storm, genetica que trabaja para Von Doom y antigua novia de Richards, y el hermano de esta, piloto.
Por desgracia, fallan los cálculos y la tormenta cósmica cae sobre los cuatro cuando están fuera de la protección de la nave, y pese a que no los mata, les confiere a cada uno poderes especiales.

Con la seguridad de que la película es la primera parte de una trilogía ( como mínimo), el equipo de guionistas se permite un extenso desarrollo, tanto de la forma en que logran los poderes, como de las primeras reacciones.
Quizás un excesivo alargamiento de esas primeras semanas hace que el fallo principal de la película sea sin duda su falta de acción, más allá de una escena de salvamento en un puente y una pelea final contra el villano.

Básicamente, la primera hora es aburrida.

En el lado positivo, tenemos una buena recreación de los personajes, pese a que la antorcha humana está demasiado exagerado, puede ser que en los comic fuera algo irresponsable, pero el Johnny Storm que vemos en pantalla pasa bastante el limite, y se convierte en una mala caricatura.
Jessica Alba como Sue Storm es quizás demasiado impresionante físicamente también para el concepto plasmado en los comics sobre su personaje, pero bueno, es un detalle menor.
Reed Richards y Ben Grimm en cambio si que dan la talla, sin duda.
Y mucho se ha opinado sobre el "Doctor Muerte" ( ¿porque no se traduce su apellido como en los comics?), la mayoría diciendo que a este villano le falta carisma.
Yo creo sin embargo que es el mejor personaje de la película, y los últimos veinte minutos, que son los que salvan la película, son gracias a él. Puede que quizás el actor elegido no termine de darle empaque, pero el villano es lo bastante potente como para sobreponerse al propio actor.

Los efectos especiales son sin duda una parte que hay que resaltar, ya que muchos dudábamos de que se lograra darle realismo a algunos de los poderes. Por suerte, puedo afirmar que me equivoqué, ya que el trabajo del equipo de efectos especiales se puede decir que es asombroso, quizás algo más flojo en Mister Fantástico, pero se les puede perdonar.

En resumen, creo que este primera parte de la trilogía aprueba, pero por los pelos. Algo más de peleas y menos escenas empalagosas, dialogos forzados y "made in USA" hubieran subido la nota, pero por lo menos nos dejó la puerta abierta a que las dos próxima fueran de un nivel notable.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 5
MUSICA: 5

MEDIA: 5

Viuda negra

2009-08-08T20:32:00.004+02:00

Scarlett Johansson dará vida a la Viuda negra, personaje de la Marvel.
La actriz se enfundará el ajustado traje negro de la espia rusa, y por lo que veo en la foto, hasta llevará las muñequeras con la que la heroina lanza sus aguijonazos en los comics. Aparecerá en la segunda parte de Iron-Man.

FUGA DE ALCATRAZ

2009-07-26T13:55:00.000+02:00

Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz)
USA
1979
DIRECTOR Don Siegel
REPARTO Clint Eastwood, Patrick MacGoohan, Roberts Blossom, Jack Thibeau, Fred Ward, Larry Hankin
GUIÓN Richard Tuggle
MÚSICA Jerry Fielding
FOTOGRAFÍA Bruce Surtees

Película de finales de los años 70 que nos narra un hecho verídico ocurrido en 1960; la primera fuga de la prisión de Alcatraz, lo que originó que un año después se cerrara la isla como centro penitenciario.

Frank Morris es un preso recién llegado a Alcatraz, una prisión de máxima seguridad situada en una islita al lado de San Francisco. Pese a que el sádico alcaide le informa que nadie ha escapado de Alcatraz, Morris pronto comenzará a preparar un plan para ser el primero en hacerlo...

Don Siege fue un director de segunda categoría (aunque con el paso de los años se ha ido convirtiendo en un realizador de culto), pese a tener algún titulo bastante notable (la invasión de los ladrones de cuerpos), y que desde mediados de los sesenta comenzó a trabajar junto a Clint Easwood, para un total de cinco películas.
"Fuga de Alcatraz" fue la ultima de las cincos. Pese a que la cinta logró ser un gran éxito comercial, los dos siguientes trabajos de Siegel resultaron ser un fracaso, y el buen director se pasó los últimos nueve años de su vida sin volver a dirigir.

La historia que nos cuentan en el film del que hablamos hoy es un caso que aún sigue sin resolverse. Para el FBI, los presos se ahogaron y nunca llegaron vivos a salir de las aguas que rodeaban la prisión, pero el hecho de que nunca se hallan recuperados sus cuerpos no puede confirmar esa hipótesis.
Pero más allá de decantarse de un lado u otro sobre el final de los fugados, la película nos muestra el proceso que llevaron a cabo para lograr semejante hazaña, como era fugarse de esa prisión, y sobre todo nos hace un retrato sobre el personaje central, Morris, que en palabras del propio Eastwood era un individualista, pero que no dudó en organizar a un grupo de presos para la fuga.

Sobre la película en sí, vista ahora por un espectador acostumbrado al cine actual, sin duda puede parecer bastante lenta, pero teniendo en cuenta que realmente está exenta de cualquier escena de acción, el verdadero placer reside en ver tanto como era la vida en esa prisión, como todo el proceso que Morris prepara y lleva a cabo para la famosa fuga. Aunque no se puede negar que Siegel logra aportar algunos momentos de tensión en varias escenas. Lo mejor es sentarse delante del televisor y dejarse llevar por una historia fascinante sobre unos hombres atrapados entre cuatro paredes de 1x3 metros.

Quizás lo mejor es que, llevando la contraria a películas más actuales sobre prisiones, en esta Siegel no nos deja caer que el protagonista sea inocente o no, y de la mayoría de los presos no conocemos su motivo de estar en Alcatraz. Tampoco aquí los guardias se encargar de dar palizas y malos tratos a los presos, quitando quizás al personaje del Alcaide, un hombre frío y sin sentimientos, con algún que otro momento de verdadera maldad.

El personaje de Clint Eastwood es perfecto para el actor, que puede ejercer su rol preferido como personaje lacónico y solitario. Tampoco se quedan atrás una gran galería de secundarios, desde el ya mencionado Alcaide pasando por algunos de los amigos de Morris en la prisión.

Autentico clásico del cine de prisiones, "Fuga de Alcatraz" es una referencia en el cine de ese tipo de subgénero, y conforma una de las grandes películas de la dupla Siegel-Eastwood, aparte de ser uno de los mayores éxitos de aquel año 1979.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 9
MUSICA: 8

MEDIA: 8.6

ED WOOD

2009-07-16T08:50:00.000+02:00

Ed Wood
1994
USA
Director: Tim Burton
Reparto: Johnny Depp, Martin Landau, Patricia Arquette, Sarah Jessica Parker, Bill Murray, Lisa Marie, Jeffrey Jones, Vincent D'Onofrio, G.D. Spradlin, Juliet Landau, Mike Starr, Brent Hinkley, Max Casella
Fotografía: Stefan Czapsky
Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski
Música: Howard Shore

Tim Burton, uno de los mejores directores americanos de los últimos tiempos, nos presenta una película basada en la historia real de Ed Wood, el peor director de Hollywood.

¿Quien fue realmente Ed Wood?
Obviamente, pese a que en una encuesta entre sesudos críticos salió como el peor director de la ciudad que es conocida como la Meca del cine, seguramente no lo sería.
Usando como guia la estrella de Orso Welles, Wood era un joven enamorado del cine, con el único sueño de lograr ser famoso rodando películas. Por desgracia, todo lo que le sobraba de vocación y de entusiasmo le faltaba en talento.

Wood logró engañar a un productor, y rodar su primera película. Por desgracia, pese a todo su empeño, fue un autentico fracaso. Como ya no pudo volver a trabajar con otra productora, Wood comenzó a buscarse financiación por si mismo, haciendo que las películas rodadas fueran aún más limitadas y precarias, sobre todo con la manía de Wood de rodar generalmente una sola toma de cada plano, saliera como saliera.
Cada vez más fracasado, el bueno de Wood terminó su carrera y su vida rodando películas semi-caseras pornográficas y completamente arruinado y en soledad.
Con el paso de los años, la fascinación por el director ha ido creando alrededor de Wood una fama que lo ha catapultado hasta director de culto para una cada vez mayor legión de seguidores.

Mas allá del propio personaje central, seguramente a Burton también le atrajo el grupo de freaks del que Wood se fue rodeando a lo largo de su carrera, entre los que destacan Béla Lugosi, estrella del cine de terror de los primeros años de cine, y que ya estaba con un pié y medio en el otro mundo cuando conoció a Wood, aparte de ser un drogadicto arruinado y olvidado. Wood se hizo amigo de él, y le hizo participar en algunas de sus películas.

Con semejante material inicial, es lógico que Tim Burton disfrutara de la película, rodada en blanco y negro, como homenaje al propio cine de Wood.
Poco puedo decir sobre la película en sí, salvo que es una verdadera obra maestra, cine sobre cine, un hombre extraño habla sobre un hombre extraño.
Burton nos coloca en el principio de la carrera del novel director, poco antes de comenzar a rodar sus primeras películas y de conocer a Lugosi.

Johnny Depp es el actor encargado de poner en pantalla a Wood, y su interpretación está a un nivel altisimo, aunque en honor a la verdad, casi todo el reparto está muy inspirado.

Burton rueda con su estilo y logra una verdadera maravilla que no puede faltar en la colección de cualquier aficionado al cine.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 10
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 10
ACTORES: 9
MUSICA: 7

MEDIA: 9.2

SALTO AL VACIO

2009-06-28T19:41:00.003+02:00

Salto al vacío
1994
España
DIRECTOR Daniel Calparsoro
REPARTO Najwa Nimri, Roberto Chalu, Alfredo Villa, Ion Gabella, Karra Elejalde, Kándido Uranga, Saturnino García, Mariví Bilbao
GUIÓN Daniel Calparsoro
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica

Alex es una joven de 20 años que se dedica a cualquier actividad que le reporte dinero, desde el contrabando de armas hasta la venta de drogas. Vive en un destartalado barrio de una ciudad donde la marginación, la violencia y las drogas están en la calle. Aparte, Alex es la única que mantiene a su familia, ya que ninguno de sus padres trabajan.

Debút del director Calparsoro, con la actriz que le acompañará a lo largo de sus primeros trabajos, Najwa Nimri, por aquel entonces pareja sentimental del director.

Alex es el personaje protagonista de la película, una joven con peinado Skin y con la palabra VOID (vacío) escrita en la cabeza. Pese a que su aspecto y sus acciones parecen indican que estamos antes una mujer decidida y sin debilidades, realmente Alex es una persona vacía por dentro, como bien nos dice en su peinado. Atada a una familia a la que tiene que mantener, y que no puede hacer nada por soltar lastre y seguir adelante sola. Además, Alex está enamorada en secreto de uno de sus compañeros de la banda, pero este no le echa ni cuenta. Y es que el resto de los chicos de su grupo la tratan como si realmente fuera un hombre. Con lo cual su frustración sube tanto en lo sexual como en la necesidad de tener a alguien que la quiera y la trate bien. Por eso ella sigue adelante, sabiendo que en la vida que lleva, la diferencia entre matar y morir es muchas veces un golpe de suerte. Ese es el salto al vacío que hace referencia el titulo, el salto de muchos jóvenes que por nacer en un barrio marginal tienen pocas posibilidades de mejorar, salvo jugarselo todo a la carta más alta.

Obviamente, el espectador poco avispado seguramente se quedaría con las oscuras vistas del ruinoso barrio, las escenas de violencia, las peleas de perros,el trapicheo de drogas o el a veces inaudible lenguaje callejero lleno de tacos que usan los personajes, haciendo así que el arbol no les dejé ver el bosque.

Y eso que la ambientación del novel por entonces Calparsoro la verdad es que está bastante lograda, teniendo en cuenta el poco presupuesto con el que contaría para levantar la película. Eso si, se le nota bastante algún defecto de novato, sobre todo en una camara algo inmovil en demasiadas ocasiones, pero en cambio tambien a lo largo del visionado se deja caer con algunos buenos movimientos, sobre todo en los momentos de maxima tensión.

Su indefinido guión, algo perdido a veces, algún actor sobre-actuado y sobre todo un final demasiado abierto, son los que a mi parecer más le pesa a "Salto al vacío", pero creo que en general como opera prima es una gran película, pese a ser un cine bastante incomodo, con algunas escenas algo pasada de roscas, que hará que no le guste a todo el mundo.

Najwa Nimri está posiblemente en su mejor trabajo en el cine (aún no se tenía muy creído el propio personaje que al poco tiempo ella misma se acabo creando, y que después repetiría película tras película). Y Karra Elejalde impresionante, como casi siempre, pese a ser un papel tan menor (menor en metraje, grande en importancia en la historia central de Alex).

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 6

MEDIA: 7

JUSTINO, UN ASESINO DE LA TERCERA EDAD

2009-06-20T08:55:00.008+02:00

Justino, un asesino de la tercera edad
1994
España
DIRECTORES Santiago Aguilar, Luis Guridi
REPARTO Saturnino García, Carlos Lucas, Marta Fernández-Muro, Juanjo Puigcorbé, Alicia Hermida, Carmen Segarra, Francisco Maestre, Concha Salinas, Carlos de Gabriel, Alicia Sánchez
GUIONISTAS Santiago Aguilar, Luis Guridi
MÚSICA José Carlos Mac
FOTOGRAFÍA Flavio Martínez Labiano

Justino es un puntillero de una plaza de toros obligado a prejubilarse con 62 años después de toda una vida dedicada a su trabajo.
Justino vive con su hijo y la mujer de este, que por desgracia pasan bastante de él.
En su primer día de jubilado, es un hombre aburrido y sin nada que hacer.
Pero esa misma noche, Justino descubre una nueva afición que le volverá a hacer sentirse vivo; Hace lo que mejor sabe, pero en vez de a los toros, mata a personas, comenzando con su hijo y su nuera.

Autentica rareza del cine patrio, Justino es una historia independiente, rodada en blanco y negro por una simple cuestión de economía de guerra. Pero esa impactante fotografía es la que nos hace recordar el buen cine de comedia negra en españa, que tiene en la excepcional "El Verdugo" la cúspide del genero.

Partiendo de una idea bastante surrealista, y que parodia a los asesinos en serie, la historia es la de un anciano que frente a su alejamiento de la sociedad a su llegada a la jubilación, decide "apuntillar" a todo el que pille por delante, no se sabe muy bien si por dinero, por diversión, o por simple locura.

Obviamente, la película muestra mucha critica social sobre el abandono de la mal llamada tercera edad. Y es que la mayoría de los personajes que no son ancianos, son solamente un compendio de tópicos y de mentalidad fría e impersonal (desde el hijo de Justino, como su nuera, pasando por las quiosqueras hasta el dueño de la plaza o los policías). Solo podríamos salvar al personaje de la agente social, aunque su cuadriculada mente la hace estar también bastante alejada de la realidad, pese a sus buenas intenciones.

Es el trabajo de los actores principales (Saturnino Garcia como Justino y Carlos Lucas como Sansoncito) en donde reside que la película termine de funcionar, ya que cada uno logra darle bastante "credibilidad" a sus personajes, credibilidad entre comillas, claro, ya que la cinta en general está bastante pasada de rosca, y lo que menos puedes hacer es tomártela en serio.

Uno de los aciertos sin duda es que pese a que Justino no para, por normal general se insinúa más que se enseña, logrando aún mucho más misterio y encanto en los asesinatos.

Como ya decía, la cinta fue rodada en muy pocos días, sin permisos para rodar en los exteriores, y casi como una película amateur, y sin saber muy bien los directores si iban a estrenarla, o si directamente intentarían vendérsela a una televisión.
Por suerte, el boca a boca hizo un buen trabajo, y si bien no fue un gran éxito, si les valió para que por lo menos no les hiciera perder mucho dinero.

Eso si, con el paso de los años, "Justino, un asesino de la tercera edad" está ganando cada vez más fama entre los cinéfilos, y supongo que en breve será considerada una obra maestra.

Virtudes no le falta, sin duda, y si no la conoces, ya tardas en descubrir que tu abuelo puede esconder un fatal pasatiempo...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 8
ACTORES: 9
MÚSICA: 8

MEDIA: 8.2

CAZADOR DE MEDIANOCHE

2009-06-10T20:50:00.000+02:00

Cazador de medianoche (Night Hunter)
1995
USA
DIRECTOR Rick Jacobson
REPARTO Don 'The Dragon' Wilson, Melanie Smith, Nicholas Guest, Sid Sham, Cash Casey, Maria Ford, Ron Yuan, Vince Murdocco, David 'Shark' Fralick, Sophia Crawford, Art Camacho, Jeanette O'Connor
GUIÓN William C. Martell
MÚSICA Terry Plumeri
FOTOGRAFÍA John B. Aronson

Durante cientos de años, los vampiros están en lucha contra los Cazadores, pero después de tantos años, ya hay muchas bajas en ambos bandos. Los últimos cinco vampiros llegan a Los Ángeles con la idea de reproducirse en el próximo eclipse que está a punto de ocurrir. Allí les espera Jack Cutter, hijo y nieto de Cazador, el ultimo de su profesión, que intentará por todo los medios acabar definitivamente con los vampiros.

Don "The Dragon" Wilson fue 10 veces campeón mundial de kickboxing allá por los años noventa. Con semejante palmarés, el cine pronto lo tentó, y a lo largo de un par de décadas ha completado una filmografía llena de títulos de serie Z, con el mismo denominador común; peleas y baja calidad.

La cinta que nos ocupa hoy es de mediado de los noventas, y es un perfecto ejemplo del cine al que se dedicaba el bueno del Dragón.

Comienza la acción con un prologo en 1968, en el que vemos como los padres de Jack Cutter son eliminados por los vampiros, aunque antes el padre logra que el hijo escape con el libro de la familia en el que aparecen el nombres de todos los vampiro que existen en el mundo (!?). El tiempo avanza hasta 1995 en la ciudad de Los Ángeles, y Jack lleva toda una vida matando a todos los vampiros que aparecen en el libro, para después tachar sus nombres. Acaba con los que él cree que son los cuatro últimos, y ya piensa que su misión ha terminado. Por desgracia, durante esa ultima lucha es fotografiado, con lo cual la policía comenzará a buscarlo. Además, llega a Los Ángeles el verdadero rey de los vampiros, y junto a su cuatros últimos compañeros, empezaran también a intentar acabar con el cazador.

Pese a que la base del inicio del guión promete, el desarrollo es bastante simple. Con la excusa de que Jack es capaz de "sentir" a los vampiros, la hora y media de metraje se dedica a correr de un lado para otro enfrentándose a los vampiros, todo ello remozado con una bella periodista, la que por supuesto será secuestrada por los vampiros, intentando darle un poco más de emoción a la ultima batalla de la película.

Sobre los vampiros que se nos presentan, en ningún momento se explica su origen, solo sabemos que a estos no parece molestarles mucho la luz del sol (aunque van siempre con gajas de sol). El propio Jack nos cuenta que son de habito nocturnos por la simple razón de que es mejor para cazar. Seguramente, ya estarán acostumbrados a la oscuridad. Lo que si nos enteramos durante la cinta es que cada vez que hay un eclipse, es el momento en el que reproducen, ya que si en ese momento muerden a un humano, este pasa a convertirse en vampiro.

Bastante alejada del terror, "Cazador de medianoche" se enmarca en el cine de acción. Por desgracia, quizás pensando que así lograría una mayor sensación de ritmo (¿?), el cámara durante todas las escenas de acción no se le ocurre nada más que mover de forma exagerada la cámara, logrando que a los pocos segundos uno acabe con un notable dolor de cabeza. Vamos, que de lo único que se podría esperar algo de la película (las escenas de las peleas del protagonista), son tiradas a la basura de forma bastante lamentable.
Tampoco podremos esperar mucho de su reparto, desde el propio Don "The Dragón", un inexpresivo lanzador de patadas, aunque con un traje negro muy logrado, con una gabardina negra igual a la de Django o Sabata, y el resto formado por desconocidos actores y también muy faltos de dotes interpretativas en su mayoría.

Película de serie Z bastante olvidable.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 2
ACTORES: 2
MÚSICA: 4

MEDIA: 3.6

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

2009-06-06T09:08:00.009+02:00

¿Quién puede matar a un niño?
1976
España
DIRECTOR Narciso Ibáñez Serrador
REPARTO Lewis Flander, Prunella Ransome, Miguel Narros, María Druille, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, Javier de la Cámara, María Luisa Arias, Marisa Porcel, Juan Cazalilla, Luis Ciges, Antonio Canal, Aparicio Rivero, Fabian Conde, Roberto Naurdan
GUIÓN Narciso Ibáñez Serrador & Luis Peñafiel (Novela:"El juego de los niños" de Juan José Plans)
MÚSICA Waldo de los Ríos
FOTOGRAFÍA José Luis Alcaine

Narciso Ibáñez Serrador, además de crear el famoso "Un, Dos, Tres" y otros programas de televisión, es también realizador de cine. Dos son sus películas, "La Residencia"(1969), y la que nos ocupa hoy, "¿Quien puede matar a un niño?"(1976). También ha realizado largos para la televisión a lo largo de los años, pero no fueron estrenados en el cine.

Después de lograr arrasar en las taquillas con su anterior película, Serrador se toma su tiempo para su siguiente trabajo en el cine, y ultimo, hasta la fecha. Pese a no llegar a llenar los cines como unos años atrás, la cinta fue bastante bien, y con el paso de los años ha ido ganando la categoría de obra maestra, y para algunos es la cúspide del cine de terror español.

Siete minutos de créditos son los que abren la película. En ellos, por medios de imagenes reales, vemos las atrocidades que las guerras producen en la población, y sobre todo que los mas dañados son los más débiles, los niños. Unos duros primeros minutos que hicieron que fueran censurados en muchos países, tanto ese prologo como la película en sí.
¿Cual es el motivo de que el director nos "machaque" con esa metralla inicial?. Ni más ni menos que empezar a darle una "explicación" a lo que vamos a ver durante el metraje de la película.

Una pareja de turistas ingleses llega a Bellavis, una localidad costera en el sur de Andalucia, con la idea de estar unos días de vacaciones en Almanzora, una isla cercana, en la que solo existe un pequeño pueblo de menos de doscientas personas, y que por no haber no hay ni teléfono con Bellavis. Solo es posible llegar a ella tras un largo viaje en barco de cuatro horas, que un par de días a la semana recorre el cartero para llevar el correo.

Al llegar a Almanzora, comenzaran a presentir que ocurre algo en el pueblo. Solo se ven algunos niños que corretean de un lado para otro, pero casi en su totalidad las casas están vacías y no hay nadie por las calles.
La realidad de lo que pasa la descubriran al poco de estar allí; hace un par de días, los niños del pueblo comenzaron a matar a los adultos, como si de un macabro juego infantil se tratara.

Aún conmocionados por la brutalidad de los acontecimientos, la pareja de turistas, pese a que en los primeros momentos intentarán encontrar el motivo de tal comportamiento, pronto tendrán que comenzar una huida por su propia supervivencia. Por desgracia, esa huida no estará exenta de enfrentamientos contra los niños de Almanzora, siendo bastante difícil lograr ganar los mismos, ya que, ¿quien puede matar a un niño?.

Rodada con un ritmo pausado y tranquilo, y sobre todo con una primera media hora cercana al documental más que a otra cosa, es sin duda uno de los aciertos de la película. Y es que la luminosidad de las casas blancas, el sol de Andalucia, y sobre todo los rostros angelicales y sonrientes de los niños, hacen aún mas tenebroso y temible los acontecimientos de los que somos testigos, mucho más que los tópicos y lugares comunes vistos en tantas y tantas películas.
Es quizás la primera parte donde los espectadores menos habituados al cine de otra época (esta película tiene ya más de treinta años) pueden quizás sentirse algo aburridos, pero creo que es necesario comenzar así para después lograr la genial atmosfera en la ultima parte de la película, con un impresionante in crescendo.

Una ultima hora final simplemente espectacular convierten a esta película en una autentica maravilla, ayudada sobre todo por la brillante banda sonora de Waldo de los Ríos. Muchas son sin duda las escenas que se quedan marcadas en la retina, desde su final en la barca ( recordando a cierta película mítica de zombies, que por cierto, no está mal considerar a estos niños como auténticos zombies), pasando por la piñata, aunque yo me quedo con el momento en que la actriz protagonista grita aquello de -"Me está matando!!".

Por cierto, la película en su versión original fue rodada con los actores principales (los turistas) hablando entre ellos en ingles, logrando una mayor sensación de desasosiego por la falta de comunicación con el resto de los personajes. Por desgracia, la versión que casi siempre hemos visto en España es una en la que ambos hablan un perfecto español, lo que hace que además de perder encanto, algunos diálogos quedan bastantes ilógicos. Si duda es mucho más recomendado verla en su versión original.

Deudora de algún titulo grande del cine, "¿Quien puede matar a un niño?" es una obra maestra, algo desconocida por España, que seguramente con un director con apellidos extranjeros estaría entre los clásicos del terror reconocida por todo el mundo.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 10
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 7
MÚSICA: 10

MEDIA: 9.2

David Carradine ha muerto

2009-06-05T10:35:00.002+02:00

Leo en el blog amigo "La Abadia de Berzano" que David Carradine ha muerto ayer.
La verdad es que es muy duro ver como cada vez con más frecuencia personas a las que admiras nos dejan.
Siempre me quedará el recuerdo de sus últimos cinco pasos en Kill Bill.

Descanse en paz

Noticia ampliada.

MAKINAVAJA, EL ÚLTIMO CHORISO

2009-05-30T21:37:00.006+02:00

Makinavaja, el último choriso
1992
España
DIRECTOR Carlos Suárez
REPARTO Andrés Pajares, Jesús Bonilla, Mario Pardo, Pedro Reyes, Mary Santpere, Lázaro Escarceller, Albert Vidal, Carmen Conesa, Boris Ruiz, Damia Barbany, Hugo Gorbain, Mercé Lleixa, Carles Canut, Joan Crosas, Silvia Solar, Pep Sais, Albert Tobias, Joan Potau
GUIÓN Carlos Suárez (Cómic: Ramón Tosas 'Ivá')
MÚSICA Luis Mendo, Bernardo Fuster
FOTOGRAFÍA Carlos Suárez, Francesc Brualla

Makinavaja es un personaje de comic de el autor ya desaparecido Ivá. Y es que un años después de comprobar el éxito de esta misma película, el dibujante moría en un accidente de circulación.

Makinavaja fue posiblemente el personaje más conocido de la revista "El Jueves". Ivá logró darle a las historias del atracador de los barrios bajos de barcelona un encanto muy especial, poniendo sobre la mesa bastante critica social y mala uva. Lo más llamativo de aquel comic era sin duda la forma de hablar de los personajes, aparte de usar bastantes tacos y palabras malsonantes, Ivá normalmente escribia los bocadillos de makinavaja de forma fonética, olvidandose completamente de la gramática. La frase más memorable y más recordada era con la que Maki sentenciaba algunas conversaciones "...pos fueno, pos fale, pos m'alegro".

En el año 1989, Makinavaja fue llevado al teatro, con bastante éxito. Unos años después, Carlos Suaréz logró convencer a Ivá para preparar una versión cinematografía, y el propio Suaréz preparó un guión, que básicamente usaba las mejores viñetas del personaje en "El Jueves", aunque consiguió enlazarlas entre sí de forma simple, pero bastante acertada.
Pese a no disponer de un presupuesto decente, la cinta fue de las mas taquilleras en aquel año 1992, y propició una segunda parte y hasta una serie en la televisión.

Sobre la película en sí, se nota bastante que el presupuesto era bastante limitado. Un doblaje poco pulido, un montaje que también deja que desear, pocos exteriores, y una fotografía que resalta por su ausencia. Sin embargo, hay que reconocer que todo esa puesta en escena tan de producción de serie B le queda que ni pintado al personaje y a la película en general, con lo cual a uno le queda la duda de si fue todo obligado, o si realmente se buscó de forma premeditada.

Quizás, en donde reside el éxito de la película es en la elección de los actores que ponen vida a los trazos creados por Ivá.
Andres Pajares está genial en la película (si, genial), y logra que podamos ver en él a Makinavaja, el atracador poeta y anarquista. Tampoco se quedan atrás su compañero de fatigas, Popi, un papel que también parece escrito especialmente para Jesús Bonilla. Otros grandes secundarios terminan de crear ese universo barcelonés que reside oculto en el barrio chino, como es el dueño del bar en el que siempre están la pareja protagonista, el pirata (Pedro Reyes), el "moro mieda" (Mario Pardo), y Mary Santpere como la madre de Maki en su ultimo papel, ya que la actriz murió al poco de rodar la película.

Otro de su punto fuerte es sin dudas que la película se basa en los diálogos, algo que cada vez en el cine estamos perdiendo más. Con un humor bastante peculiar, algunas escenas fueron "suavizadas" ya que en su versión de papel eran mucho más duras y violentas. Por normal general, casi todos los gags son bastantes gamberros y surrealistas, pero casi siempre esconden alguna hostia a algún colectivo o entidad.
Carlos Suárez elige sabiamente mantener el vocabulario que se usa en los comics, ya que si se hubiera quitado ese detalle la película hubiera perdido bastante.

Atracos perfectos e imperfectos, secuestros de obispos en helicópteros, niños borrachos amantes de espinete, pelucos de oro perdidos en el baño, frank Sinatra, Maki con un traje demasiado "moderno", el asalto al museo del "mirón", el polvo de la tortuga. Estos y muchos más son algunos de los mejores momentos de la película.

"Makinavaja el ultimo Choriso" es una grandisima comedia, que por desgracia siempre ha estado muy infravalorada en España, realmente por el simple hecho de estar protagonizada por Andres Pajares. Pero esta película no tiene nada que envidiar a muchas comedias americanas con mucha menos gracia pero que seguramente muchos vayan a ver al cine.

Años después, Santiago Segura tomó muchas ideas para su Torrente, aunque deformando bastante al protagonista. Y es que, Makinavaja, pese a su profesión, en el fondo siempre ha sido una persona de buen "corason..."

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 8
MÚSICA: 6

MEDIA: 7

VAMPIROS (de John Carpenter)

2009-05-26T12:50:00.007+02:00

Vampiros de John Carpenter (John Carpenter's Vampires)
1999
USA
DIRECTOR John Carpenter
REPARTO James Woods, Daniel Baldwin, Sheryl Lee, Thomas Ian Griffith, Maximilian Schell, Tim Guinee
GUIÓN Don Jakoby/John Carpenter (Novela: John Steakley)
MÚSICA John Carpenter
FOTOGRAFÍA Gary B. Kibbe

Durante varios cientos de años, la iglesia lleva una guerra en secreto contra los vampiros. Para ello tienen en nomina a varios grupos de cazadores alrededor del mundo. Jack Crow es el jefe del grupo norteamericano. Después de una "caza" rutinaria, los mercenarios disfrutan de un merecido descanso. De repente, aparece Valek, un temible y casi invulnerable vampiro, que acaba con el grupo entero en apenas unos minutos, y al que Jack Crow solo puede detenerlo para ganar algo de tiempo y huir esperando a que amanezca, momento en el cual comenzará a buscalo para acabar con él.

Violenta y casi rozando el gore por algunos momentos, se nos presenta esta versión del mito de los vampiros, presentada por el director J.Carpenter, de culto para algunos y bastante irregular para otros.
Y es que al realizador se le presentó la oportunidad de crear su propia visión de la leyenda, y no dudó en crear una obra bastante personal.

Rodada como si de un spaghetti western se tratara, la estrella no es ningún vampiro, la estrella es el cazador, el personaje al que James Woods se encarga de ponerle ironía y mal vocabulario en un papel bastante pasado de rosca, con mucho más tonos grises que blancos en su personalidad. Definitivamente, un estilo de anti-heroe que pudimos ver a lo largo de la mayoría de los westerns europeos.
Además de su fiabilidad a la hora de hacer su trabajo, Jack Crow no duda en hacer cualquier cosa para lograr llevarlo a cabo, aunque eso sea golpear a gente inocente para sacarle información.

La visión de los vampiros que el director nos pone en la pantalla la verdad es que está bastante alejada de la que hemos podido ver en las ultimas películas, como el propio director explica en boca de su protagonista cuando dice que nos olvidemos de esos románticos vampiros de "las películas de la tele". Son seres sin corazón que se dedican a matar para alimentarse.

Pese a que a lo largo de la historia se nos presenta el origen de los vampiros (con una "simpática" teoría, al suponer que la creación de los vampiros fue culpa de la propia iglesia) la verdad es que a J. Carpenter es lo que menos le importa. Los vampiros son solo la excusa para que Jack Crow se luzca y no pare en su cruzada, llevándose para ello por delante a vampiros de forma brutal, que como no son humanos, pues se le puede hacer de todo, sin ningún cargo de conciencia.

Rodada en su mayoría en parajes desérticos de Mexico, con una fotografía polvorienta, y una banda sonora que por momentos recuerda a Leone, "Vampiros" conforma un buen homenaje a un par de géneros, una divertida y simpática película, con impactantes escenas de acción, con un acabado brillante que recuerda al cine de serie B, que pese a todo las propias limitaciones que el director se pone a la hora de preparar el guión definitivo hace que no se le pueda poner más nota para una obra que solo quiere ser un entretenimiento, tanto para el espectador como hasta para el propio Carpenter, pero que esconde mucho cariño a un cine menos reconocido por el gran publico, pero cine pese a todo. Solo por eso se merece mi admiración, y ya que la peli la verdad es que pasó bastante desapercibida, es un buen momento para reivindicarla.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 8
ACTORES: 7
MÚSICA: 8

MEDIA: 7.6

DURO DE PELAR

2009-05-19T17:27:00.007+02:00

Duro de pelar (Every Which Way But Loose)
1978
USA
DIRECTOR James Fargo
REPARTO Clint Eastwood, Sondra Locke, Ruth Gordon, Geoffrey Lewis, Beverly D'Angelo, Walter Barnes
GUIÓN Jeremy Joe Kronsberg
MÚSICA Steve Dorff
FOTOGRAFÍA Rexford Metz

Phil(Clint Eastwood) es un camionero del sur de USA, amante de la cerveza, oír música country y ocasionalmente participar en peleas callejeras para ganarse unos dolares extras con las apuestas. Siempre le acompaña su mejor amigo, Orville(Geoffrey Lewis), y un orangután que ganó en una pelea, de nombre Clyde.
Su vida sigue ese curso hasta que una noche conoce en un bar a Lynn Halsey-Taylor(Sondra Locke), una atractiva cantante, y él acaba enamorado de ella.
Por desgracia, al poco tiempo la muchacha desaparece de la ciudad, y Phil no duda en ir tras ella, junto con Orville y Clyde.

Después de rodar "Ruta Suicida", Clint Eastwood comenzó a buscar su siguiente guión para su proxima película, con el requerimiento que debería de ser uno en el que su por aquel entonces pareja sentimental, Sondra Locke, tuviera un papel importante.
Entre los primeros proyectos, se barajó la posibilidad de una segunda parte de "Fuera de la ley", aquel mítico western en el que ambos actores se conocieron un par de años antes.
Al final, Eastwood se decidió por una comedia, "Duro de pelar". Pese a que la mayoría de sus conocidos trataron de quitarle esa idea de la cabeza, el actor/director no lo dudó, recordando quizás que una década antes esas mismas personas le dijeron lo mismo de irse a Almeria a rodar un western de bajo presupuesto con un desconocido director italiano.

¿Que fue lo que le atrajo para producir con su compañía y participar en una película de este tipo?.
Aparte del hecho de lograr un guión en el que darle un lugar importante a su pareja, seguramente lo que más le atrajo era poder comenzar a quitarse esa etiqueta que tenía como actor "duro" del cine norteamericano, y sobre todo, que él mismo demostraba que no le importaba ser el primero en reírse de ese estereotipo que se había ganado con sus papeles anteriores.

"Duro de pelar" es básicamente una mala broma, una "road-movie" aderezada con chistes toscos y rudos, peleas varias, y unos personajes pasado de rosca hasta limites exagerados, rozando lo surrealista:
El personaje de Phill es un hombre duro, pero de noble corazón e intenciones, y con bastantes pocas luces. Su amigo Orville tampoco es que sea muy listo, y podríamos ponerle el rol de Sancho como apoyo del "Quijote" Phill. Má Boggs es la madre de Phill, otro personaje excentrico, siempre enfadada por no lograr aprobar el carnet de conducir, y enfrentada al orangutan Clyde. Lynn Halsey-Taylor es la cantante que logra cautivar a Phill, y es todo un misterio a lo largo de la película.
A estos hay que añadirle una banda de motoristas, las arañas negras, todos con una pinta horribles, y bastante lamentables en todos sus intentos por cualquier empresa que comienzan, y un par de policías imcopetentes que van detrás de Phill. Pero sin duda, la verdadera estrella de la película es el orangutan Clyde, autentico descubrimiento, y un verdadero robaplanos.

En el lado positivo, "Duro de pelar" tiene los magníficos exteriores, que nos sirven como postal del sur de USA, con sus bares y sus coches de época, y sobre todo comprobar como el propio Clint Eastwood se tomaba su rol de "duro" oficial del cine americano.
Pese a eso, es una muy mediocre cinta, solo para aferrimos seguidores del actor, o cinéfilos empedernidos deseosos de completar filmografías.

Eso si, al final, como con el western europeo, Clint se volvió a salir con la suya: la película recaudó cerca de 52 millones de dolares, convirtiéndose en el mayor éxito de su carrera hasta ese momento, y quedando como la segunda más taquillera, por delante de "Alien","Rocky II" o "El cazador", y solo pudiendo ser adelanta por "Superman".

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 5
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 5
MÚSICA: 5

MEDIA: 4.4

PUNISHER WAR ZONE

2009-05-13T15:05:00.002+02:00

Punisher: War Zone
2008
USA
DIRECTOR Lexi Alexander
REPARTO Ray Stevenson, Dominic West, Julie Benz, Dash Mihok, Doug Hutchison, Wayne Knight, Colin Salmon, Keram Malicki-Sánchez, T.J. Storm, Bjanka Murgel, Larry Day, David Vadim, Romano Orzari, Tony Calabretta, Jon Barton
GUIÓN Matt Holloway, Art Marcum, Nick Santora, Kurt Sutter
MÚSICA Christopher Franke
FOTOGRAFÍA Steve Gainer

El cine es sin duda un mundo bastante extraño.
Películas horribles reciben el favor del publico, mientras que otras se pierden en el olvido.
Punisher, cuando pasen los años, será un personaje maldito en su versión cinematográfica.
Recordemos, para el que no lo conozca, que el Punisher es un superheroe sin poderes de los años 70 de la marvel. Es del tipo que se llaman justicieros, es decir, que llevan una guerra personal contra el crimen, usando solamente armamento, y generalmente sin confiar mucho en la ley, acabando él mismo con los criminales para evitar que estos escapen a la justicia.
El comic del Punisher tuvo una época de esplendor en los años ochenta y los noventas, aunque poco a poco fue perdiendo fuerza, hasta el año 1995, que pasó de tener tres colecciones mensuales a perderse en el casi-olvido. En el año 2001 volvió a recibir su serie mensual, y la popularidad del personaje subió de nuevo, aunque por desgracia hace un año volvió a quedarse sin serie mensual, pasando a salir en novelas graficas dedicadas a un publico adulto.

Sobre su carrera en el cine, en el este mismo blog podréis encontrar la primera película sobre el personaje, protagonizada por Dolph Lundgren, allá por 1989, una cinta que pese a su falta de presupuesto y sobre todo la desconfianza de poner toda la carne en el asador de Marvel, vista ahora destila cierto encanto.

En el 2004, con la moda de las películas de superheroes, y sobre todo con el nuevo éxito de su colección de un par de años anteriores, Marvel volvió a intentar sacar una película digna sobre el personaje, pero volvió a equivocarse ( en breve sacaré la reseña sobre ella).

Y así llegamos hasta el año 2008, en el que se vuelve a rodar un nuevo film sobre Frank Castle, y que parece que es la ultima bala para lograr una historia que funcione y enganche al publico.

Intentando no volver a repetir errores pasados, los productores supongo que tomarían buena nota de que es lo que había fallado en la película anterior, y seguramente llegarían a la conclusión de que lo que los amantes del comic querían ver era al verdadero Punisher en pantalla, y por eso decidieron apostar por un alto contenido violento y creando un anti-heroe aún más enloquecido que antes. Y es que el Frank Castle que vamos a ver es una persona completamente desquiciada, con solo la obsesión de no parar en su guerra personal contra el crimen. En esta cinta, Frank castle no es un anti-heroe, ni mucho menos un héroe. Castle es un psicópata homicida, cosa que por otro lado acerca más a la realidad del personaje en los últimos años en su versión en papel.

Comenzamos fuerte. Ya Castle lleva años con la calavera, y es una perfecta maquina de matar. En un memorable inicio, asalta una mansión llena de jefes de la mafia y acaba con todos. Pero uno de ellos escapa, y Castle no duda en ir tras él. Por desgracia, en la siguiente refriega, Castle mata a un policía que estaba infiltrado en la banda del mafioso.
Pero además de ese error, Castle cometerá otro al dejar vivo al mafioso al que perseguía, aunque le deja totalmente desfigurado, creándose un enemigo que no parará hasta acabar con él, un nuevo villano que decide ponerse de nombre Puzzle.
Bastante (más aún) tocado por haber matado a un hombre que no se lo merecía, pese a que al principio lo achaca a "daños colaterales", Castle se siente culpable, y decide ir a ver a la viuda para ofrecerle dinero antes de irse por un tiempo de la ciudad para tomarse "vacaciones". Pero es entonces cuando aparece Puzzle...

Rodada, como ya decía, con escenas muy violentas, la película tuvo que ser remontada ya que en su primera versión quedaba demasiado "gore", y eso hubiera cerrado su proyección para el publico mas joven, aunque pese a todo, el montaje final sigue siendo bastante "explicita" en cuanto a su demostración del poder en combate del Punisher.
El resultado final fue una película espectacular, rodada como si de una peli de serie "B" se tratara, seguramente buscando el enfoque de las antiguas películas de acción de hace una década, aunque en las escenas de tiroteos no se escatiman esfuerzos para lograr que queda realista y potente.
Pese a que el guión es bastante "limitado", el Punisher que vemos es el que todo aficionado del personaje quisiera ver, y el guiño a los mismos que hacen poniendo a Puzzle( un antiguo enemigo de los comics) como nemesís es bastante agradecido, además de Microchip, el unido aliado que realmente tuvo Castle en su historias en los años noventas.

Por desgracia, pese a todo los intentos, y que la película en si es una maravilla como cine de entretenimiento y una pasada como tributo al personaje, el fracaso en los cines parece ser que fue sonado. Tanto que ni siquiera se ha llegado a estrenar en España en las pantallas grandes, y ya veremos cuando la sacan en DvD.
¿Al publico solo les interesa los superheroes "al uso", y no quieren personajes o grupos que se salen de lo "normal"?
A saber.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 7

MEDIA: 7.4

Inglorious Basterds (Trailer)

2009-05-08T20:05:00.005+02:00

Trailer de la nueva película de Q. Tarantino, con la estrella Brad Pitt como prota.
La cinta es un "homenaje" a un film del director italiano Castellari.

CREPÚSCULO

2009-05-05T19:42:00.005+02:00

Crepúsculo (Twilight)
2008
USA
DIRECTOR Catherine Hardwicke
REPARTO Kristen Stewart, Robert Pattinson, Billy Burke, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Nikki Reed, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Kellan Lutz, Cam Gigandet, Edi Gathegi, Rachelle Lefevre, Anna Kendrick, Taylor Lautner
GUIÓN Melissa Rosenberg (Historia: Stephenie Meyer)
MÚSICA Carter Burwell
FOTOGRAFÍA Elliot Davis

Bella Swan (Kristen Stewart) es una jovenzuela algo solitaria y deprimida. Como su madre ha decidido irse de viaje con su nuevo marido, a la pobre Bella no le queda más remedio que irse a vivir con su padre, sheriff de un pequeño pueblo llamado Forks, en Washington.
Bella se siente bastante desplazada en su nuevo instituto, pero de repente conoce a un guapo y extraño muchacho, Edward Cullen (Robert Pattinson), y ambos comienzan a intimar. Pero lo que nunca podría haber esperado Bella es que se iba a enamorar de un vampiro...

"Crepúsculo" es una saga de novelas que ha vendido una burrada en todo el mundo. Básicamente, su argumento es una mezcla entre "Bufy" y "Romeo y Julieta". Un producto para adolescentes que nos habla sobre el amor imposible entre una humana y un vampiro. Como es normal en Holywood, era cuestión de tiempo que alguna avispada productora lograra los permisos para trasladar la historia a la pantalla, con vistas a lograr una saga que les mucho millones, pensando ( con acierto) que ya tenían mucho marketing adelantado.
Como uno no se ha leído las novelas, voy a tratar la película sin tener en cuenta sus raíces en papel.

Si ya de por sí la idea básica tiene poquísima chicha, he de decir que la primera hora y media ( si, 90 minutacos) se la toma la directora de forma "relajada" para contarnos la historia del amor entre los protagonistas. Básicamente, es un "no vengas pa ca que te chupo la sangre" y un "voy palla, me fio de ti, no eres malo y molas mucho cuando brillas con el sol y jugando al beisbol". Empalagosa, diálogos estúpidos, y aburrida hasta decir basta. Vamos, que en esos interminables minutos uno desea ser un vampiro de verdad para poder chuparse la sangre y acabar ya con semejante tortura.
Cuando ya parece que la cosa se pone con algo de acción (aparece un vampiro malo de verdad que quiere matar a la humana amiga de los vampiros) aquello se resuelve con una pelea de lo más soso, y algo pobre, tanto en los medios como en la planificación de escenas. Una autentica ridiculez.

Lo único bueno que se podría haber sacado del asunto ( el hecho de intentar amar a un monstruo) se pierde ante la debilidad de los diálogos y la falta de emociones entre los personajes. Puede ser que quizás la pareja de actores tenga la culpa, porque la verdad es que vaya demostración de abanico gestual. Entre la cara de pena de ella y los ojos desorbitados de él, uno no sabe al cual odiar primero.

Pero bueno, supongo que este tipo de cine está dirigido hacía un grupo concreto, y seguramente les gustará. Pero a mi solo me ha dejado pensando que es una pena lo que están haciendo con el mito de los vampiros.

Y ya recuerdo que esto viene de cuatro novelas, y me pongo malo...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 2
AMBIENTACIÓN: 3
DIRECCIÓN: 3
ACTORES: 3
MÚSICA: 5

MEDIA: 3.2

BEAUTIFUL CREATURES (Criaturas hermosas)

2009-05-01T10:02:00.005+02:00

Beautiful Creatures (Criaturas hermosas)
2001
Reino Unido
DIRECTOR Bill Eagles
REPARTO Rachel Weisz, Susan Lynch, Iain Glen, Maurice Roeves, Tom Mannion, Alex Norton
GUIÓN Simon Donald
MÚSICA Murray Gold
FOTOGRAFÍA James Welland

Dorothy (Lynch) decide huir de Glasgow después de la ultima pelea con su novio Tony. Pero mientras espera el autobus, ve como a Petula (Weisz) le está golpeando salvajemente un hombre, y decide ayudarla. Por desgracia, matan accidentalmente a el hombre, que resulta ser el novio de Petula, Brian. Así que ambas deciden unirse para ocultar el cadáver e intentar escapar de Glasgow sin ser descubiertas ni por Tony, ni el hermano de Brian, ni mucho menos por la policía...

Bill Eagles, un director inglés de poca carrera, debuta al inicio de la década con esta peculiar comedia negra, aunque de comedia tiene poco.
Criaturas hermosas es la historia de un par de jóvenes y guapas mujeres, que por desgracia nunca han tenido buena puntería a la hora de elegir a sus parejas. Dorothy es Susan Lynch, una joven sin empleo definido, aficionada a hablar con su perro. Petula es Rachel Weisz, una tímida secretaria, y verdadero mujer/florero.
Después de que ambas acaben juntas tras matar al novio de Petula, deciden que lo mejor es ocultarlo todo e intentar llevar el cadáver a el barco de Brian, y alli hacer que parezca un accidente.

Por desgracia, la trama se complica cuando el hermano de Brian comienza a sospechar de Petula, y no dude en avisar a la policía.

El director nos presenta el mundo en el que tienen que sobrevivir las protagonistas como un verdadero infierno, poblado de personajes masculinos malvados y oscuros, y es que realmente, menos los dos papeles de féminas, el resto del reparto, formado por hombres, son de personajes bastantes turbios.
Aunque, al final del visionado, puede parecer otra cosa...

Rodada como si de una comedia se tratara, el director cambia entre colores vivos a colores oscuros cuando algún momento del guión así lo exige. Pero repito, esta original cinta puede ser de todo, menos una comedia.

Yo me quedo particularmente con la especial relación que la película nos muestra que se crea entre las protagonistas, que sin duda nos enseña el que puede ser el comienzo de algo más que la amistad entre ambas, quizás aburridas de fallar con los hombres ( sobre todo se divisa eso en una escena en la que Dorothy le corta el pelo a Petula).

Rodada seguramente con poco presupuesto, esta película no tuvo mucho éxito, y del director poco más se llegó a saber, pero a mi me ha parecido un pequeño descubrimiento.
Y es que dos criaturas hermosas (amba, sobre todo Weisz, son lo mejor de la cinta), perros acrílicos, varios asesinatos y un millón de libras no se puede negar que tiene su encanto...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 8
MÚSICA: 5

MEDIA: 7

MAD MAX, SALVAJES DE LA AUTOPISTA

2009-01-26T11:18:00.005+01:00

Mad Max, salvajes de la autopista
1979
Australia
DIRECTOR George Miller
REPARTO Mel Gibson, Joanne Samuel, Steve Bisley, Hugh Keays-Byrne
GUIÓN James McCausland & George Miller
MÚSICA Brian May
FOTOGRAFÍA Dean Semler

En un futuro cercano, la sociedad está cada vez más podrida. En la historia que nos trae la película, estamos en una ciudad perdida, de la que normalmente solo vemos carreteras y algún edificio solitario.
Un reducido grupo de policías es el encargado de vigilar la autopista principal. Uno de estos agentes de la ley es Mad Max, un joven que poco a poco se está ganando una fama como un temible conductor al volante de su radiante Interceptor V-8.
Un día, aparece un delincuente, el Jinete Nocturno, que después de robar un coche de la policía, comienza a huir llevándose por delante a todos los policías que pueda. Mad Max decide ocuparse de él, y consigue detenerlo, aunque el Jinete Nocturno muere al final de la persecución.
Pero por desgracia llegan a la ciudad a recoger el cuerpo los amigos de el Jinete Nocturno, que son igual de pervesos que él. La banda de motoristas comienzan a crear problemas en la zona, hasta que de forma irremediable les toca enfrentarse a la policía, y en especial con Mad Max, en un desenlace en que todos sufrirán terribles perdidas.

Autentico titulo de culto, que sirvió como trampolín para un actor australiano (aunque nacido en USA) que durante la década de los ochenta y parte de los noventa fue una de las mayores estrellas del cine norteamericano,Mel Gibson.
Y eso que el director George Miller no contó con un gran presupuesto para poner en pie esta película de acción, pero supo sacarle muchisimo a la tierra árida de Australia, y logró tapar la falta de dinero con talento e ingenio.
Miller se inspiró de forma descarada en el spaghetti western, tanto en el decorado, como en la forma de dirigir y la elección de como poner la cámara. Sobre todo, se nota la influencia del western en los villanos de la historia, auténticos pistoleros siniestros y oscuros que podríamos encontrar en muchas producciones europeas de una década anterior. También en el verdadero motor que mueve la película, que no es otro que la venganza, uno de los más recurridos en los spaghetti westerns. La violencia y sobre todo la cruedad de algunos momentos es otro guiño.

"Mad Max" escondía además una álgida critica a la ley y a la burocracia, una ley que se nota que falla bastante, cuando los policías se ven obligados a dejar en libertad a algunos delincuentes solo porque nadie aparece para declarar en los juicios, quizás con miedo a las represalias.
Sus mejores momentos son sin dudas las fenomenales escenas de coches, con un merito impresionante teniendo en cuenta el año de su rodaje, en el que no existían efectos especiales, pero que lograron ser de lo mejorcito en ese género, pese al paso de los años.
También quiero recordar el momento en que la familia de Mad Max es asesinada, que es de lo más impactante de la película, logrando además que la ultima parte de la historia se convierta en una autentica carrera enloquecida, con un hombre buscando venganza, y que no parará hasta lograrla.

Copiada hasta la saciedad, tanto su historia como su estética y su ambientación, "Mad Max" se convirtió en una autentica referencia en el cine, logró subir a el podio de la fama a el actor protagonista, e hizo que apareciera dos partes más, en una famosa trilogía.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN: 10
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 8
MÚSICA: 8

MEDIA: 8.8

W.

2009-01-21T03:12:00.009+01:00

W.
2008
USA
DIRECTOR Oliver Stone
REPARTO Josh Brolin, Elizabeth Banks, James Cromwell, Richard Dreyfuss, Thandie Newton, Ellen Burstyn, Jeffrey Wright, Toby Jones, Stacy Keach, Bruce McGill, Ioan Gruffudd, Jesse Bradford, Scott Glenn, Noah Wyle, Jason Ritter, Dennis Boutsikaris
GUIÓN Stanley Weiser
MÚSICA Paul Cantelon
FOTOGRAFÍA Phedon Papamichael

Andaba uno aburrido, zapeando, cuando de pura suerte me entero que la 2 estrena, casi sin avisar, y sin pasar ni por el cine ni por el DvD en España, la peculiar mirada de Oliver Stone sobre el que, para muchos, puede ser el peor presidente de los E.E.U.U de toda la historia ( de esta y de la que está por escribir, por lo que cuentan), el señor W.

Olvidemos el asunto de tan extraño estreno, que aún más me duele lo que las distribuidoras le han echo a mi amado Punisher, y vayamos a la película en si.

El señor W puede ser una de las personas más odiadas del mundo, y lo normal es que Oliver Stone hubiera echo una película en el que Busch fuera retratado como un ogro sin sentimientos, deseoso solo de las peores aberraciones. Seguramente, eso hubiera echo que el film se hubiese ganado muchas alabanzas, más allá de sus virtudes cinematográficas. Pero Oliver es imprevisible, y nos enseña un Bush bastante limitado, borrachuzo, mujeriego, y sobre todo, muy manipulable. Lo que en mi pueblo se llama un "tontaco", vamos. Parece incluso que hasta el director quiere que nos de pena, que nos caiga bien ese pobre paleto de Texas. Supongo que semejante tratamiento haría que muchos tachen a la película de poco critica, pero amigos, nada más lejos de la realidad.

Oliver Stone lo que nos quiere contar es que cualquiera puede ser Presidente. Lo que Oliver nos quiere contar es que los hombres (y alguna mujer) que están a la sombra son realmente el verdadero peligro. Que seguramente fueron los que hicieron que W llegará a la presidencia, sabiendo que sería fácil de dirigir. Y que con W en la presidencia, ellos controlarían a el país más poderoso del mundo.
En resumen, que el destino del mundo ha estado en manos de unos cuantos capaces de lo que sea para lograr más poder.
Y que la culpa de Bush se acaba hasta donde llega su inteligencia, que por desgracia para él, no es mucha.

Esa es para mi la parte más importante que he podido percibir en el visionado.
Vayamos ahora a por otro aspecto que me ha parecido muy atrayente, y sin duda no es otro que el reparto, y la fenomenal recreación de la mayoría de los personajes, sobre todo un extraordinario Josh Brolin como Bush, que va más allá de la caracterización, logrando el actor ser un verdadero calco de Bush.
Los demás actores también están muy acertados.

Hasta aquí lo que podríamos señalar como lo mejor de la historia.
En el lado negativo, algunos momentos muy pocos logrados (como lo de la galletita), y pasar por encima por algunos datos importantes, sobre todo del segundo mandato. Aunque entonces la película se hubiera ido a una duración demasiado excesiva, así que eso por lo menos tiene justificación.
Tampoco a uno le queda claro el motivo principal de la extraña relación entre Bush padre y Bush hijo, ni tampoco el porque desde su juventud Bush tenia esa forma de ser tan rebelde. Oliver deja el tema muy en el aire, y creo que solo lo achaca a la falta de mayores miras en la mente de Bush Hijo.

Me quedo con dos momentos:
el final de "W" donde Bush sueña que es un gran jugador de béisbol, pero cuando va a recoger la pelota, se queda mirando al cielo, esperando una pelota que nunca bajará, y sobre todo cuando en una reunión de la plana de mando, Colin Power no ve claro la invasión de Irak, y es entoces cuando le explican el verdadero motivo del ataque...

Gracias Oliver por la película, que pese a que se nota que te tocó rodarla en poco tiempo, y tiene algún que otro fallo, la esencia es lo que importa en este tipo de cine.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 9
MÚSICA: 5

MEDIA: 7.4

PERDONA BONITA, PERO LUCAS ME QUERÍA A MI...

2009-01-19T13:24:00.009+01:00

Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí
España
1996
DIRECTOR Félix Sabroso, Dunia Ayaso
REPARTO Jordi Mollá, Pepón Nieto, Roberto Correcher, Luciana Gil, María Pujalte, Esperanza Roy, Gracia Olayo, Ferrán Rañé, Alonso Caparrós, Carmen Navarro, Concha Cortés, Carmen Balagué, Riky, Felipa Ortiz, Antonia San Juan, Juan Bautista Cucarella, Mariola Fuentes, Sandro Ausina, Miguel Mota, Clara Fernández de Loaysa, Malena Gutiérrez, Luis David, Félix Granado, Blanca Díaz Hijald
GUIÓN Félix Sabroso, Dunia Ayaso
MÚSICA Manuel Villalta
FOTOGRAFÍA Arnaldo Catanari

Encerrada detrás de un larguisimo y hortera titulo se esconde esta comedia de mitad de los años noventa.
Debút en la dirección de Feñox Sabrosa y Dunia Ayaso, pareja que siempre han dirigido juntos, por ahora, cuatro largos y una serie para televisión, de escaso éxito, sobre todo el trabajo para la pantalla pequeña.
Su ultimo trabajo en el cine fue el año pasado en "Los años Desnudos,Clasificada S", película que incluía como actrices principales a Candela Peña, Goya Toledo, y el regreso de Mar Flores.

Tres gays viven juntos en un piso en Madrid. Son lo que se pueden llamar amigos de toda la vida. Pero debido a sus problemas económicos, se ven obligados a alquilar una habitación. Entonces aparece Lucas, y la relación entre los tres comienza a resquebrajarse por culpa del nuevo inquilino del piso. Pero un buen día, Lucas aparece asesinado, y cualquiera de los tres puede ser el asesino...

El trio principal de la película es la base de la misma. Pese a que en síntesis son unos personajes llenos de tópicos, con una "pluma" exagerada, tienen algunos detalles que les hacen distintos:

Jordi Mollá es Toni, camarero de un bar, amante de lo místico y lo extraño.
Pepón Nieto es Carlos, dependiente en una lavandería, epiléptico fingido, y un poco llorón.
Roberto Correcher es Dani, el más ligón del grupo, y guia turístico de profesión.
Los dos primeros son sin duda lo mejor de la película, con grandes actuaciones. Correcher es el que se mantiene a un nivel mas bajo.

Un horrible actor de nombre Alonso Caparrós es el que le pone el cuerpo a Lucas. Con decir que uno siente alegría cuando a mitad de la cinta lo matan, creo que queda todo dicho sobre el trabajo de Caparrós.
Para investigar el asesinato, aparecen un par de mujeres en el piso;
La Inspectora Clara, que no es otra que la guapa Lucina Gil. Posiblemente, es una de las grandes actrices desaprovechadas de este país, que en esta película realiza una notable interpretación de un personaje totalmente enloquecido.
Maria Pujarte es la agente de policía Mari Carmen, ayudante de Clara.
Completando el reparto, podemos encontrar a Esperanza Roy como Juliana, la mujer de la limpieza de los chicos, y un personaje con un vocabulario que haría estremecerse a cualquier hombre de bien y Gracia Olayo es Estrella, la cantante del bar, una ninfomana que siempre está dispuesta a ponerle los cuernos a su marido.

¿Que encontramos a lo largo del visionado de "Perdona bonita..."?
Como ya decía antes, tópicos, muchos tópicos sobre los homosexuales.
Por suerte, todos son hechos con bastante inocencia, y solo buscando hacer reír, así que no creo que nadie se pueda llegar a sentirse ofendido.
Los directores beben directamente de el primer Almodovar.
Técnicamente, se puede decir que es bastante desastre. Pero además, ni el sonido, ni el montaje ni la inexistente fotografía ayudan a las pobres imagenes rodadas por los debutantes a mejorar el producto final. Tampoco la banda sonora. Es más, en bastante metraje se nota mucho la falta de una música de fondo que ayuda un poco a la película. Demasiados errores de novatos, sin duda.

En su lado positivo, sin duda los actores, como ya dije antes.
También hay que resaltar su disparatado guión, con bastantes momentos surrealistas, eso si, no esperéis mucha lógica en el mismo. Pero los diálogos están bastantes conseguidos, algunos personajes son impresionantes, Gil por ejemplo poniendo caras raras a la cámara, o Roy totalmente ida contando historias sobre su hija...

Y atención al final, un final que no os voy a contar, para no reventaros la película demasiado, pero que es un gran final.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 4
DIRECCIÓN: 2
ACTORES: 8
MÚSICA: 3

MEDIA: 4.8

Santiago de Sangre (Corto)

2009-01-16T20:04:00.005+01:00

SINOPSIS: Santiago de Compostela alberga una prisión para los vampiros. Uno de los reclusos es Gabriel, a quien parece no afectarle demasiado el encierro ya que trampea constantemente para celebrar fiestas y torturar a las chicas hasta el día en que conoce a Eva.

"Santiago de Sangre" es un cortometraje de Francisco Calvelo producido por Perro Verde Films (Gritos en el pasillo, El lince perdido) y protagonizado por Eloy Azorín.
Pasaros por AQUi para verlo.

TORREMOLINOS 73

2009-01-15T22:45:00.001+01:00

Torremolinos 73
España/Dinamarca
2003
DIRECTOR Pablo Berger
REPARTO Javier Cámara, Candela Peña, Juan Diego, Fernando Tejero, Mads Mikkelsen, Malena Alterio, Ramón Barea, Nuria González, Tina Sáinz
GUIÓN Pablo Berger
MÚSICA Nacho Mastreta
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica

Escondida detrás de la típica comedia, o lo que es lo mismo, lo que algunos llaman de forma despectiva "españolada", encontramos una argida tragicomedia.

Un joven matrimonio en los inicios de los años 70 en España, Alfredo López (Javier Camará) y Carmen( Candela Peña), malviven con el limitado sueldo de vendedor de enciclopedias de Alfredo. Lo malo es que, con la llegada de los fasciculos, el vendedor de enciclopedias tiene sus días contados.
Así que su jefe, Don Carlos (Juan Diego) les propone a los cuatro vendedores la siguiente oferta: rodas películas pornos caseras para venderlas en Europa en una nueva enciclopedia sobre la vida sexual...
Obviamente, la idea es vender esas películas como cine porno, pero la oferta es muy importante en el aspecto económico, y pese a que en un primer momento deciden negarse, al final acaban aceptando.
Poco a poco van mejorando su vida, pero en ambos comienzan a nacer nuevas inquietudes.

A Alfredo López comienza a gustarle ese nuevo mundo del cine, y se le comienzan a quedar pequeñas esas películas X caseras. La idea de rodar un largo serio y más allá del porno pronto le viene a la cabeza, y empieza a escribir un guión para presentárselo a Don Carlos.
Mientras, a Carmen cada vez más le atosigan sus ganas de ser madre. Antes siempre lo había querido ser, pero Alfredo se negaba por razones económicas. Pero ahora, sin esas trabas, comienza a buscar quedarse embaraza a toda costa. Por desgracia, pese a sus continuos intentos, no lo consigue. Y después de hacerse pruebas medicas ella y hacérselas a su marido, descubre que el problema lo tiene Alfredo; es estéril. Para no herirlo, Carmen se lo calla, pero cae en una tremena depresión.

Don Carlos, después de leer el guión de Alfredo de "Torremolinos 73", accede a levantar la película, rodandola en 35 mm, con un equipo profesional, y con una distribución más importante. Carmen será la protagonista, ya que se ha convertido en una pequeña estrella en Dinamarca por sus películas caseras. Alfredo se encargará de dirigirla, y por fin logrará su sueño.
Aunque, en un final muy logrado, también Carmen logrará su sueño...

Como podemos ver en el "Makink Off" que viene en la edición del DvD, la película está supuestamente basado en un caso real.
"Torremolinos 73" fué una película española porno, distribuida solo en Dinamarca, y que fue un gran éxito en ese país. La película estaba dirigida por un desconocido director español, Alfredo López, y protagonizada por su propia esposa, de nombre Carmen. La película, según los que la han visto, era una película totalmente subrealista, que mezclaba el cine de Begman con el porno.
Obviamente, en España esa película nunca fue editada, y con el paso de los años, nada más se supo ni de la película ni del matrimonio español, que quisieron esconderse trás el anonimato y olvidarse de su vida en el cine.

Muchos son los aciertos que Pablo Berger nos ofrece en su debut en la dirección, y hasta la fecha su única película.
Una perfecta recreación de una época, que pese a que a muchos se nos queda algo lejana ya, podemos leer y ver sobre ella por las fotos y las imagenes en películas o similares.
Aparte, un gran guión sobre cine dentro del cine, y sobre una pareja de personas normales, que por lograr sus sueños tienen que dar muchas cosas a cambios.
Y sobre todo, un gran reparto, desde la pareja protagonista formada por Javier Camara y Candela Peña, pasando por el grandisimo actor Juan Diego.

Por desgracia, la película pasó sin pena ni gloria, de forma inmerecida, sin duda.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 8
MÚSICA: 6

MEDIA: 7.4

EL BRUJO

2009-01-10T14:49:00.000+01:00

El brujo (Warlock)
1989
USA
DIRECTOR Steve Miner
REPARTO Julian Sands, Lori Singer, Richard E. Grant, Mary Woronov, Kevin O'Brien, Richard Kuss, Allan Miller, Anna Levine, David Carpenter
GUIÓN David Twohy
MÚSICA Jerry Goldsmith
FOTOGRAFÍA David Eggby

En 1691, un hombre es condenado a morir en la hogera, acusado de ser un brujo. Una fuerza misteriosa lo arrebata de su celda y sólo Redferne es testigo de su desaparición, se trata del hombre que le había capturado y que se arroja a la fuerza enigmática, desapareciendo también. Trescientos años después, el brujo aparece en Los Angeles. Gracias a una medium espiritista, averigua la misión que se le ha confiado: reunir las tres partes del "El Gran Grimoire", libro con el que conseguirá el poder de destruir la tierra. Redferne emprende una nueva persecusión para intentar someter al brujo. Pero los poderes de éste aumentan con los días y la única ayuda que tiene Redferne, es una joven hechizada por aquél.

Película ochentera total. Con unos efectos especiales la mar de cutre, pero muy apañados, la verdad es que la revisioné hace poco, y pese a que yo pensaba que iba a sufrir un paso de los años malos y decadentes, no fue así.
Cuando la vi allá por el final de los años ochenta, la verdad es que "Warlock" me pareció una maravilla. No recuerdo las veces que la alquilé en el videoclub, y en cuanto pude me la compré. Con el paso de los años la peli cayó en el olvido, hasta hace unas semanas que me dio por verla de nuevo.

Lo primero que llama la atención son las imagenes iniciales en el año 1691, y sobre todo el oscuro calabozo en que tienen encarcelado a el Brujo. El director consigue una gran puesta en escena, y la historia comienza bastante potente, sobre todo cuando se abre el portal, y escapa el brujo. Redferne no duda en lanzarse a el portal para ir detrás del brujo.
Ambos aparecen en la ciudad de los Angeles, en la época actual. Entonces comienza la persecución de el Cazador de brujas, que se ayuda de unos extraños aparatos (una especie de brújula que funciona con sangre del brujo). Como no tiene armas, Redferne decide usar una veleta para poder detenerlo. Además, lleva con él a una joven, que ha sido hechizada por el brujo, y cada día envejece 10 años. Obviamente, la muchacha tiene solo unos pocos de días para encontrar a el brujo y romper la maldición.

Así que "Warlock" se convierte en una formidable caza de brujas, pero con el reloj en contra de los héroes de la historia.
Plagada de geniales detalles sobre los brujos, entre ellos que si atraviesas una huella del brujo con un clavo este sufre el daño como si lo hicieras realmente, y con todo un completo trasfondo sobre la brujería, como su libro maldito, el guión hace que la caza sea todo, menos aburrida.

Julian Sands es el temible Brujo, y es sin duda lo mejor de la película. Su dialogo con un niño es bastante aterrador, más aún cuando unas escenas despues descubrimos que los brujos pueden volar gracias a comerse la grasa de la carne de los niños no bautizados...

Cuando vemos que el cine actual cada vez deja más que desear, es cuando comenzamos a darnos cuentas de lo buena que eran algunas películas de hace muchos años. Y eso que sus efectos especiales no eran nada del otro mundo.
Quizás el secreto estuviera en el guión, quizás un buen guión sea la clave para que una película sea decente. Vete tú a saber...

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 7
MÚSICA: 6

MEDIA: 7

LOS REYES DEL CRIMEN

2009-01-03T14:19:00.000+01:00

Los reyes del crimen (3000 millas a Graceland)
2001
USA
DIRECTOR Demian Lichtenstein
REPARTO Kurt Russell, Kevin Costner, Courteney Cox, Christian Slater, Kevin Pollak, David Arquette, Howie Long, Jon Lovitz, Thomas Haden Church, Bokeem Woodbine, Ice-T, David Kaye, Louis Lombardi, Shawn Michael Howard
GUIÓN Richard Recco & Demian Lichtenstein
MÚSICA George S. Clinton
FOTOGRAFÍA David Franco

Como cada año, en el Casino Riviera de Las Vegas se dan cita centenares de imitadores de Elvis, fans que se desplazan desde todos los rincones del mundo durante la semana internacional del rey del rock. Pero, en esta ocasión, entre los asistentes a la convención se encuentra una banda de atracadores que pretende asaltar el casino. A ritmo de rock y con excesos de pólvora conseguirán su objetivo provocando serios destrozos, y comenzarán una huida a través del desierto en la que aparecerá una chica de dudoso pasado con intenciones aparentemente buenas.

Año 2001. Un par de grandes actores se reunen para rodar una pequeña película que sirva como homenaje a un mito del siglo XX en norteamerica. En un primer momento, Kevin Costner iba a hacer el papel de el ladrón "bueno", pero al final prefirió quedarse con el papel de el villano de la historia.

Michael Zane (Kurt Russell) es un ladrón que acaba de salir de la cárcel de cumplir una condena de cinco años. Y nada más quedar en libertad, queda con un compañero de celda de nombre Murphy (Kevin Costner). Muphy prepara un atraco a un casino de las Vegas, aprovechado la semana Internacional de Elvis. Mientras que Zane intenta siempre hacer el menor daño posible, Murphy es de otra calaña, y no tiene escrúpulos. Con lo cual no duda en liquidar a Zane y a los otros compañeros después de dar el golpe. Pero Zane logra sobrevivir, y hasta logra quedarse con el botín del atraco, gracias a la ayuda de Cybil Waingrow (Courteney Cox), una mujer que vive en un hotel al lado de las Vegas con su hijo de diez años. Ambos emprenderán una huida con Muphy pisándole los talones.

Una película muy machacada tanto por la critica como por el gran publico, la verdad es que muy pocos supieron ver lo que era realmente; un pequeño guiño a Elvis Preysler dentro de una historia de acción.
Eso si, el mal trabajo de Demian Lichtenstein no ayuda en nada a la película, ya que es dirigida de forma burda, y con un acercamiento exagerado a el mundo de los videoclips (el montaje le delata, sobre todo en las escenas de acción), y solo se salva por los actores, un irónico y cruel Kevin Costner en un papel que jamas le hemos visto, y Kurt Russell, unos años antes de su relanzamiento con Tarantino, que como siempre demuestra lo gran actor que es, pese a que de vez en cuando no tenga mucha suerte con su elección de películas.

Pese a que Russel está a un gran nivel, es el personaje de Costner el verdadero protagonista de la historia. Muphy es un verdadero asesino, pero detrás de él se esconde un pasado turbio, marcado por un hecho que le lleva persiguiendo desde antes de su nacimiento; según una leyenda, Muphy es el hijo del mismísimo rey del rock...
Pero eso, en vez de ayudarle, solo le ha servido para darle un poco de notoriedad en el oscuro mundo de la delincuencia, pero poco más. De todas formas, ese es un asunto que ni el propio Muphy se ha encargado jamas ni de desmentir ni de confirmar. Seguramente, nadie aún se ha atrevido a preguntárselo directamente...
Y no hay que olvidar a la televisiva Courteney Cox, en un papel muy alejado de su rol en cierta serie. La actriz la verdad es que sale muy guapa en la película, y cuanto menos consigue no torpedear el productor final.

Vista unos años después, los aciertos de "Los Reyes del crimen" (el traductor se lucio, sin duda) la convierten en una entretenida ensalada de tiros(la escena inicial del atraco y la parte final así lo atestiguan), una buena road-movie muy cercana a el western, que en mejores manos hubiera dado un mayor resultado, pero que sin duda no es tan deplorable como las malas criticas que recibió en su estreno.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 8
MÚSICA: 6

MEDIA: 6

CRY-BABY

2008-12-26T22:10:00.001+01:00

Cry Baby (El lágrima)
1990
USA
DIRECTOR John Waters
REPARTO Johnny Depp, Traci Lords, Willem Dafoe, Amy Locane, Susan Tyrrell, Polly Bergen, Iggy Pop, Ricki Lake, Kim McGuire, Troy Donahue, Joey Heatherton, David Nelson, Patty Hearst, Joe Dallesandro
GUIÓN John Waters
MÚSICA Patrick Williams
FOTOGRAFÍA David Insley

Años cincuenta en los USA. El Rock And Roll es el Rey. Wade "El lágrima" Walker es el pandillero más peligroso de su instituto. Pero, pese a que no son de la misma escala social, una joven rica y pija se fija en él, y él en ella. Así que aunque lo tienen todo en contra, seguirán adelante con su amor.

John Waters es uno de los directores americanos más corrosivos y peligrosos de todos los tiempos, sobre todo por sus primeras películas ( y en especial Pink Flamingos), y que pese a que con los años se ha ido "domesticando", su cine siempre tiene un toque especial.

"Cry-Baby", en palabras de su propio director, quiere ser una comedia juvenil basada en las bandas de los años 50s, y en el subgénero que se creó por aquella misma época tratando el mismo tema, aunque de forma seria. Aunque uno después de verla, se queda con la idea de que lo que ha estado viendo es una parodia de Grease, con bastante critica a la sociedad americana de regalo. Aparte, uno puede notar como realmente a el director si le gustaba algo aquellos tiempos, la elección de la banda sonora le delata, y sobre todo una buena recreación de la época. Así que al final esta película acaba navegando entre la parodia a costa de Grease y el buen recuerdo de el director por esos años. Gracias a ello, logramos que el paseo por los USA de los años 50s vistos por John Waters sea muy entretenido cuanto menos, y si eres un amante de esa música en especial, la película será para ti toda una delicia.

Johnny Depp es el protagonista, en su primer papel importante en el cine. Después, ya Tim Burton se encargaría de terminar de subirlo a el podio de la primera división. El actor logra aquí una gran actuación, añadiendo otro personaje a su larga colección.
Traci Lords era una ex-actriz porno, que poco a poco iba encaminando su carrera hacia el cine serio. Fue famosa en USA por la gran polémica que levantó el hecho de que sus primeras películas pornos la rodará siendo menor de edad.
Y también aparecía en el reparto Iggy Pop, cantante que de vez en cuando le da por trabajar como actor.

Detrás de lo que pudiera parecer un guión para una comedieta y poco más, el director se encarga de que sea una historia original, y con algunas escenas bastantes notables.

Película sin duda a tener en cuenta, y que sorprenderá y gustará a muchos.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 8
ACTORES: 7
MÚSICA: 9

MEDIA: 8

Ultimátum a la Tierra (trailer)

2008-12-11T20:36:00.003+01:00

Remake de un viejo titulo de los años 50´s.
Un alienigena llega a la Tierra con un mensaje para los terrestres.
Keanu Reeves vuelve a un genero que siempre le ha tratado muy bien.

Trailer:

THUMAN CAPOTE

2008-12-09T13:50:00.000+01:00

Thuman Capote (Capote)
2005
USA
DIRECTOR Bennett Miller
REPARTO Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Clifton Collins Jr., Mark Pellegrino, Bruce Greenwood, Chris Cooper, Bob Balaban
GUIÓN Dan Futterman (Novela: Gerald Clarke)
MÚSICA Mychael Danna
FOTOGRAFÍA Adam Kimmel

Thuman Capote es el autor de "A sangre Fría", la novela que narra el asesinato de una familia entera a finales de los años cincuenta en una pequeña localidad americana.
Unos años después, esa novela hizo a Capote uno de los mejores escritores americanos de su época, y ese libro aún es muy recordado. Al cabo de los diez años de los asesinatos, Richard Brooks llevó la novela a la gran pantalla en una buena película.

En el año 2005, Bennett Miller volvió a llevar a la pantalla la historia de Kansas, pero desde un nuevo punto de vista; ni más ni menos que sobre la investigación que hizo el escritor Capote sobre el crimen, y la peculiar relación que mantuvo con los dos presos, en especial con Perry.

En el año 1959, Capote lee en un periódico el brutal asesinato, y decide ir a el sitio para investigar en persona en crimen para después escribir un articulo.
Al llegar allí, y ver la magnitud de los asesinatos, poco a poco comienza a rondarle la idea de hacer un libro. Pero es cuando atrapan a los asesinos y conoce a la pareja de asesinos cuando se decide a investigar aún mas a fondo con la idea ya confirmada de escribir una novela sobre la masacre.
Capote comienza a mantener una relación muy estrecha con Perry, y poco a poco va conociendo la vida tan dura que ha tenido que aguantar desde siempre, pero Perry no quiere contarle a Capote nada sobre la noche de los asesinatos, así que después de que los juzguen y los sentencien a morir ahorcados, Capote les proporciona un abogado mejor para ganar tiempo y que Perry le cuente lo que desea saber.

Y es esta relación lo más interesante de la película, ya que pese que en un principio Capota se hace pasar por "amigo" de Perry para lograr sacarle todo lo que necesita para poder escribir su libro, y que hasta decide entrar en juego para alargar los juicios y ganar tiempo, cuando logra que Perry le cuente los hechos exactos de la noche de la masacre, entonces Capote comienza a ponerse nervioso ya que hasta que los presos no sean llevados hasta la horca él tampoco puede terminar su libro al faltar el final. Capote comienza a desear que los dos asesinos terminen ya su vida, y es cuando el propio escritor se condena a si mismo. Y es que, como él ya declaro a principios de la película, ve que Perry es una persona que tiene mucho en común con él, como si los dos se hubieran criado en la misma casa durante la infancia. Solo que mientras que Capote salió por la puerta principal, Perry lo hizo por la de atrás.
Solo al final de la película, y minutos antes de que se vaya a cumplir la pena de muerte, un Capote que por norma general siempre sabe que decir, siempre tiene una frase ingeniosa, ese mismo Capote no es capaz de articular palabra ante Perry, solo sabe llorar y pedir perdón. Y es que a el escritor se le unieron los remordimientos por su actitud con los asesinos, como que veía que él podría haber estado en el sitio de Perry con un poco de mala suerte.
El libro de Capote fue uno de los mas importantes en la carrera de cualquier escritor americano, pero el precio a pagar por él fue mucho. Tanto, que nunca más volvió a escribir ningún otro libro.

Siendo esta peli una especie de Biopic, su punto fuerte es sin duda la historia que nos cuenta. Por desgracia, la primera parte de la película a mi se me hace un poco lenta, pero poco a poco va cogiendo fuerza, llegando a grandes momentos más adelante.
Notable sin duda son las escenas rodadas de la masacre. Pese a que el director no alarga mucho el metraje de ese momento, lo rodado aparece como un buen homenaje a la película anterior, "A Sangre Fria".
Por cierto, Phillip Seymour Hoffman logró el Oscar por este papel.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 6

MEDIA: 7

A SANGRE FRIA

2008-12-07T13:19:00.006+01:00

A sangre fría (In Cold Blood)
USA
1967
DIRECTOR Richard Brooks
REPARTO Robert Blake, Scott Wilson, John Forsythe, Paul Stewart, Jeff Corey
GUIÓN Richard Brooks (Novela: Truman Capote)
MÚSICA Quincy Jones
FOTOGRAFÍA Conrad Hall

Noviembre de 1959. Perry Smith sale de la cárcel con la condicional, y pese a que no puede volver a Kansas, es lo primero que hace. Su único amigo es otro delincuente común,Richard 'Dick' Hickock.
Dick se enteró en la carcel de que un granjero de un pequeño pueblo tiene una caja fuerte en su casa con 10.000 dolares, pero claro, él solo no puede hacer el robo, y por eso llama a Perry para que le ayude.
Por desgracia, en la casa de los Clutters no hay caja fuerte. Y sin motivo los dos hombre matan a los cuatros miembros de la familia y comienzan una huida desesperada con el botín de su masacre: 40 dolares,una radio y unos prismáticos...

Basada en la novela del mismo nombre de Thuman Capote, que a su vez se basó en un hecho real que estremeció a los americanos a finales de los años cincuenta. Capote investigó a fondo el asunto, y mantuvo una relación muy estrecha con los dos asesinos, hecho que logró plasmar en una novela con bastantes datos tanto sobre la matanza en si como los dos hombres responsables de la misma.

Varios son los elementos que convierten a esta película en una obra maestra.
La primera es la historia contada en ella, y sobre todo, la personalidad de los dos asesinos.
Dick es el más maquiavélico de los dos, y seguramente en más frió y el más peligroso. Él es el que hace que Perry acabe matando a la familia entera, jugando con la mente desquiciada por años de soledad y tristezas. Dick desde un principio sabe que hay que matar a la familia para evitar que los puedan detener al no haber testigos, pero pese a que no roban poco más de 40 dolares, él sigue adelante con su plan de hacer que nadie les pueda acusar. Por desgracia, en cuanto son detenidos el mismo Dick es el que pronto se derrumba y acaba confesando los hechos. Y eso que durante toda su huida, él siempre había querido separarse de Perry ya que se olia que junto a él seria presa fácil, pero las amenazas de su compañero no le dejaban escapar en solitario. Al final, como Dick se temía, son atrapados por un "fallo" de Perry. Durante la película, no vemos que Dick se arrepienta demasiado de lo que hicieron. Realmente, solo parece arrepentirse de que fueran atrapados.

Perry es el autor material de los cuatros asesinatos. Marcado por una dura infancia, con una madre alcohólica y un padre siempre con extraños sueños imposibles de realizar. Perry lo único que ha heredado de él es esa pasión por localizar tesoros españoles perdidos en Canadá. Y es que Perry vive en un mundo de fantasía, suponemos que alimentadas desde que era un crío para evadirse de la realidad. Ahora es un hombre sin amigos, cojo de una pierna por un accidente de moto, y con la idea de ser un cantante o un pintor famoso. En el fondo solo es un hombre amargado por su vida pasada, y con una falta de cariño que será lo que le lleve a matar a sangre fría a la familia, él los odia porque se da cuenta de que ellos tienen lo que él nunca tuvo, una familia normal. Ello unido a la manipulación que su compinche ejerce sobre él llevara a Perry a llevar a cabo la matanza.

Después, ambos intentaran huir escapando a Mexico, pero pronto Dick decide volver a USA, y será entonces cuando son detenidos, para después de algunos años de apelaciones y juicios, terminar sus días ahorcados.
Antes, iremos conociendo la historia de Perry en profundidad, solo para que quizás podemos llegar a entender porque alguien puede llegar a matar a cuatro personas sin ningún motivo aparente.
Por cierto, es indudable que el poder que Dick ejerce sobre Perry emana sobre todo de la atracción sexual que este siente por el guapo joven. Seguramente, aunque no termina de quedar claro, en algún momento de su aventura tuvo que haber algo entre ellos, ya que es indudable que la relación que mantienen es bastante "peculiar".

Con solo esa historia, "A Sangre Fría" ya seria una película muy a tener en cuenta. Además sus diálogos son muy acertados, y el personaje de Perry compone una de las mejores creaciones vistas en el cine (quizás la cosa es que la base era una persona real). Pero además, es que la película tiene un montaje realmente fantástico. La primera parte es simplemente genial, encadenando escenas tras escenas de una forma muy ingeniosa.
El elegante blanco y negro es lo que termina de convencernos de que estamos ante una película muy peculiar. Sobre todo en la primera parte de la película, y en el momento en el que por fin vemos la matanza en sí, es cuando las imagenes ganan mas fuerza con solo dos colores en la pantalla.

"A Sangre Fria", pese a que algunos la tachan de un metraje exagerado, es una obra maestra, es cine en palabras mayores, cine del bueno, y que en cada visionado gana más y más.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 10
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 10
ACTORES: 9
MÚSICA: 8

MEDIA: 9.2

EL SEDUCTOR

2008-12-04T01:30:00.000+01:00

El seductor (The Beguiled)
1971
USA
DIRECTOR Don Siegel
REPARTO Clint Eastwood, Geraldine Page, Elizabeth Hartman, Jo Ann Harris, Darleen Carr, Mae Mercer, Pamelyn Ferdin, Melody Thomas, Peggy Drier
GUIÓN John B. Sherry & Grimes Grice (Novela: Thomas Cullinan)
MÚSICA Lalo Schifrin
FOTOGRAFÍA Bruce Surtees

Don Siegel dirige de nuevo a Clint Eastwood en lo que fue un autentico fracaso en la taquilla de su época pero que ahora es considerada por muchos como una pelicula a tener muy en cuenta.

Durante la guerra civil americana, un soldado nordista llega herido a un colegio de señoritas del sur, en el bajo una férrea disciplina viven unas cuantas muchachas, una maestra, la directora y una sirviente negra.
Pese a que en un principio piensan en entregarlo, deciden mantenerlo encerrado en una habitación mientras se recupera de sus heridas, ya que están segura de que si lo entregan herido morirá en poco tiempo en la prisión militar.
En los primeros días, es tratado como un prisionero, pero al cabo del tiempo, y debido a los deseos sexuales escondidos y reprimidos de las mujeres que llevan años sin estar al lado de un hombre, el soldado ire conquistando a algunas chicas, a la maestra y hasta a la directora, pero por jugar con tantas barajas, el destino y la ira de las mujeres se lo pagaran muy caro.

Don Siegel rueda una cinta muy extraña, con personajes ahogados en un caserón. y con sueños sexuales y lascivos incluidos. El maestro consigue que pese a que solo use un escenario en toda la película, esta no sea aburrida en ningún momento, sobre todo gracias a su fascinante guión.
Al principio de "El seductor" vemos como una de las chicas tiene un cuervo herido en un ala atado a una cuerda, mientras espera a que se le cure, y eso sin duda es una buena similitud con el soldado que llega a ese supuesto paraíso y no sabe realmente donde se está metiendo.
Y eso que el personaje de Clint Eastwood es un verdadero elemento. En algunos momentos de la historia, mientras él le cuenta historias de la guerra y su participación en la misma, vemos realmente como eran las situaciones, y descubrimos que es realmente un verdadero tipejo que no le importa nada la gente del sur, pese a que ahora les mienta a sus guardianas para lograr que no le entreguen.
Obviamente, eso nos quedara claro cuando comienza a tontear con todas las mujeres de la escuela, dispuesto a pasar "un buen rato" con todas, a pesar de mentirle a más de una con palabras de amor que por supuesto que no siente.
Pero al final, el cuervo nordista recibirá doblemente su merecido, en dos impactantes giros de guión que no dejaran a nadie indiferente.
Con este film, Siegel nos demuestra que algunas mujeres, pese a su aspecto femenino y frágil, son capaces de hacer cosas realmente crueles también, incluso peor que muchos hombres, todo ello movidas por sus instintos más básicos, y sobre todo, como es el caso de la directora, por un pasado muy turbio con una relación oscura y sucia en su pasado.

Como ya podréis deducir, por aquellos años el espectador esperaba otro tipo de personajes de "El Hombre sin nombre", y la película, salvo unos pocos en Europa, nadie le hizo ni caso.
Ahora, y con la salida en DvD hace poco, podemos disfrutar de la mejor peli de Don Siegel, y una actuación de Clint Eastwood que ya comenzaba a enseñarnos que era algo más que un rostro impasible.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 9
MÚSICA: 7

MEDIA: 8.4

The Spirit (trailer)

2008-12-03T12:15:00.000+01:00

Frank Miller dirige Sin Cit...digo Spirit.
Resaltar a Paz Vega (más de uno la recuerda por Sevilla en sus inicios) en el reparto. Podremos verla a partir del 25 de diciembre en España.

Trailer:

EL BESO DEL DRAGÓN

2008-12-02T13:08:00.000+01:00

El beso del dragón (Kiss of the Dragon)
2001
USA
DIRECTOR Chris Nahon
REPARTO Jet Li, Bridget Fonda, Tchéky Karyo, Lawrence Ashley, Burt Kwouk, John Forgeham
GUIÓN Luc Besson & Robert Mark Kamen (Historia: Jet Li)
MÚSICA Craig Armstrong
FOTOGRAFÍA Thierry Arbogast

Liu Jian(Jet Li) es un policía chino que llega a Paris para ayudar a la policía francesa a detener a un mafioso chino que va a reunirse con su contacto en ese país. Al llegar conoce a el comisario Richard(Tchéky Karyo) que lleva toda la operación.
Pero de repente, Liu Jian se ver envuelto en una trama en la que el comisario mata a el mafioso chino, y hace que parezca que ha sido el policía chino. Así que además de escapar, tendrá que demostrarle a sus superiores que el verdadero asesino es el comisario Richard.

Jet Li a principios del año 2000 ha conseguido ser el actor de artes marciales más taquillero en el mundo. Quizás en competencia con Jackie Chan, pero desde dos estilos muy diferentes en sus películas. Mientras que el segundo ha apostado por unas películas con muchisimo toques de comedia, Jet Li ha preferido personajes muchos más serios y solitarios, acercandose a un cine mucho más violento y oscuro.
Obviamente, no seré yo el que diga quien de los dos actores es el mejor en las artes marciales, ya que no llego a ese nivel de conocimiento del tema, pero he de decir que las películas de Li siempre me han parecido mucho mejor, ya que el supuesto humor de su competidor para mi se queda siempre en estúpido y sin ninguna gracia.

La película que nos ocupa en esta reseña fue la segunda americana en la que Jet Li tenia el peso de la misma, y donde ya comenzaba a dejar claro su "estilo"; mezcla el cine de artes marciales de siempre con el cine de acción, policíaco o Thiller. "El Beso del Dragón" es un buen ejemplo de todo esto. La coreografía de las peleas son vibrantes y espectaculares, con un Li pletórico y en su mejor momento. Pero aparte, la cinta añade mucha violencia y muchos toques de cine policíaco, con un sádico villano al que le pone rostro Tchéky Karyo, y que casi que logra eclipsar a el propio personaje de Jet Li. Muy bien rodada, es una película que sin duda en su hora y media no va a aburrir a nadie a poco que te gusten las películas de este tipo.

Eso si, no seria justo no hablar de los fallos de la misma, que son sin duda un guión bastante limitado y esquemático, que no se sale de lo que se espera en cualquier momento de una peli de acción al uso. Solo la cosa parece algo original en el personaje de la guapa Bridget Fonda, una drogadicta obligada a prostituirse por el comisario Richard ya que este tiene a su hija en un orfanato. Este personaje es el que aporta el lado más humano, y que sirve como contrapunto a el silencioso y casi sin sentimientos Liu Jian.

Pese a todo, el guión es aceptable, no se sale de madre en ningún momento, y logra el objetivo deseado por el director, supongo, que no es otro que servir como escenario para firmar las peleas.
De lo mejorcito de Jet Li.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 5
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 6
ACTORES: 7
MÚSICA: 6

MEDIA: 6

EL LOBO

2008-11-30T12:44:00.000+01:00

El Lobo
2004
España
DIRECTOR Miguel Courtois
REPARTO Eduardo Noriega, José Coronado, Mélanie Doutey, Silvia Abascal, Santiago Ramos, Patrick Bruel, Jorge Sanz
GUIÓN Antonio Onetti
MÚSICA Héctor Calvo
FOTOGRAFÍA Francesc Gener

La verdad es que es un poco curioso que tenga que venir un director francés a dirigirnos las películas sobre ETA. Aunque este quizás sea un asunto que también les toca muy de cerca a los vecinos, y más cuando el director es de madre española.

Basada en hechos reales, la película nos cuenta la historia de Txema, conocido por su apodo de topo "El Lobo", un infiltrado de la policía que llegó a estar muy arriba en la organizacion de ETA, y que gracias a su trabajo hizo que se detuvieran a más de 150 miembros de la banda terrorista. Obviamente, después de aquello, ETA le puso precio a su cabeza, así que tuvo que cambiarse de nombre y de rostro para poder seguir viviendo.

"El Lobo" se centra en la historia de este topo, y de como para poder hacer su trabajo tiene que destruir su vida anterior, ya que tiene que dejar atrás a su mujer y a su hijo pequeño, a los que nunca más volverá a ver. Obviamente, la decisión que toma es empujado por las necesidades económicas por las que pasa a el principio de la película (aunque se deja caer que quizás estos apuros se acentúan cuando el comisario se mete en el camino de Txema), así que no le queda otra que ayudar a el comisario Ricardo ( un siniestro y trepador Coronado) pese a su negativa inicial.
La historia se centra entre los años 1973 y 1977, años dificiles en una España que espera la muerte del dictador para ver que va a pasar a continuación. En la película, hay dos grandes grupos, cada uno con unas intenciones; Los miembros de ETA están divididos entre si ya que mientras una parte de ellos cree que al llegar la democracia lo mejor seria abandonar las armas y comenzar a lograr sus ideales por medio de las urnas, mientras que la rama dura aboga por endurecer aún mas los atentados, para que la contra-ofensiva del gobierno haga un efecto de acción entre el pueblo vasco. Por desgracia, la batalla la ganan las armas, y la banda se prepara para seguir con los atentados.
En el otro bando, la policía y el servicio secreto de la dictadura esta bastante preocupado, tanto por ETA como por el futuro que les queda en la democracia. Y es entonces cuando, mientras que Lobo sigue escalando posiciones en la banda e informa que en pocos meses puede lograr detener a toda la banda, el comisario le dice que no están interesado en eso, ya que sin etarras, el servicio secreto y la policía no serian necesarios en los nuevos tiempos, así que deciden que Lobo debe morir. La policía atrapa a una parte de la banda, pero el Lobo escapa. Y ya entiende que esta metido en una guerra en la que nadie la quiere ganar, ya que ambos bandos necesitan al otro para seguir existiendo.
Obviamente, esta es una tesis dura, pero que no podemos dudar que puede haber ocurrido así.

Aparte de toda la trama política que podemos ir viendo a lo largo de la película, el director logra que la acción sea el motor básico, y que la película sea entretenida y uno disfrute de por fin ver escenas de acción bien rodadas, y que pese a que no lleguen a el nivel de las americanadas, son unas escenas de acción realistas y que quedan bastante bien como muestra del buen cine negro o del genero del thriller.
La fotografía esta a un gran nivel, y el montaje también, tanto que en ese año logró el Goya en ese apartado, además de otro para los efectos especiales.
El director logra una buena escenificación de la época, y sobre todo de los terroristas, aunque tampoco se quedan atrás los policías fascistas, como el ya mencionado Coronado.
Noriega se mantiene en general en buena linea, aunque un par de mujeres se llevan los mejores elogios, la desconocida Mélanie Doutey como una etarra capaz de cualquier cosa por subir en la organización, y la guapisima Silvia Abascal, en un corto pero notable personaje.

"El Lobo" al final acaba siendo una estupenda película de acción, con una mirada dura y neutral sobre los hechos de aquellos oscuros años. Y el tiempo dirá si es la mejor película sobre ETA rodada nunca ( mejor esperar unos años más antes de dar el veredicto final sobre ese asunto)

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 8
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 7

MEDIA: 7.2

TERRORISTAS

2008-11-29T00:58:00.001+01:00

Terroristas
1986
España
DIRECTOR Antonio Gonzalo
REPARTO Maite Irache, Ángel Pardo, Mario Pardo, Jesús Puente, Miguel Rellan, Carlos Tristancho, Marina Saura, Teddy Bautista, Manuel de Blas, Gabriel Fariza, Ramón Reparaz, Ricardo Romanos, Juan Carlos Ordóñez, Fernando De Luis, Alfonso Marcos
GUIÓN Antonio Gonzalo (basado en "El mensajero" Jorge Martínez Reverte)
FOTOGRAFÍA: Julio Madurga
MÚSICA Teddy Bautista

En una España de los años setenta que comienza a disfrutar de la democracia, un grupo de militantes de un partido político de izquierda se unen para formar un comando terrorista para comenzar una guerra armada contra el gobierno. Comienzan con unos primeros robos, pero pronto empiezan a matar, con lo cual la policía dedicará muchos esfuerzos a detenerlos.

"Terroristas" es de las primeras películas del cine español basado en ETA. Pese a que en ella se evita ponerle ese nombre a la banda armada y se sustituye por el de GRAP (Grupo revolucionario armado del proletariado) y se cambian los fines políticos perseguidos por los terroristas (en vez de buscar la autonomía de una parte de el país son partidarios de imponer ideas de radical/izquierda en todos los sentidos) esta claro que estamos viendo una adaptación del grupo terrorista vasco, aunque bastante simplificado. El guión estaba basado en la novela de Jorge Martínez Reverte "El mensajero", y pese a que estamos ante una buena idea, la historia no termina de engancharnos, unido sobre todo a la precariedad de medios con el que tuvo que ser puesta en pié la película, y es que vista ahora parece que estamos antes un trabajo de unos cuantos amiguetes rodando con una videocamara de super8. Así que olvidemonos de ver grandes escenas de acción, por supuesto. Aparte, salvo en un par de excepciones (Jesus Puente y Miguel Rellán), el reparto es bastante malo.
Con esas premisas, el guión seria realmente lo que debería de salvar esta película de la quema, pero este falla también, sobre todo por unos desnudos que sin venir a cuento se colocaron para rellenar metraje y supongo que para llamar la atención del espectador. Aparte de eso, no terminamos de entender del todo ni las ideas políticas ni de donde sale el grupo politico que monta el comando terrorista. Supongo que la idea sería evitar buscarles algún tipo de razón o excusa para llevarlos a la lucha armada, pero por ese lado se queda algo coja la historia.
Aunque pese a ese pequeño detalle, la trama tiene cosas muy interesante; Nos cuentan como funciona un grupo terrorista ya que a lo largo de la historia vemos desde el aprendizaje hasta el final de los miembros del mismo. Esa parte y ver sus primeros golpes es lo más atrayente. Aunque no quiero dejar de señalar que vemos en la historia que un grupo de la policía se dedica a matar a los terroristas en la cárcel, sin ningún tipo de remordimiento. Yo pensaba que ese tema, el de la policia corrupta, no se iba a tratar en una película en aquellos años, pero me ha parecido curioso verlo. Por supuesto que el espectador se queda con el comisario justo y benévolo que hace las cosas como se tienen que hacer en la democracia, aunque por desgracia es el comisario fascista el que acaba saliéndose con la suya, y mata a todo los componentes del comando para evitar que sean interrogados por el otro comisario, en un final que quizás nos da a entender que hay mucho más detrás de lo que en un primer momento parece, y que los del comando solo son unos pobres infelices.

Cinematograficamente deja mucho que desear, pero sin duda estamos antes una rareza, y más en aquellos años.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6
AMBIENTACIÓN: 3
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 3
MÚSICA: 3

MEDIA: 3.8

SOLAS

2008-11-27T18:51:00.004+01:00

Solas
1999
España
DIRECTOR Benito Zambrano
REPARTO María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Novoa, Antonio Dechent, Paco de Osca, Juan Fernández
GUIÓN Benito Zambrano
MÚSICA Antonio Meliveo
FOTOGRAFÍA Tote Trenas

María (Ana Fernández) malvive en un oscuro apartamento de un barrio pobre y conflictivo, trabaja eventualmente como chica de la limpieza y, próximos ya los 40, está embarazada de un hombre que no la ama. Está sola y la bebida es su única compañía. Su madre (María Galiana) ha malgastado su vida junto a un hombre que confundió siempre las caricias con las bofetadas y por una hija que ha trazado su vida lejos de ella. Está sola. Su vecino (Carlos Álvarez), viudo, apura sus últimos años junto a Aquiles, su perro. Está solo. Los tres entrecruzan sus vidas y suman sus soledades dando así una oportunidad a la esperanza.

Auténtica obra maestra del cine español, sin paliativos.
Además, la película tiene el aliciente personal de haberse rodado por un equipo sevillano, y en la ciudad de Sevilla en su mayoría, y no es común ver películas que tienen a tu ciudad como escenario, así que como entendereis el calado es aún mayor.
Y vemos la Sevilla que no se suele ver cuando sale por la tele, pero es la Sevilla real, la Sevilla de los sevillanos, no de los turistas de la feria de abril.
Pero volvamos a hablar sobre la película en sí; Debút del director Benito Zambrano, que llevaba muchos años con la historia ya escrita y lista para ser pasada a imagenes, pero claro, lograr poner en pie una peli por aquí abajo cuesta lo suyo.

Pese a contar casi sin ningún presupuesto, Zambrano logra poner en pantalla muchas emociones y sentimientos, gracias a los diálogos de sus personajes, y tambíen con algunos de los mejores silencios vistos en el cine español.

La soledad ha sido una sombra que persigue a los hombres desde siempre, como es el caso de la mayoría de los personajes de esta historia, ya que todos están solos, aunque algunos tienen muchos más problemas que añadir a esa soledad.
Aparte de la soledad, la película nos habla de muchos mas asuntos, como el maltrato, , el aborto, la pobreza, o más exactamente, el daño que Maria siente a ver que su vida no es como ella soñó cuando era pequeña, y que seguramente todos sus sueños de juventud se han ido apagando, como ella. Ahora, con treinta y cinco años, se ve sola, pobre, y sin nadie a su lado, y se refugia en relaciones sentimentales sin ningún tipo de futuro, y sobre todo en el alcohol. Y es en ese momento cuando aparece de nuevo en su vida su madre, una madre a la que pese a que la quiere, le reprocha que aún siga aguantando a su padre, un hombre borracho y que siempre les pegaba a ella y a sus hijos.
Y es que su madre es una mujer silenciosa, pero que pese a todo lo que lleva aguantando, siempre tiene la bondad como principal forma de luchar contra la soledad.
Y es su vecino, un hombre mayor también solo en la vida, el que cierra este pequeño triángulo, un viejo que a la postre tendrá mucha importancia en un gran final, y que pese a el tono melancólico general de la película, es un final que nos lleva a tener una pequeña esperanza en que quizás, cuando todo va mal solo puede cambiar a mejor.

Obviamente, para lograr hacerle llegar a el espectador todo esto, sin el genial reparto hubiera sido imposible, pero por suerte Zambrano contó con Ana Fernández, en ese momento desconocida actriz pero que aquí borda un papelón como Maria, un personaje al borde de muchas cosas, y que es seguramente su mejor papel en el cine.
María Galiana tampoco se queda atrás, y con solo algunas miradas es capaz de enseñarnos el interior de esa madre que ve como su hija está tirando por la borda su vida, pero que poco puede hacer por ayudarla, ya que ella no le deja. Seguramente, muchos años de reproches y discusiones han echo que al principio las dos se traten de forma muy fría y distante, pero poco a poco, y sobre todo en un abrazo de despedida, y en una mirada de la madre a la hija que se va por el pasillo del hospital, vemos el amor que ambas se transmiten, pese a todo lo vivido en el pasado.

Es una pena que Zambrano no pudiera continuar la senda comenzada en su debút, pero por desgracia se puso el listón demasiado alto.

La pelicula en su estreno fue un exito inesperado, y casi sin publicidad, y aparte se llevó 5 goyas. Aunque fue una injustica que no se llevara el de mejor pelicula, ya que como siempre, le tocaba a cierta "Almodovarada".

"Solas", auténtica obra maestra.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 9
AMBIENTACIÓN: 9
DIRECCIÓN: 9
ACTORES: 10
MÚSICA: 8

MEDIA: 9

007 Quantum of Solace (Trailer)

2008-11-26T20:43:00.002+01:00

Vuelve 007.
Traicionado por Vesper, la mujer a la que amaba, 007 se enfrenta a la necesidad de convertir su nueva misión en algo personal. En su búsqueda decisiva para revelar la verdad, Bond y M interrogan a Mr. White, quien revela que la organización que chantajeó a Vesper es mucho más compleja y peligrosa de lo imaginado. El servicio de inteligencia forense vincula a un traidor del Mi6 con una cuenta bancaria en Haití, donde un caso de identificación errónea lleva a Bond a conocer a la bella pero combativa Camille, una mujer que tiene su propia venganza. Camille conduce a Bond directamente hasta Dominic Greene, un despiadado hombre de negocios y miembro importante de la misteriosa organización. En una misión que lo lleva a Austria, Italia y Sudamérica, Bond descubre que Greene, conspirando para tomar el control de uno de los recursos naturales más importantes del mundo, está fraguando un trato con el exiliado General Medrano. Utilizando a sus aliados en la organización y manipulando sus poderosos contactos dentro de la CIA y del Gobierno Británico, Greene promete derrocar el régimen existente en un país latinoamericano, cediendo al General el control del país a cambio de una porción de tierra aparentemente estéril. En un campo minado de traiciones, asesinatos y engaños, Bond se alía con sus viejos amigos en una batalla para desenmascarar la verdad. A medida que se acerca al hombre responsable de la traición de Vesper, 007 debe mantenerse un paso por delante de la CIA, de los terroristas e incluso de M para desenredar el siniestro plan de Greene y detener a su organización

THE KILLER BARBYS

2008-11-24T00:45:00.005+01:00

The Killer Barbys
1996
España
DIRECTOR Jesús Franco
REPARTO Santiago Segura, Aldo Sambrell, Mariangela Giordano, Charlie S. Chaplin, Silvia Superstar, Carlos Subterfuge, Angie Barea, Billy King, Pepa López, Alberto Martínez
GUIÓN Jesús Franco, Patxi Irigoyen
MÚSICA Daniel White
FOTOGRAFÍA Javier Pérez Zofio

En plena gira, los miembros de Killer Barbys se desplazan desde el lugar donde ofrecieron su último concierto a la siguiente parada. Pero su furgoneta se estropea a mitad de camino, en pleno bosque y con la noche a punto de caer. De repente aparece un extraño personaje, Arkan, que accede a que pasen la noche en su palacio para que al dia siguiente venga la grua a por la furgoneta.
El palacio en verdad es propiedad de una condesa que lleva más de cien años manteniendose viva y bella, gracias a la sangre de jovenes...

En el año 1996 llevaba ya el bueno de Jess Franco una época bastante paradillo y un poco olvidado por España, cuando se le pone a tiro "Killer Barbys", una pelicula con un grupo que por aquellos años gozaba de cierta fama, y con el gran Santiago Segura, recién salido del éxito de "El Día de la Bestia". Así que el director español decide no dejar pasar la oportunidad de volver a estrenar en las salas de los cines, y se pone delante del proyecto. Él mismo escribe la base de la idea del guión, a la que solo necesitan añadirle a el susodicho grupo, a Santiago Segura homenajeandose a si mismo en su papel de Evilio de aquellos primeros cortos, y a Aldo Sambrell como secundario de lujo.

Obviamente, cualquiera antes la oportunidad de volver a el cine de primera linea, hubiera intentado hacer algo que saciara a el gran publico, y que a la postre hiciera que te hubieran seguido llamando para mas proyectos importante. Pero claro, Franco es Franco, y como siempre, hizo lo que más le apeteció, que fue una peli de serie Z, casposa y cutre, con un guión lamentable en su desarrollo, y con unos diálogos estúpidos a mas no poder. Y es que en el colmo de la ¿genialidad? el director hace que una parte de los diálogos se digan en ingles, aunque por suerte, daba lo mismo eso que en español, ya que seguramente lo mismo hubiera sido, nadie se hubiera enterado de nada.

Y es en este momento cuando uno se imagina la cara de los productores al ver la película terminada, y pensando como leñes vender aquello. Pues después de pensárselo mucho optaron por el camino fácil, e hicieron una campaña de publicidad centrada en Segura, y presentando la película como una de De la Iglesia, vamos, casi una segunda parte no-oficial de "El día de la bestia". Pero claro, el publico no es tonto, y la peli no duró más de una semana en la cartelera.

"KILLER BARBYS" como obra cinematográfica es una verdadera basura, sin duda, pero ahí radica su gracia, que está rodada sin ninguna pretensión artistica, solo con el sano placer de que el espectador pase una hora entretenido, y poco más.
Con un poco de sexo, un poco de violencia, un poco de gore y una historia absurda y casi surrealista, no importa porque ocurre, sino lo que ocurre en si.
Y solo si estas preparado para eso, eres capaz de encontrarle algún sentido a "KILLER BARBY".
Yo personalmente me quedo con la actuación de Sambrell como un enamorado Arkan, y con Santiago Segura, auténticamente a sus anchas en esta película, con una pareja de enanos terrorifica. De los demás actores mejor no decir nada.
De la trama central mejor olvidarla, pero la escena de Silvia paseándose por la cocina semidesnuda con un cuchillo y descubriendo la casquería y las fritangas es de lo mejorcito.
También es salvable la banda sonora, muy cañera.

En aquel año el publico "corriente" no estaba preparado para un cine de este tipo, y en ese momento se acabó el posible lanzamiento de Jesús Franco a la primera linea del cine español.
Por suerte, este año 2008 va a recibir un goya honorífico a toda su carrera, y veremos si eso hace que comience a ser más conocido.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 3
AMBIENTACIÓN: 4
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 4
MÚSICA: 6

MEDIA: 4.2